Nacida en México el 16 de septiembre de 1937, María de la Luz Tena Álvarez antes de convertirse en la gran intérprete de las castañuelas como instrumento musical fue bailarina. Antes de convertirse en la gran intérprete de las castañuelas fue bailarina En los inicios en su tierra natal estudió ballet clásico con Nina Shestakowa durante ocho años . Luego, con la bailarina española Emilia Díaz aprendió los bailes del rico folclore español y la joya clásica de la danza española: la escuela bolera. Más tarde fue el turno de las coreografías de las danzas clásicas de Albéniz, Falla, Turina, Granados . Suele afirmar que las castañuelas son “su alma hecha ritmo” En ocasión de una gira que Carmen Amaya estaba realizando en México, una muy joven Lucero se acercó para pedirle clases . No fue posible porque La Capitana ponía su duende y su energía solo en el escenario, no daba clases, pero sí la invitó a verla bailar . Estuvo seis largos meses viéndola bailar y cuando Leonor Amaya sufrió un serio percance de salud y fue necesario reemplazarla, La Capitana no dudó en señalar a “la mexicanita". El “Capricho Español” fue el inicio de su carrera profesional como bailarina. Era muy joven y su madre la acompañó en la gira que realizaron en México y en Norteamérica a lo largo de tres años y cuando llegó el momento de viajar al sur de América, Lucero manifestó que su sueño era conocer España y hacia allí partieron madre e hija. Estuvo veinticinco años en el Corral de la Morería , esto solo dice el gran éxito que cosechó en su tierra de adopción. Estuvo veinticinco años en el Corral de la Morería Al enfermar su padre regresó a México, donde vivían intelectuales de la talla de León Felipe que acostumbraba visitar su casa. Después de escucharla tocar la Sonata en Mi mayor 395 de Scarlatti con las castañuelas, le dijo con su voz de poeta solitario que “hasta el mismo Bach estaría feliz de escucharla” . El poeta León Felipe dijo sobre ella: “hasta el mismo Bach estaría feliz de escucharla” Así nació la idea de ser solista de castañuelas. Le gusta decir que ellas son “su alma hecha ritmo”. Dejó de bailar para dedicarse a interpretar música con las dos valvas de madera dura, de tamaño acorde a la palma de su mano pequeña, con dos voces; grave y aguda. Son su tesoro, tiene en su casa medio centenar de ellas y, claro está, no permite que nadie las toque. Su luthier fue siempre José Tárrega Peiró Lucero Tena, la máxima concertista de castañuelas, a pesar de la edad, sigue perfecionando y brindando al mundo el fruto de su maravilloso arte. Dice que es muy emotiva aunque, si de emociones se trata, cuando la escuchamos tocar las castañuelas nos emocionamos juntos. (Fuente: Antonio Luengo, entrevista realizada en el Teatro de la Zarzuela) Nieves E. Morán

Ayer tuvimos la suerte de asistir al estreno de la cuarta producción de la compañía de danza Alejandro Lara Dance Project . "Española fugaz" es claramente reconocible como creación de Alejandro Lara, bailarín con un estilo propio inconfundible que derrama sobre sus creaciones. "Española fugaz" comienza con un cuadro de escuela bolera tradicional, elegantísimo, interpretado por todo el elenco Comienza con un cuadro de escuela bolera tradicional , elegantísimo, interpretado por todo el elenco que nos hizo gozar con su finura, para a continuación conducirnos con una música potente a la danza estilizada modernizada con el toque de Alejandro y finalizando con una espectacular coreografía de Alejandro Molinero en el que las bailarinas lucen un precioso vestido en tonos ocres con una cascada de godets que nos hicieron volar con su movimiento sencillo y puro. una cascada de godets que nos hicieron volar con su movimiento sencillo y puro El elenco de Alejandro Lara Dance Project es excelente técnicamente pero, sobre todo destacaría algo que para mí es muy especial; sus sonrisas que te suben a su danza y te incluyen en su proyecto. Eche de menos a Alejandro que, en esta ocasión nos ha privado casi por completo de su magia y solo deja ver su reflejo fugaz en un solo y una caminada bajo de peso de la red que lo captura. sus sonrisas que te suben a su danza y te incluyen en su proyecto Os recomendaría que no dejéis de verla; como todo lo que hace Alejandro Lara es algo especial, original y moderno. Tenemos la suerte de tener una red de teatros en la Comunidad que programan magníficos espectáculos de danza a precios muy asequibles . Tenemos muchísimo talento en danza española y valientes como Alejandro que ponen toda su energía y creatividad para hacer realidad su Fantasía y, de paso, hacernos volar con su imaginación y disfrutar de su creatividad.  Tenemos muchísimo talento en danza española y valientes como Alejandro que ponen toda su energía Olé por ellos. Gracias por hacernos soñar y sonreír con vosotros. LETICIA VALLÉS

EL PRÓXIMO SÁBADO 11 DE ABRIL SE ESTRENA "ESPAÑOLA FUGAZ" EN EL TEATRO BOSQUE DE MÓSTOLES Es el cuarto espectáculo que nos presenta Alejandro Lara al frente de su compañía de Danza Española y Flamenco Es el cuarto espectáculo que nos presenta Alejandro Lara al frente de su compañía de Danza Española y Flamenco, una creación que nace desde el más profundo deseo de sucumbir al presente y al mismo tiempo dejarse arrastrar por la inmediatez . En un mundo que corre más rápido que nuestra mirada, esta obra propone sostener la velocidad, sin quedar encadenados a ella, celebrar el lugar del que venimos y disfrutar, por fin, del tiempo presente. Una estela de recuerdos, costumbrismo sin romanticismo, y un gesto de libertad ante lo inevitablemente fugaz. Alejandro Lara Dance Project Fundada en 2021 por el bailarín y coreógrafo Alejandro Lara, es una compañía que equilibra a la perfección Danza Española y Flamenco con un enfoque contemporáneo. En poco tiempo se ha consolidado como una propuesta joven, pero sólida y renovadora dentro del panorama de la Danza Española actual demostrando año tras año su potencial artístico al frente de su propia compañía de autor. Autoría y dirección : Alejandro Lara. Coreografía : Alejandro Lara, invitados: Adrián Manzano y Alejandro Molinero Dirección musical : Édouard Lalo y Victor Guadiana Bailarines : Elena Palomares, Alba Expósito, Candela Villaseñor, Lucía Fernández, Laura Pérez, Diego Olmier, Ethan Soriano, Adrián Gómez, David Palacios, David Lordén y Alejandro Lara COMPAÑÍA RESIDENTE DE DANZA DE LA CIUDAD DE MÓSTOLES ESPACIO ESCÉNICO Teatro del Bosque PROGRAMA/CICLO Escena Danza DURACIÓN 60min' EDAD RECOMENDADA Todos los públicos

La compañía flamenca de Antonio de Verónica y Saray Cortés rinden homenaje a Miguel de Molina con el espectáculo Entre dos orillas, una vida bailada El Teatro Circo Price de Madrid acoge el 22 de marzo este montaje dentro del Festival de las Estrellas 2026, una propuesta que revisita la vida del icónico artista de la copla a través de la danza y la música en directo Imagen del bailaor Antonio de Verónica como Miguel de Molina en Entre dos orillas La compañía flamenca de Antonio de Verónica  y Saray Cortés  presenta el 22 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid   Entre dos orillas, una vida bailada , espectáculo que recupera la figura del legendario artista malagueño Miguel de Molina : uno de los grandes referentes de la copla española y un creador adelantado a su tiempo cuya historia continúa resonando en el presente. El montaje, que se enmarca dentro de la programación del Festival de las Estrellas 2026 , propone un recorrido escénico por la vida y el legado de Miguel de Molina  a través del flamenco, la música en directo y una puesta en escena que combina danza, teatro y poesía. El espectáculo está concebido desde la mirada original y atrevida de la compañía, que revisita la figura del artista desde una perspectiva contemporánea y profundamente flamenca. Los intérpretes Antonio de Verónica y Saray Cortés A través de este espectáculo, la compañía revisita la trayectoria de Miguel Frías de Molina, un intérprete que revolucionó la canción española con su estilo único, su estética escénica y su forma profundamente personal de entender el arte. Su manera de cantar, vestir e interpretar convirtió cada actuación en un acontecimiento artístico que marcó una época y dejó una huella imborrable en la historia de la música española. En "Entre dos orillas, una vida bailada", el bailaor Antonio de Verónica encarna al propio Miguel de Molin a En Entre dos orillas, una vida bailada , el bailaor Antonio de Verónica  encarna al propio Miguel de Molina en una recreación escénica que recupera su universo artístico, mientras que  Saray Cortés  interpreta a personajes clave de su trayectoria, entre ellos la legendaria cupletista Concha Piquer , además de protagonizar distintos pasajes coreográficos inspirados en el legado del artista. Saray Cortés interpreta a personajes clave de su trayectoria, la legendaria cupletista Concha Piquer El espectáculo revisita algunas de las coplas más emblemáticas asociadas al artista reinterpretadas y adaptadas a distintos palos flamencos. La obra también incorpora referencias a figuras fundamentales de su entorno cultural, como Federico García Lorca , cuya poesía se integra en algunos momentos de la dramaturgia. Con esta propuesta, la compañía malagueña ofrece un homenaje escénico a un artista irrepetible cuya figura sigue inspirando a nuevas generaciones y cuya historia continúa siendo celebrada en los escenarios. El bailaor Antonio de Verónica durante un momento de la representación Miguel de Molina, un artista adelantado a su tiempo La figura de Miguel de Molina trasciende lo estrictamente artístico. Perseguido, censurado y obligado al exilio por su forma de entender el arte y la vida, el intérprete malagueño se convirtió en un símbolo de libertad en una época marcada por la represión. Con el paso del tiempo, su legado ha sido reivindicado como el de uno de los grandes iconos de la diversidad y referente histórico del colectivo LGTBIQ+. Entre dos orillas, una vida bailada, Antonio de Verónica y Saray Cortés buscan reivindicar precisamente esa libertad Con Entre dos orillas, una vida bailada , Antonio de Verónica y Saray Cortés buscan reivindicar precisamente esa libertad y valentía que definieron al artista, recuperando su memoria desde una mirada flamenca contemporánea. Equipo artístico Antonio de Verónica Bailaor malagueño que comenzó a bailar desde muy pequeño en el seno de una familia profundamente vinculada al flamenco. Recibe influencias artísticas de su padre, que formó parte de los coros que acompañaban a Camarón de la Isla  en sus giras. Con apenas siete años inicia sus primeras actuaciones en teatros de la provincia de Málaga, desarrollando una trayectoria marcada por la pasión flamenca y un estilo propio sobre el escenario. Saray Cortés Nacida en Barcelona, crece rodeada de flamenco gracias a la influencia de su madre, la reconocida bailaora La Salinera. Comienza su actividad artística a los cinco años y recibe una intensa formación en flamenco, danza española y ballet. Posteriormente amplía su formación en Sevilla con maestros como Manuel Betanzos y Soraya Clavijo , consolidando una carrera marcada por la fuerza expresiva y el dominio técnico del baile flamenco. A lo largo de sus trayectorias, Antonio de Verónica y Saray Cortés han compartido escenario con algunas de las grandes figuras del flamenco y la música española, entre ellas Farruquito , Estrella Morente  o Antonio Banderas , consolidando así una carrera marcada por la colaboración con destacados nombres del panorama escénico. Ambos artistas han desarrollado un lenguaje propio dentro del flamenco, llevando su arte a numerosos escenarios y proyectos dentro y fuera de España. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Rom , CND. Fotografía Enrique Escorza TEATROS DEL CANAL Sala Roja Concha Velasco Del 12 al 15 de marzo de 2026 (20:00 h. excepto domingo 18:30h.) THE SECOND DETAIL – William Forsythe   PAUSA BECOME – Johan Inger  1 h. 30 min. (con pausa de 20 min. incluido) ROM R ange o f M otion Memoria instantánea de los diferentes rangos del movimiento en el cuerpo. " La mirada de estos rangos es la esencia de la CND , donde convergen conceptos, estilos y lenguajes coreográficos que parten de orígenes distintos y confluyen en la Europa de entre siglos. Este programa propone un viaje a esa memoria partiendo del lenguaje abstracto, algorítmico de William Forsythe, a la herencia expresionista y dramatúrgica de Johan Inger. Un mismo escenario que da cuerpo a la memoria de conceptos de movimiento a través de estas obras. Un escenario que sirve como reserva de la memoria colectiva de la danza. Un escenario-memoria de movimientos, conceptos y lenguajes de la mirada de estos dos autores imprescindibles para entender la historia de la danza de nuestros días" Muriel Romero Directora Compañía Nacional de Dan za Rom , CND. Fotografía Enrique Escorza Compañía Nacional de Danza (CND) La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Clásico Nacional (a partir de 1981, Ballet Nacional Clásico), con el bailarín y maestro Víctor Ullate como primer director, que implementó en la nueva compañía el estilo del Ballet del Siglo XX de Maurice Béjart, del que había sido bailarín. En febrero de 1983 la maestra María de Ávila se hizo cargo de la dirección de los Ballets Nacionales Español y Clásico, abriendo las puertas a coreografías de George Balanchine y Antony Tudor. También encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y coreógrafo norteamericano residente en España, a quien ofreció posteriormente el cargo de director estable, puesto que ocupó de 1984 a 1990. Tras la partida de María de Ávila en agosto de 1986, Ray Barra ocupó el cargo de director artístico hasta diciembre de 1987, cuando la bailarina rusa Maya Plisétskaya fue nombrada directora artística del denominado en ese momento Ballet del Teatro Lírico Nacional. Bajo su dirección- y hasta 1990- la compañía incorporó repertorio clásico. En junio de 1990, Nacho Duato asumió la dirección artística del Ballet Lírico Nacional que, a finales de 1992, pasó a llamarse Compañía Nacional de Danza. Duato ejerció su cargo durante veinte años -hasta julio de 2010- periodo que supuso un cambio profundo en la formación, al dedicar el repertorio de la compañía a coreografías propias junto a otras de coreógrafos internacionales contemporáneos de contrastada calidad. Desde agosto de 2010, Hervé Palito sucede a Duato como director artístico durante un año. De septiembre de 2011 a septiembre de 2019 es José Carlos Martínez quien ejerce la dirección artística de la CND, ocho años en los cuales incorpora al repertorio de la compañía obras clásicas, a la vez que mantiene otras de corte más contemporáneo, además de iniciar un programa educativo e inclusivo. Tras él, Joaquín De Luz es director artístico de la compañía desde septiembre de 2019 hasta agosto de 2024, cinco años en los que trabajó para lograr una compañía versátil conformada por bailarines capaces de afrontar diversos estilos y registros coreográficos. En julio de 2024 el INAEM, organismo dependiente del Ministerio de Cultura, anuncia el nombramiento de Muriel Romero como nueva directora de la formación. Bajo su dirección, Romero continúa potenciando la versatilidad de la compañía y -con la excelencia como principio- incorpora un trabajo transdisciplinar, las nuevas tecnologías y una visión feminista, inclusiva y diversa. ELENCO CND Retratos elenco CND Primeras Figura s Principales Solistas Cuerpo de Baile EQUIIPO ARTÍSTICO AL COMPLETO Logos   INAEM COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA Muriel Romero. Fotografía por Ximena y Sergio Muriel Romero Muriel Romero (Murcia, 1972) comenzó sus estudios de danza clásica, danza española y música de la mano de Alicia Monteagudo Ros. Con 11 años ingresó en la Escuela del Ballet Nacional de España, dirigida por María de Ávila. Continuó su formación con Lola de Ávila y en paralelo realizó la carrera de danza clásica, en la categoría examen libre, obteniendo matrícula de honor en todos sus cursos. Con 14 años obtuvo el 1 er  Premio Nacional de Danza Clásica en el Concurso Ciudad de Barcelona y con 15 años el Prix du Paris en el prestigioso concurso internacional Prix de Lausanne. Muriel Romero. Fotografía Ximena y Sergio En 1988, con 16 años, ingresó en la Compañía Nacional de Danza bajo la dirección de Maya Plisétskaya, donde bailó papeles principales en clásicos como Paquita  de Marius Petipa , Les Sylphides de Mikhail Fokine y The Four Temperaments  de George Balanchine. Ese mismo año, se presentó al International Ballet Competition en Moscú, en el que obtuvo tres galardones: Premio Mijail Baryshnikov, Premio de la Crítica y Premio del Público. A partir de este momento da el salto internacional, como primera solista del Bayerische Staatsballett (Múnich), donde amplía su repertorio con obras del siglo XIX y XX. En 1993 actuó en el Nationaltheater de Mannheim y en la Gala de Estrellas en el Teatro Mariinski de San Pertersburgo, consolidando su carrera de danza clásica como primera bailarina en la Deutsche Oper Berlin. En 1995 volvió a la Compañía Nacional de Danza bajo la dirección de Nacho Duato, donde trabajó con prestigiosos coreógrafos del siglo XX, entre ellos Jiří Kylián, Ohad Naharin, William Forsythe y Saburô Teshigawara. Muriel Romero. Fotografía Ximena y Sergio En el año 2000 comienza su carrera como artista freelance explorando nuevos formatos y colaborando con coreógrafos y dramaturgos de vanguardia como La Ribot, Sasha Waltz, Cisco Aznar, Mateo Feijóo y el Unterwegs Theater. Completó su carrera como solista en la compañía Grand Théâtre de Genève y, más tarde, de 2006 a 2008, como primera solista en la Semperoper Ballett de Dresde, bajo la dirección del canadiense Aaron S. Watkin, donde profundizó su relación artística con el coreógrafo William Forsythe. En 2008 fundó junto al compositor Pablo Palacio Instituto Stocos, proyecto transdisciplinar que investiga la intersección entre danza y tecnología a través de la combinación de danza, música, matemáticas, psicología experimental e inteligencia artificial. En sus creaciones escénicas ha desarrollado una visión original en la que el cuerpo se transforma en un lugar del que emanan de forma interactiva el sonido, la imagen y la luz. Muchas de sus obras han sido representadas en festivales de Europa, América, África y Asia. Ensayos. Fotografía Alba Muriel Además, ha impulsado y participado en prestigiosos proyectos europeos en el ámbito de la danza, junto a otras instituciones como la Politécnica de Milán, la Università degli Studi di Genova (Casa Paganini), la Conventry University, o el Motion Bank, un proyecto de investigación de la Forsythe Company. En ellos ha desarrollado nuevas técnicas y tecnologías orientadas tanto a la creación y la enseñanza de la danza como a la preservación del patrimonio coreográfico europeo. En 2021 obtuvo una beca en la Real Academia de España en Roma en la modalidad de Artes Escénicas con la que desarrolló una investigación sobre la relación entre artes plásticas, danza, música interactiva e inteligencia artificial, plasmada en la coreografía Risonanze Occulte , con música de Pablo Palacio, que fue distribuida en diferentes formatos escénicos y fílmicos en la Galleria Nacionale d’Arte Moderna, además de en el Tempietto de Bramante en Roma. En 2022 estrenó con el Instituto Stocos la producción Embodied Machine  en el Mercat de les Flors de Barcelona. Durante los últimos años ha trabajado en un nuevo proyecto europeo del programa Horizont Europe. Desde septiembre de 2024 es directora de la Compañía Nacional de Danza. Wiliiam Forshythe. Fotografía Juilan Gabriel Richter THE SECOND DETAIL Coreografía:  William Forshythe  Música:  Thom Willems Diseño de escenografía, iluminación:  William Forsythe Diseño de vestuario:  Yumiko Takeshima e Issey Miyake (Vestido Blanco) Puesta en escena:  Stefanie Arndt, Amy Raymond Realización de vestuario : Iñaki Cobos Duración:  22 minutos  Estreno absoluto por el Ballet Nacional de Canadá en el O’Keefe Centre  (actual Meridian Hall), Toronto (Canadá), el 20 de febrero de 1991. Estreno por la Compañía Nacional de Danza, en los Teatros del Canal, Madrid (España), el 12 de marzo de 2026. A lo largo de su carrera creativa, William Forsythe ha reafirmado constantemente sus credenciales como maestro del montaje inesperado y ha desarrollado un estilo propio sumamente original. The Second Detail  es puro Forsythe: poco convencional, complejo, lúdico y muy físico. Con su impresionante técnica y su amor por el movimiento por sí mismo, esta pieza permite al público relajarse y abrazar el evidente disfrute de los bailarines. El deleite desenfrenado es bienvenido en el contexto de esta obra poderosa y cargada de energía, en la que se celebra al máximo el potencial del cuerpo balletístico. Ensayos. Fotografía Alba Muriel William Forsythe Coreógrafo William Forsythe (1949) lleva más de 50 años trabajando en el campo de la coreografía. Su obra es reconocida por reorientar la práctica del ballet, alejándola de su identificación con el repertorio clásico y convirtiéndola en una forma de arte dinámico del siglo XXI. Forsythe bailó con el Joffrey Ballet y más tarde con el Stuttgart Ballet, donde fue nombrado coreógrafo residente en 1976. En 1984, comenzó un periodo de 20 años como director del Ballet Frankfurt, tras lo cual fundó y dirigió The Forsythe Company hasta 2015. El profundo interés de Forsythe por los principios fundamentales de la organización de la coreografía le ha llevado a producir una amplia gama de proyectos, entre los que se incluyen instalaciones, vídeos y la creación de un conocimiento basado en el desarrollo web. Su trabajo para el escenario forma parte del repertorio de las compañías de danza más destacadas y sus instalaciones han sido presentadas internacionalmente en museos y exposiciones. Forsythe ha recibido numerosos premios, entre los que se incluyen el León de Oro de la Bienal de Venecia y el Premio del Teatro Alemán Der FAUST, ambos por su trayectoria profesional. En noviembre de 2024, fue galardonado con el Premio Kyoto. Ensayos. Fotografía Alba Muriel Thom Willems Compositor El compositor neerlandés Thom Willems (1955, Arnhem) ha colaborado con el coreógrafo William Forsythe en más de 60 partituras para ballet. Estudió en el Conservatorio Real de La Haya: composición con Louis Andriessen y música electrónica con Jan Boerman y Dick Raaijmakers. Willems comenzó a trabajar con Forsythe cuando este fue nombrado director del ballet de la Ópera de Frankfurt en 1984. Sus partituras se caracterizan por paisajes sonoros sutiles, ritmos insistentes y sonoridades urbanas, formando una parte intrínseca de la arquitectura de los ballets. En 1987, Willems alcanzó el éxito internacional con In the Middle, Somewhat Elevated , encargada por Rudolf Nureyev para el Ballet de la Ópera de París, con bailarines entre los que se encontraba la entonces emergente estrella Sylvie Guillem. Su música, en relación con el trabajo de William Forsythe, forma parte del repertorio de prácticamente todas las principales compañías de ballet del mundo, incluyendo el New York City Ballet, el Ballet Nacional de los Países Bajos, el San Francisco Ballet, el Ballet Nacional de Canadá, el Ballet de la Ópera de París, el Corpo di Ballo del Teatro alla Scala de Milán, el Semperoper Ballett de Dresde, el Nederlands Dans Theater y el English National Ballet, entre muchas otras: en total, 68 compañías en 26 países. In the Middle, Somewhat Elevated  constituye el acto central del ballet de noche completa Impressing the Czar  (1988), y otras colaboraciones con William Forsythe incluyen The Second Detail  (1991), Limb’s Theorem  (1990), Herman Schmerman  (1992), Of Any If And  (1995), Pas./Parts  (1999) y One flat thing, Reproduced  (2000). Willems también ha compuesto partituras para ballet para otros coreógrafos, entre ellos Daniel Ezralow, Daniel Larrieu y Kristina de Châtel, así como música para televisión, cine e instalaciones artísticas. El cortometraje Solo  de William Forsythe, con música de Willems, fue presentado en la Bienal Whitney de 1997. La música de Willems también ha sido utilizada por diseñadores de moda como Issey Miyake y Gianni Versace, y fue interpretada durante la inauguración de la Tate Modern en Londres (2000). En 2007, Willems participó en el centro de investigación de diseño 21_21 Design Sight en Tokio, del arquitecto Tadao Ando, y en 2008 en la instalación The Morning Line  de Matthew Ritchie para la fundación Thyssen-Bornemisza Art Contemporary. Johan Inger. Fotografía Bengt Wanselius BECOME Coreografía:  Johan Inger Asistente de coreografía:  Carolina Armenta Música: Gardemoen  by Julia Kent | Hunter  by Bjork, interpretado por Anne Sofie von Otter, Brooklyn Rider | Symphony nr1, mvt 1  by Glenn Branca Diseño de escenografía:  Johan Inger Diseño de vestuario:  Carolina Armenta Diseño de iluminación : Peter Lundin Realización de vestuario:  Estudio Tania Bakunova Duración: 24 minutos Estreno absoluto por la Take Off Dance en el Festival Itálica, Sevilla (España), el 24 de junio de 2025. Estreno por la Compañía Nacional de Danza en Teatros del Canal, Madrid (España), el 12 de marzo de 2026. << En la quietud del cambio, algo se desprend e. Una piel, una idea, una identidad que ya no abriga. Become es el gesto de soltar para volver a empezar. Es la transformación silenciosa, la que no grita, pero deja huella en cada movimiento. A través del cuerpo, exploramos lo que se cae, lo que se rompe, lo que florece después. Cada paso es una memoria, cada caída, una liberación. Porque para seguir, a veces hay que dejar de ser>> Johan Inger Coreógrafo Johan Inger (Estocolmo, 1967) es coreógrafo y director sueco, reconocido internacionalmente como una de las voces más influyentes de la danza contemporánea europea. Su obra se distingue por una profunda dimensión humana, una marcada sensibilidad teatral y un lenguaje coreográfico dinámico que combina fisicalidad, musicalidad y narrativa contemporánea. Se formó en la Real Escuela Sueca de Ballet y continuó sus estudios en la National Ballet School de Canadá. En 1990 ingresó en el prestigioso Netherlands Dans Theater (NDT), bajo la dirección de Jiří Kylián. Durante su etapa como bailarín en NDT desarrolló una estrecha colaboración con Kylián y otros destacados creadores, experiencia que marcó decisivamente su desarrollo artístico. En 1995 debutó como coreógrafo con la obra Mellantid , obra que marcó su debut oficial como coreógrafo. Formó parte del Holland Dance Festival y fue un éxito rotundo de inmediato. Como resultado, recibió el Philip Morris Finest Selection Award 1996 en la categoría de Danza Contemporánea y recibió una nominación a los Laurence Olivier por la Mejor Nueva Producción de Danza. Por sus ballets Dream Play  y Walking Mad , recibió el Premio de Producción Lucas Hoving en octubre de 2001. Entre 2003 y 2008 asumió la dirección artística del Cullberg Ballet en Suecia. Durante este periodo amplió el repertorio de la compañía, impulsó nuevas colaboraciones internacionales y profundizó en una línea artística caracterizada por la exploración psicológica y la investigación escénica, etapa fue fundamental para su consolidación como referente coreográfico en el panorama europeo. En 2008, Inger terminó su dirección artística para dedicarse por completo a la coreografía. Entre 2009 y 2016, Johan Inger ocupó el cargo de Coreógrafo Asociado en Nederlands Dans Theater, creando regularmente para ambas compañías (NDT 1 + NDT 2), mientras continuaba colaborando y creando con otras compañías. A lo largo de su trayectoria, Inger ha creado obras para algunas de las compañías más prestigiosas del mundo. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Walking Mad , Rain Dogs , Bliss  y Carmen . Esta última  creada para la Compañía Nacional de Danza, recibió el prestigioso Premio Benois de la Danse a la mejor coreografía  en 2015. En 2026, además de volver a colaborar con la Compañía Nacional de Danza con Become  su ballet Walking Mad  se bailará en St Louis (EEUU) y en Essen, Alemania, por el Aalto Ballett Theater, Impasse  se bailará en Munich, Alemania por la Bayersiches Staatsballet además de otras importantes citas en todo el mundo. CAROLINA ARMENTA Asistente al coreógrafo Carolina Armenta Camacho, gaditana de origen, se forma en Madrid, con Carmen Roche, realizando en paralelo, la carrera de danza por examen libre. Titulada Superior en la categoría de Coreografía e Interpretación, con 17 años inicia su carrera artística en el prestigioso Netherlands Dans Theater bajo la dirección de Jiří Kylián (1989–2003) y posteriormente en el Cullberg Ballet de Suecia (2003–2008). A lo largo de su trayectoria interpretó papeles de solista en obras de destacados coreógrafos. Tras retirarse de los escenarios, inició una nueva etapa como directora de ensayos y asistente del coreógrafo Johan Inger, trasladando su trabajo a numerosas compañías y escuelas internacionales. Entre 2010 y 2020 colabora además como docente en el Centro Andaluz de Danza en Sevilla. Actualmente es fundadora y directora de Take Off Dance, un programa internacional de especialización en danza para bailarines preprofesionales, con sede en Sevilla. Organigrama CND   Directora:  Muriel Romero Director adjunto:  Tomás Bautista Asistente a la dirección artística:  Ana Catalina Román Director técnico:  Marc Bartoló Directora de producción:  Cristina Redondo Directora de comunicación:  Maite Villanueva   Primeras figuras:  Alessandro Riga, Kayoko Everhart, Giada Rossi Principales:  Cristina Casa, Yanier Gómez Noda, Anthony Pina Solistas:  Ion Agirretxe, Elisabet Biosca, Ana María Calderón, Felipe Domingos, Mario Galindo, Elisa Ghisalberti, Thomas Giugovaz, Erez Ilan, Daniel Lozano, Javier Serrano (bailarín de carácter), Shlomi Shlomo Miara, Gaizka Morales, Natalia Muñoz, Mariavittoria Muscettola, YaeGee Park, Hamin Park, Shani Peretz, Benjamin Poirier, Irene Ureña Cuerpo de baile: Mar Aguiló, Niccolò Balossini, José Alberto Becerra, Natalia Butragueño, Emma Cámara, Juan José Carazo, Margaux Chesnais, Celia Dávila, Joshua Feist, Sara Fernández, Valeria García, Martina Giuffrida, Alba Hellín, Tamara Juárez, Sara Khatiboun, Roberto Lua, Álvaro Madrigal, Clara Maroto, Marcos Montes, Gianmarco Moschino, María Muñoz, Ayuka Nitta, Daniella Oropesa, Nora Peinador, Eva Pérez (bailarina de carácter), Laura Pérez Hierro, Pauline Perraut, Alejandro Polo, Iván Sánchez, Roberto Sánchez, Rodrigo Sanz, Tomás Sanza, Francesca Sari, Rubén Vaquero, Bárbara Verdasco, Samantha Vottari   Coordinación artística:  Marina Jiménez Maestras repetidoras:  Catalina Arteaga, Violeta Gastón, Yoko Taira Pianistas:  Viktoriia Glushchenko, Mariana Palacios Fisioterapeutas: Sara A. Harris, Guadalupe Mª Martín, Mónica Fraile Sánchez-Migallón Gyrotonic ©:  Eva Pérez Área socioeducativa: Aída Pérez (coordinación), Blanca Reche (comunicación) Gerencia:  Adela Reifarth, María Antonia del Cerro, Pilar García, María Ríos, Pilar Olivares, Guillermo Peñalver Producción:  Javier Serrano, Rosa González, Marta Llorente Comunicación:  Martina Cabrero, Elías García Montes Regiduría:  José Cotillo, Rebecca Hall Maquinaria:  Francisco Padilla, Begoña Hernando Electricidad:  Juan Carlos Gallardo, Inmaculada García, Francisco Manuel Murillo, José Manuel Román Audiovisuales:  Pedro Álvaro, Guillermo Sanz, Juan Antonio Fontán Sastrería: Ana Guerrero, Mar Aguado, Carmen Abarca Utilería: Laura Ferrón Almacén:  Reyes Sánchez Recepción:  Miguel Ángel Cruz, Teresa Morató Seguridad:  Julián Rubio Limpieza:  Alicia Torres, Dolores Martín, Raquel de Pablo, Rosa Valdivia &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

La moda contemporánea dialoga con las colecciones del Museo del Romanticismo en la exposición Ecos de la moda romántic a El Museo Nacional del Romanticismo, museo estatal dependiente del Ministerio de Cultura, presenta la exposición de indumentaria Ecos de la moda romántica. Durante tres meses, los visitantes podrán disfrutar de esta muestra comisariada por Josep Casamartina i Parassols e Ismael Núñez Muñoz, de la Fundació Antoni de Montpalau en las salas del museo. La exposición reúne más de cuarenta trajes procedentes de la colección de indumentaria de la fundación – una de las instituciones de moda más prestigiosas de nuestro país- junto a figurines de Pedro Rodríguez, estableciendo un diálogo entre las piezas y los espacios históricos del museo. El recorrido se despliega en las estancias del antiguo palacio del marqués de Matallana, donde los diseños seleccionados conversan con la colección permanente y con la atmósfera decimonónica del edificio. Vista del Salón de Baile, exposición Ecos de la moda romántica en el Museo del Romanticismo. Modelos de Bibian Blue, Davidelfín, Pedro Rodriguez y Carmen Mir La selección incluye creaciones de destacados modistas y casas de moda españolas de los siglos XX y XXI que reinterpretan la estética romántica desde distintas sensibilidades. El modista más representado en la muestra es Pedro Rodríguez , acompañado de sus discípulos más relevantes: Josep Andreu (Andrés Andreu), Roberto Dalmau y Jordi Anglada . El modista más representado en la muestra es el diseñador valenciano Pedro Rodríguez Además, la exposición reúne a los modistos que, junto con Rodríguez y El Dique Flotante, conformaban el núcleo de los llamados Cinco Grandes de la Moda Española: Asunción Bastida, Manuel Pertegaz y Santa Eulalia (Joan Serra). Cristóbal Balenciaga no podía faltar, acompañado de dos de sus colaboradores que continuaron su legado en Madrid tras el cierre de su maison en 1968: Felisa Irigoyen y José Luis Molina. Traje de novia diseño de Jorge Anglada Completan la alta costura clásica Flora Villarreal, La Innovación (Maria Mora), Carmen Mir y Elio Berhanyer . La selección continúa con Antonio Miró, Margarita Nuez, Jesús del Pozo, Manuel Piña, Sybilla, Antonio Alvarado, Estanislao y Lydia Delgado, sin olvidar a Tot-Hom e Isabel de Pedro . La revisión de la moda contemporánea termina con Josep Font y Luz Díaz —también con piezas de Font en solitario—, Davidelfín, Ion Fiz,Teresa Helbig y Bibian Blue . Cristóbal Balenciaga no podía faltar, acompañado de sus colaboradores: Felisa Irigoyen y José Luis Molina Las concomitancias con el Romanticismo podrían extenderse a muchos más diseñadores y diseñadoras españoles, incluso a piezas del fondo de la propia Fundació Antoni de Montpalau . Sin embargo, la muestra se ha acotado a aquellas obras que resultan más representativas de esta relación entre pasado y presente, y que, al mismo tiempo, se integran de manera armónica y coherente en las distintas estancias del Museo del Romanticismo. Vista del Oratorio con el modelo Traje de novia de Pedro Rodríguez, 1958. Fundación Antoni de Montpalau (Donación Montserrat Torredemer) La moda del Romanticismo como inspiración de la Alta Costura española durante su edad dorada "Ecos de la moda romántica" nos invita a hacer un recorrido por la influencia de la moda y las tendencias del siglo XIX en la indumentaria femenina contemporánea , evidenciando afinidades formales y conceptuales entre los códigos de la moda romántica y las creaciones actuales. A partir del diálogo con los cuadros y los ambientes históricos del Museo Nacional del Romanticismo , la exposición construye una panorámica que revisita el presente desde el pasado. La moda del Romanticismo como inspiración de la Alta Costura española durante su edad dorada La riqueza de la indumentaria romántica fue objeto de interés e inspiración durante los años dorados de la Alta Costura española (1940-1960) y sus ecos llegan hasta nuestros días. Siluetas que recrean miriñaques, crinolinas, mangas voluminosas, cinturas ceñidas, estampados florales, madroños propios de la moda goyesca o corsés son los protagonistas de los diseños contemporáneos que se exponen en las salas del museo, reflejando la influencia de la moda y las fuentes visuales decimonónicas. Todo ello, en diálogo con los espacios y las piezas del museo, especialmente con la colección de pintura, que muestran cómo vestían la burguesía y la aristocracia en las décadas de 1830 a 1870; un período en el que la forma de vestir evolucionó velozmente y tuvo una difusión asombrosa a través de las publicaciones de moda, como El correo de la moda o El correo de las damas, que impulsaban el consumo, a la rápida sucesión de modas que iban cambiando por temporadas y que obligaban a las señoritas “de buen tono” a renovar constantemente sus prendas. Tot-Hom. Traje de noche, h 1990. Fundació Antoni de Montpalau. Fundació Antoni de Montpalau (Donación de Mercedes Albert) ©Starspestudi Una sala dedicada al diseñador valenciano Pedro Rodríguez El recorrido de la exposición concluye con una sala dedicada en exclusiva al proceso creativo de Pedro Rodríguez (1895–1990), considerado uno de los grandes creadores de la moda española. Pedro Rodríguez Cervera (Valencia, 1895 - Barcelona , 2 de febrero de 1990) fue un diseñador de moda español que creó su propia casa de alta costura en Barcelona en 1919, aunque el éxito le llegó en el año 1929, con la Exposición Internacional de Barcelona , convirtiéndose en unos de los grandes creadores de la moda española del siglo XX. Pedro Rodríguez probando una de sus creaciones en su taller de costura En ella, el público podrá contemplar una selección de trajes y 30 figurines —también prestados por la Fundació Antoni de Montpalau — que ilustran la estrecha relación entre el creador valenciano y la indumentaria del Romanticismo, del que recuperó cinturas ceñidas y amplios volúmenes de falda. Pedro Rodríguez (1895–1990), considerado uno de los grandes creadores de la moda española Sus trajes de noche y vestidos de novia, algunos de sus diseños más celebrados, le permitieron reinterpretar con libertad el pasado. Rodríguez, profundo conocedor de la moda romántica, diseñó asimismo el vestuario para películas ambientadas en esa época, como ‘Pequeñeces’ (1950), de Juan de Orduña . Pedro Rodriguez, figurín de Marcelo Scarxell. Fundación Antoni de Montpalau @Starpestudi Es en esta sala donde se encuentra el germen de la exposición Ecos de la moda romántica: un figurín de moda de la década de 1950 de Pedro Rodríguez, conservado en la Fundación Antoni de Montpalau, que representa un boceto del Retrato de Josefa García Solís, depositado en 1923 por el Museo del Prado en el entonces Museo Romántico. Realizado por el pintor Antonio María Esquivel en 1852 , este retrato refleja fielmente la indumentaria y el adorno de damas y caballeros de la época, plasmando su estatus económico y social. Traje de novia diseñado por Pedro Rodríguez Se trata de un ejemplo más del diálogo constante entre la moda del siglo XIX y los creadores de los siglos XX y XXI, y demuestra cómo la estética romántica y el propio museo han despertado el interés de algunos de los grandes modistos del siglo XX, como es el caso de Rodríguez, el más representado en esta exposición. Sala del Encuentro, se dedica a Pedro Rodríguez Actividades, catálogo y materiales complementarios. Como es habitual, la muestra viene acompañada de un completo programa de actividades dirigido a distintos públicos , todas ellas de carácter gratuito y con reserva previa a través de la página web del museo. Entre las propuestas destacan las visitas comentadas a cargo del equipo de Mediación Cultural, que ofrecen una aproximación especializada a las piezas y al contexto histórico de la muestra. Traje de novia de Pedro Rodriguez, figurín de Marcelo Scarxell. Fundación Antoni de Montpalau @Starpestudi. La Fundación Antoni de Montpalau La colección textil Antoni de Montpalau nació en Sabadell, en diciembre de 2004 en el seno de la Asociación Antoni de Montpalau. Constituida como fundación en 2013 , tiene como objetivo el coleccionismo y la difusión del patrimonio textil y, fundamentalmente, de la moda contemporánea española. Esta colección, que ya suma más de 6.000 piezas, incluye trajes, complementos, dibujos, fotografías y fondos documentales. Sala del Encuentro, de dedicada a Pedro Rodríguez. Anna Ma Casanovas Crusafon y Josep Casamartinas i Parassols (comisario de la exposición) están al frente de esta fundación y mantienen un firme compromiso con el estudio del patrimonio textil, el mundo de la moda y sus vinculaciones con la sociedad, el arte o la historia. Traje de noche por Pedro Rodríguez Este estudio es la base para el desarrollo de la triple misión de la Fundación: el crecimiento de su colección, el fomento de la creación contemporánea de la mano de colaboraciones con escuelas de diseño y la difusión a través de exposiciones temporales, publicaciones y ciclos de conferencias. En este sentido, la Fundación lleva más de una década comisariando exposiciones y colaborando con instituciones culturales para difusión del patrimonio textil, con ejemplos como la exposición Moda y modistas en el Museo de Historia de Cataluña, 100 años de Glamour en el Museo de Mallorca o sucolaboración anual con el palacio. Traje diseño de Pedro Rodriguez, figurín de Marcelo Scarxell. Fundación Antoni de Montpalau @Starpestudi Listado de diseñadores y firmas que forman parte de la exposición Andrés Andreu Antonio Alvarado Antonio Miró Asunción Bastida Bibian Blue Carlos Díez Carmen Mir Cristobal Balenciaga Davidelfín Elio Berhanyer Estanislado Felisa y José Luis Flora Villarreal Ion Fiz Isabel de Pedro Jesús del Pozo Jordi Anglada Josep Font La Innovación Lydia Delgado Manuel Pertegaz Manuel Piña Margarita Nuez Pedro Rodriguez Roberto Dalmau Santa Eulalia Sybilla Teresa Helbig Tot-Hom Conjunto de noche de Manuel Pertegaz Traje de puesta de largo de Santa Eulalia Traje de cóctel Flora Villareal Traje de noche de La Innovación Boudoir de Pertegaz INFORMACIÓN PRÁCTICA DE LA EXPOSICIÓN Ecos de la moda romántica Fecha y lugar: 4 de marzo de 2026 a 7 de junio 2026Salas del museo y sala del Encuentro (Sala XXV) Museo Nacional del Romanticismo. C/ San Mateo, 13. 28004, Madrid. Tarifas: Hasta el 20 de marzo acceso gratuito Para el resto de fechas el acceso está incluido en la entrada al museo. Horario: De mayo a octubre: De martes a sábado: de 9:30 a 20:30 h. Domingos y festivos: de 10:00 a 15:00 h. De noviembre a abril: De martes a sábado: de 9:30 a 18:30 h. Domingos y festivos: de 10:00 a 15:00 h.

Con motivo del  Día Internacional de la Danza , que se celebra el miércoles, 29 de abril, el Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" organizará una excursión a Íscar (Valladolid), ciudad natal de Mariemma, donde conoceremos a fondo el  Museo de la Danza Española de Mariemma .  La cita será el viernes, 24 de abril de 2026   EL MUSEO QUEDARÁ CERRADO PARA ESTE EXCLUSIVO GRUPO DE 12 PERSONAS DURANTE TODA LA MAÑANA   De la mano de  Susana Merlo , responsable y directora del museo, la bailarina  Cristina Cazorla  y  José Moltó , músico y constructor de instrumentos de música popular de tradición oral, quien nos instruirá sobre el instrumento, por antonomasia, más relacionado con la danza española:  las castañuelas , se realizará recorrído único por todo el museo. "La danza es para mí es un deseo incontestable, un impulso irrefrenable del suelo físima y espirirualmente" (Mariemma) El Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" ha tenido siempre muy presente la danza española.   La Vida Breve ,  El Amor Brujo ,  El Sombrero de Tres Picos , incluso en algunas partes de  El Retablo de Maese Pedro , la danza española es protagonista o forma parte de la obra del compositor gaditano. Somos conscientes de que cerrar un museo sólo para 12 personas, y con actuaciones en directo, es un auténtico lujo    Una de nuestras "obsesiones" es hacer entender que danza española no es lo mismo que flamenco. Si hubo alguien que pensó así y que lucho por la danza española de forma integral fue Guillermina Teodosia Martínez Cabrejas, conocida como  Mariemma .  Soy bailarina, porque la bailarina también es bailaora  (Mariemma). Fotografía Museo de Íscar Para que todos los participantes puedan disfrutar al máximo del evento se ha limitado la inscripción  sólo a 12 personas . ·Somos conscientes de que cerrar un museo sólo para 12 personas, y con actuaciones en directo, es un auténtico lujo, pero creemos que es la mejor manera de que todos los participantes puedan llevarse una idea lo más exhaustiva posible de esta gran dama de la danza española, y de la danza en sí misma", escribe José Manuel Hernández Blanco, director del Ciclo de Conciertos Manuel de Falla.  Mariemma tocando las castañuelas MARIEMMA    Aunque nacida en Íscar (Valladolid), con apenas dos o tres años Guillermina Teodosia Martínez Cabrejas, Mariemma, se trasladó a vivir a París. Formada en la Escuela de Ballet del Teatro de Chatêlet, regresó a España en los años 40 del s. XX y se convirtió en una de las más destacadas coreógrafas y pedagogas de danza española de todos los tiempos. Piezas como Fandango, Diez Melodías Vascas o Danza y Tronío, creadas para el Ballet Nacional de España, o un sistema de enseñanza propio, fueron una auténtica revolución.   "No podemos estilizar, sino se conocen las raices de lo que se quiere estilizar" (Mariemma) Mariemma de niña A lo largo de su extensa carrera recibió el Premio Nacional de Danza (1950), la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid (1951), el Premio Nacional de Coreografía (1955) y la Medalla de Oro de las Bellas Artes (Ministerio de Cultura) (1981). Con motivo del día internacional de la danza, que se celebra el 29 de abril, el Ciclo de conciertos “Manuel de Falla” se acercará a Íscar para conocer, de primera mano, todo el legado de esta gran dama de la danza española. Cristina Cazorla Cristina Cazorla, bailarina Bailarina solista de Sergio Bernal Dance Company, Cía Antonio Najarroen el espectáculo QUERENCIA, además de formar parte del elenco de las compañías de danza española como las de Sara Cano, Aída Gómez, Enclave Español, Antonio Márquez, Carmen Cortés, Nota de Paso o Ibérica de Danza, entre otras. En 2016 forma parte delBallet Nacional de Españabajo la dirección de Antonio Najarro. Su carrera está muy ligada a la Escuela Bolera , participando en las campañas del Museo del Prado 2020 y 2021 por el Día Internacional del Turismo y del Flamenco respectivamente como bailarina de este estilo. Dos años ganadora del Premio Bailarina Sobresaliente en el Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán (2019 y 2022), en sus proyectos personales Cristina Cazorla mantiene el estilo más académico de la Escuela Bolera e investiga en la evolución de la misma hacia movimientos y músicas contemporáneas. Obtiene los siguientes premios siguiendo estas líneas coreográficas: -1er Premio Coreografía de Soloen el Certamen de Coreografía de D. Española y Flamenco de Madrid(2022). -Mención Especial del Jurado por ‘por visibilizar, recuperar y mantener la técnica del lenguaje académico y las formas estilísticas que son características de la Escuela Bolera tradicional’ y 2º Premio Coreografía Grupal en el Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid en 2019. Recibe otros premios como: 1er Premio de Danza Española en el V Concurso de D. Española y Flamenco de Almería (2017) o Premio de Danza Española en el Concurso Ciudad de Castellón (2015) Es docente invitada de Escuela Bolera en: RCPD Mariemma, Conservatorio de Danza de Granada, Puertollano, Riba-Roja y Alcoy, Valencia Endanza 2021, Encuentro con los Maestros 2021. En 2022 es coreógrafa invitada en el CSD María de Ávila de Madrid. Dirige junto a Alejandro Lara su propio programa pedagógico DANZA ESPAÑOLA SUMMER/WINTER PROGRAM. En 2022 se configura su compañíacon el espectáculoESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLAjunto al guitarrista Álvaro Toscano, visitando, en 2023, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Museo del Traje de Madrid, entre otros.Ese mismo año estrena MEMORIA en el Teatro Le Ranelagh de París y MADRILEÑA en los Teatros del Canal de Madrid. Josè Moltó, músico e instrumentista José Moltó Músico y constructor de instrumentos de música popular de tradición oral, formado en Madrid con José María Martín Porras y Daniel S. Heyman. Miembro de ICOMOS-España y de la Asociación Instrumenta https://pepemolto.wordpress.com Castañuelas colección de José Moltó   ITINERARIO   Viernes, 24 de abril de 2026   - 07:15 h. El punto de encuentro estará situado en la Estación Sur de Méndez Álvaro para tomar el autobús Alsa, a las 07:45 h, con llegada a Olmedo (Valladolid) a las 9:50 h.   - 07:30 h. El segundo punto de encuentro será el Intercambiador de Moncloa . El mismo autobús saldrá desde allí a las 8:00 h   Se puede elegir el punto de encuentro que se prefiera Fuente: Museo Mariemma (Íscar, Valladolid) Fuente: Museo - 09:50 h. Desde Olmedo saldremos en taxi hacía Íscar (Valladolid) llegando al Museo de la Danza Española de Mariemma a las 10:10 h.   - 10:15 h. De la mano de Susana Merlo , responsable y directora del museo, junto a la bailarina Cristina Cazorlay José Moltó , músico y constructor de instrumentos de música popular de tradición oral, recorreremos todo el museo, la vida y la trayectoria de Mariemma. Sus trajes, su legado, sus instrumentos, vídeos, fotos, conferencia, danza en directo, estarán presentes a lo largo de toda la mañana durante más de 4 horas (con un pequeño receso a mitad de mañana) Con el propósito de acercarnos a la música y a la danza popular de tradición oral de Valladolid, contaremos también con la colaboración especial de: Estefanía Arranz Cáceres , danza Daniel Suárez Pérez , dulzaina Francisco García Olmedo , caja. - 14:30-14:45 h. Regresaremos a Olmedo, al Balneario Castilla Termal Olmedo (4*), donde comeremos. - 17:10 h. Tomaremos el autobús Alsa de vuelta a Madrid, llegando a la Estación Sur de Autobuses a las 19:00 h. (este autobús no tiene parada en Moncloa). Museo Mariemma Precio de la excursión por persona: 240 € + 21% IVA = 290€ Sólo 12 participantes Fecha límite de inscripción: viernes, 27 de marzo de 2026 • El precio incluye :- Autobús Alsa Madrid-Olmedo-Madrid. Traslados al Museo Mariemma en Íscar y al Balneario Castilla Termal de Olmedo.- Entrada y visita guiada al museo, así como a todas las actuaciones en directo dentro del recorrido (ver itinerario). - Un almuerzo en el Balneario Castilla Termal de Olmedo (4*) (ver itinerario).- Guía acompañante desde la Estación de Méndez Álvaro de Madrid hasta el regreso a la misma. - Guía local durante toda la visita al museo. - Seguro de asistencia y cancelación • El precio no incluye :- Gastos extras generados en la estación de autobuses o fuera del Itinerario. Para más información, reservas y pagos contactar: jose_manuel_hdezblanco@hotmail.com // tel : 660957863

El Centro Coreográfico Canal selecciona los 31 proyectos en la 18ª edición de sus residencias artísticas para 2026 288 propuestas se han presentado e esta convocatoria impulsada por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid   El proyecto mexicano La razón sensible de Cuatro x Cuatro y Shanti Vera ha sido seleccionado para la residencia de Creación apoyada por la Fundación Casa México en España   El jurado destaca el alto nivel de participación y la calidad de los proyectos recibidos Un momento de Parcas  fruto de una residencia el año pasado y estrenado en Canal Baila. © Pablo Lorente   El Centro Coreográfico Canal volverá a convertirse en uno de los principales espacios de impulso a la creación y la investigación en danza y artes del movimiento en 2026. Un total de 31 proyectos han sido seleccionados en la 18ª Convocatoria de Residencias Artísticas promovida por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid.   El pasado 11 de febrero se reunió en Madrid el jurado designado para la selección de los proyectos presentados. El comité estuvo compuesto por Muriel Romero , Ángel Rojas , Dácil González y Manuel Liñán , actuando como presidente Ruperto Merino .   En esta edición se recibieron 288 propuestas: 128 en la modalidad de Creación y 160 en la modalidad de Investigación, lo que confirma el interés y la consolidación de esta convocatoria como referente nacional e internacional para la danza y las artes del movimiento. El jurado ha expresado el alto nivel de participación y de la calidad de los trabajos presentados. 11 residencias de Creación Las residencias de Creación apoyan el desarrollo de nuevos trabajos coreográficos que se realizarán en su mayor parte en las instalaciones del Centro Coreográfico Canal y que culminarán con su estreno dentro del ciclo Canal Baila de 2026 en Teatros del Canal .   Los proyectos seleccionados en esta modalidad son: Ana Almagro — Coro de estancias x Ana Almagro  (flamenco contemporáneo) Begoña Quiñones & Verónica Garzón — moNo nO aWare (danza contemporánea) Carmen Fumero & Miguel Zomas — Líquido infinito (danza contemporánea) Compañía Gabriel Matías — Bailar (flamenco) José Ángel Capel — Antes del alba (danza española y flamenco) José Maldonado — Guacamayo (flamenco) YIBU (Chun Zhang) — Eclipse (danza contemporánea) La permanente (Paloma Díaz) — Estoy enfadada, estoy rabiosa Cía Elías Aguirre — Enjambre Rave (danza contemporánea) Javier Martín — RÆM (danza contemporánea) Cuatro x Cuatro / Shanti Vera — La razón sensible (danza contemporánea) Éclair de Iker Rodríguez estrenado tras una residencia en el Centro Coreográfico Canal. © Ana Yñáñez Esta última corresponde a la residencia de creación mexicana, en colaboración con la Fundación Casa México en España.   Cada uno de los proyectos seleccionados recibirá una ayuda de 10.000 euros y dispondrá de un periodo máximo de residencia de dos meses. Éclair de Iker Rodríguez estrenado tras una residencia en el Centro Coreográfico Canal. © Ana Yñáñez   20 residencias de Investigación Las residencias de Investigación apoyan la exploración y el desarrollo de proyectos en proceso creativo. Tendrán una duración máxima de un mes y concluirán con un ensayo abierto al público en el Centro Coreográfico Canal.   Los proyectos seleccionados en esta modalidad son: Alberto Sellés — APPLICA2 ANIMA Artes del Movimiento — El Páramo Colectivo laimperfecta — Monstruos Compañía David Coria — BOLERO Elena Castellanos – iXa — Padecen los ojos Francisco Hidalgo & Susanne Zellinger — SOBRE RIMBAUD. Del horizonte al silencio Jesús Rubio Gamo — Código y herida Lucía Marote — Fuerzas de la naturaleza Lucía Montes — FRAKTURE Marta Gálvez — HILANDERA (work in progress) Mateo Mirdita — Berlino Miranda Alfonso — Yako loka Norberto Llopis Segarra — Las variaciones Pablo Egea — AURORO Radicel·la — Repic Richard Mascherin — Imperfecto Imposible Tania Garrido — VΛCΛ UNARTE CÍA . — Quinta piel Yoel Vargas — RIDOTTO Cruceta Flamenco — Tacón_Estudio sobre el Impacto Cada uno de estos proyectos recibirá una ayuda de 2.500 euros.   Con esta nueva edición, la Comunidad de Madrid reafirma su apoyo decidido a la creación coreográfica y a la investigación en danza, consolidando el Centro Coreográfico Canal como un espacio de referencia para el desarrollo de nuevos lenguajes y el fortalecimiento del tejido profesional del sector.

Tenía mucha curiosidad por conocer a Antonio Castillo Algarra. Lo había observado desde la distancia percibiendo ese halo de “autoritas” que desprende. Desde actor, productor y director de su compañía For the fun of it , co-director artístico del recién creado Ballet Español de la Comunidad de Madrid… me era imposible encasillarlo bajo un parámetro concreto. Su personaje escapaba a las clasificaciones, las excedía. Y por si esto fuera poco, unos lo ensalzaban y otros lo vilipendiaban, pues ha sido injustamente atacado por un sector de la prensa (El País y la Cadena Ser). Quedé con él en el Real Teatro Retiro durante estos días en los que el invierno se ha ensañado con especial crudeza, allí me abrió las puertas de su mundo. Penetré en una atmósfera diferente, era una especie de trastienda de los sueños, donde los elementos del atrezzo, compuesto por objetos de época auténticos que formaban un revoltijo junto con instrumentos antiguos, como la guitarra barroca, y las piezas del vestuario, diseñado por Antonio… Los miembros de la compañía estaban montando. Todo era pura efervescencia creativa. Desde 2014, For the Fun of It hace teatro culto y divertido, siempre con música y danza, de impecable factura estética, con el fin de llevar el legado de 1.000 años de cultura en español, de España e Hispanoamérica, a las nuevas generaciones. Estos días en el Real Teatro Retiro se puede disfrutar del 21 al 28 de febrero de su obra Más acá de los romances , el primer musical del romancero, en el que sus protagonistas Ramón Menéndez Pidal, María Goyri y su hija Jimena emprenden una travesía en busca de la "flor nueva de romances viejos".     -Me gustaría que me contaras cómo es que has llegado hasta aquí. Tu historia. -Llegué a Madrid con 17 años para estudiar derech o. Era un chico procedente de Huelva con un entorno familiar burgués. Tenía esa vida prefijada, la que correspondía a lo que se esperaba de mí. Vine para encontrar la vida que yo quería. Cuando puse el primer pie aquí, me dije a mi mismo: ya estoy donde quería estar.  Y me encontré a mí mismo, o más bien comencé a buscarme. -¿Cómo te encontraste? -A través de unos descubrimientos o personajes trascendentales que aparecieron en mi camino. -¿Quiénes? -Verás, aunque parece que se ha olvidado, en 1982, con la llegada del PSOE al poder, hubo una terrible purga en el profesorado universitario. Se bajó la edad de jubilación del profesorado y fueron sustituidos por personas afines a su ideología. Entonces, aquellos ilustres catedráticos que eran auténticos sabios y como Julián Marías, vivieron en sus carnes los efectos de la Guerra Civil y formaron parte de la transición y querían el perdón, fueron expulsados de sus aulas. For the fun of it en "Más acá de los romances" -¿Conociste a Julián Marías? -Sí, porque para poder seguir dando clases, los “jubilados” forzosos fundaron el Colegio Libre de Eméritos. Y allí, en un curso que impartía, tuve el placer de conocerle, y me fasciné. No dejé nunca de asistir a sus cursos. -Cuéntame algo que recuerdes de él. -Julián Marías y el resto de eméritos eran los discípulos directos de los pensadores de la Edad de Plata, como Ortega y Gasset o, incluso anteriores, como Ramón Menéndez Pidal, a quien represento en esta obra de “Más acá de los romances”. Te cuento una anécdota, que, aunque se la pude escuchar a él mismo, también está escrita en sus memorias. Cuenta que unos meses antes de morir Ramón Menéndez Pidal le pregunto: “Julián, ¿Cree usted que veré a los juglares en la vida perdurable?”, a lo que él le respondió que pensaba que sí y que el mismo deseaba hacerle tres preguntas a Aristóteles. For the fun of it en "Más acá de los romances" -Y ¿dejaste el derecho? -Digamos que descubrí un mundo de conocimiento ajeno a aquello en lo que habían convertido la universidad. Además, me enamoré y me di cuenta de que yo era incapaz de seguir una trayectoria como la que desde mi mundo querían imponerme. Entonces, me refugié en mi mismo y opté por leer como si no hubiese un mañana; ir al teatro como si no hubiese un mañana… Empecé a escribir y a publicar artículos. El mundo oficial dejó de importarme. -¿Te consideras un hombre de teatro? -Yo es que no sé de qué soy hombre, me dedico a muchas cosas y a todas con entusiasmo. Precisamente en esto de las artes escénicas, lo que intentamos, es romper barreras y que, como la vida, dejen de tener compartimentos estancos. -Uno de los cometidos más destacados que desarrollas en tu trayectoria es la enseñanza, ¿cómo te conviertes en profesor? -Fue a raíz de una crisis personal. Rompí con mi pareja después de 14 años juntos y mi mundo se colapsó. Entonces, iba por la calle y pasé frente a una academia para niños en la calle Blasco de Garay, entré y me ofrecí para dar clases, vieron mi currículum y me aceptaron. Ese fue el germen de mi propia academia: For the fun of it. -Es el mismo nombre de lo que luego se convertirá en vuestra productora, ¿de dónde proviene? -Es una frase de Pygmalion, cuando Liza se despide y le pregunta a Mr. Higgins:  “What am I to come back for?”, y él le responde:.” For the fun of it”.   -¿Cómo se transforma la academia en compañía y productora de teatro? -Me di cuenta que había un gran desconocimiento de la cultura española. Hay un grave problema de educación en las nuevas generaciones. No hay que llorar por ello, sino combatirlo. Te pondré un ejemplo, cuando yo pasé la crisis que te he comentado, hablé con mi madre por teléfono, y al notar mi tristeza, me dijo: “pero yo ya no soy yo, ni mi casa es ya mi casa”… Y la poesía de Lorca me consoló. Entonces, pienso, que los jóvenes, al desconocerla, han perdido hasta el verso que podría paliar su tristeza. En cierto forma, se han quedado huérfanos. -¿Te ayudó tu experiencia docente para construir el teatro musical español? -Sí, yo trataba de mostrar a mis alumnos ese hermoso mundo y además que se encontraran a sí mismos, y les hacía cuestionarse y preguntase a sí mismos: “¿qué es aquello que quieres hacer que no te atreves a confesar?” Actualmente, tengo alumnos situados en casi todos los ámbitos profesionales, y claro, algunos dedicados a las artes, como Ignacio Rodulfo Hazen, con quien creé esta compañía. Es mi otra mitad. -¿Cómo nace la compañía For the fun of it? -Ignacio era un niño prodigio, yo también aprendí de él, que me mostró el maravilloso siglo de oro, pues desde los 12 años interpretaba la música del repertorio barroco español; y yo, a mi vez, le abrí los ojos hacia el mundo de la Edad de Plata y la música de jazz, que era la que me gustaba. Antonio Castillo, Mercedes Albi , Ignacio Rodulfo Hazen sobre el escenario Real Teatro Retiro -Ignacio parece un hombre del renacimiento, toca instrumentos musicales, es profesor universitario, especializado en el Nápoles virreinal, también actor… -Lo es totalmente. Él me hizo ver que el siglo de Oro no se limitaba a las letras, sino que la música y la danza eran una parte igualmente fundamental. Y no había nadie que lo tuviera en cuenta, así que nos decidimos: lo haríamos nosotros. Y fundamos la productora For the fun of it, pusimos en escena la primera “fiesta barroca”· El objetivo es hacer un teatro español cuyas raíces se encuentran en la época de Felipe IV, donde la música, el teatro, danza, junto con unas espectaculares escenografías, eran toda una apelación a los sentidos. -¿Estás en contra de la especialización? -No me gustan las barreras, cuando se habla, por ejemplo de teatro, hasta se diferencia si es teatro de texto, teatro gestual… cuando es algo que debe tratar de ser todo uno. Huyo del concepto de hiperprofesionalización e hiperespecialización, algo a lo que denomino el “bárbaro” especialista. For the fun of it en "Más acá de los romances" -Y os lanzasteis… -No me di cuenta que me enfrentaba contra todo un sistema. Éramos en cierto modo unos ingenuos, cuando nos lanzamos a estrenar la “Crítica del amor” con 25 artistas con el objetivo de crear un musical español que estuviera al nivel de cualquier musical de los que se inspiran en Brodway y triunfan en Gran Vía. Terminé hasta vendiendo mi propia casa. No te imaginas lo que hemos luchado. -Entonces, ¿cómo definirías tu actividad? -Cultivo una especie de “amateurismo” típico de la edad de plata, un poco como reacción al exceso de profesionalismo. Aunque soy profesor, escritor, actor, productor, que es en definitiva quien une artistas busca medios y hace realidad los proyectos… -Y ¿tu vertiente política? -Conocí a Isabel Díaz Ayuso por casualidad, cuando ella era una chica que formaba parte del equipo de Cristina Cifuentes. Yo me puse a despotricarle sobre la cultura del PP y ella, muy atenta, me escuchó y puso mucho interés. Nos hicimos amigos. Cuando le presenté el proyecto para crear un ballet en la Comunidad de Madrid, estuvo de acuerdo, pero dijo que quería que yo formara parte, y así fue, soy uno de los tres directores artísticos. Pero no cobro nada, cero. Y el ballet va a taquilla, es un compromiso absoluto con lo que yo he manifestado desde siempre. - ¿Te refieres al manifiesto de Asociación para la Libertad y las Artes Príncipe Baltasar Carlos que presides? -Sí, he sido siempre coherente con las ideas con las que me comprometí en el Manifiesto, por encima de mis intereses personales. -¿Por qué hay tres directores artísticos en el Ballet Español de la Comunidad de Madrid? porque junto a ti también están Gala Vivancos y Mónica Fernández . -Somos tres para evitar personalismos. -¿Cómo surgió la idea de crea el Ballet de la Comunidad de Madrid? -Madrid, que es potencia cultural, que desde el siglo XVI forja ese tesoro único que es la danza española, elaborada a base de interrelaciones con el resto de ciudades españolas y también con Hispanoamérica. Y con la cantidad de conservatorios que hay formando bailarines... Pues no tenía sentido que no hubiera un Ballet de la Comunidad de Madrid. Esa fue la idea. -Más adelante me tienes que contar en detalle todo lo relativo al surgimiento del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, espero poder hacerte sobre ello una nueva entrevista porque con tantos frentes abiertos, imposible tratarlo todo con una sola. -No soy más que alguien que se entrega con pasión a sus proyectos, en cuerpo y alma. -Ahora, en este momento que estáis montando “Más acá de los romances”, en el Teatro Real Retiro, con tu productora For the fun of il, sintetízame la idea que os mueve. -Desde For the fun of it, tratamos de rendirle los honores al arte español, ese que va a América y vuelve mestizo, produciéndose esa riqueza de nuestro barroco que se extendió hasta Italia, cuando Nápoles era un virreinato español… entre todos forjamos un mundo nuevo, que no podemos permitir que se pierda. Ese es nuestro objetivo. MERCEDES ALBI

Graciel Stenio, “Grazy”, y sus compañeros trasmiten algo diferente. Desde la primera vez que vi su pieza “Distintos” en la pasada edición del Festival de Danza Contemporánea Beta Pública, algo me llamó la atención, y repetí; así que acudí a la siguiente edición del festival, la 12ª, que se celebra estos días en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid y quise entrevistarle. Ellos desprenden la pureza de la danza urbana. Es evidente su dominio de las espectaculares acrobacias propias del break dance, en las que el cuerpo alcanza unos límites que rozan lo imposible, pero había algo más. Su coreografía evocaba un mensaje que toca el corazón. “Distintos” trasciende el campo de la danza abstracta para narrar una historia, la esencia contenida en la suya propia.   Grazy bailado en muchos grupos y compañías (Dani Panullo, Blanca Li, Cirque du Soleil…) y ha ganado innumerables campeonatos nacionales e internacionales (Red Bull Bcone España, Hip hop Obsession en Francia, Uk Bboy Champions en Finlandia, Raw Circles en Belgica, Circle Prinz en Holanda, Bergen Jam en Noruega, Dance Alive en Japon y un largo etc…) En la actualidad sigue compitiendo por todo el mundo además de ser jurado en los torneos más prestigiosos, mostrándose muy orgulloso del reconocimiento del break-dance como disciplina olímpica en París 2024. Conversé con él y el tiempo volaba. Era inteligente, curioso y sensible al punto que casi terminó por ser él quien me entrevistase a mí: -¿Qué criterio utilizas para saber si una obra es buena?”, me preguntó; “eso no se sabe, se siente…” respondí. Ellos, Ntamo Performance , hacen sentir. Grazy tiene el don de la poesía. Hamza (primer plano) con Mercedes Albi, Tomás Paul Sandoval y Graciel Stenio (de iz. a dcha)   -¿Dónde tenéis pensado actuar próximamente? -Vamos primero a Francia, y luego, pues cruzamos el charco, iremos a Perú y a Ecuador. -¿Podrías describirme los lazos que os unen a los tres intérpretes de “Distintos”? -Conozco a Tomás desde la adolescencia, desde que teníamos 13 o 14 años, y nos echaban de todos “laos”. Nosotros éramos casi niños y teníamos unos puntos de encuentro donde nos juntábamos para practicar, como era la Plaza de Colón o Príncipe Pío. Pero siempre parecía que molestásemos. -¿Molestaba que bailarais en la calle? -Nunca comprendimos por qué les molestábamos tanto cuando nosotros lo único que queríamos era bailar. Pero hemos recibido malos tratos de la policía, de la seguridad del metro…  Algo que en cierta forma nos hacía sentirnos excluidos. En Colón incluso sustituyeron la acera lisa del Barclays por una de suelo rugoso, y siempre pensamos que lo hicieron para echarnos de allí. Nunca comprendimos porqué les molestábamos tanto cuando solo éramos unos niños que querían bailar -Entonces, digamos que los que practicabais break en Madrid, siempre solíais juntaros en los mismos lugares. -Sí. A esos tiempos se remonta mi amistad con Tom. Luego entramos a formar parte de grupos como Fusion Rockers. -¿Ahora dónde ensayáis? -Todo ha cambiado mucho, afortunadamente, y ahora nos entrenamos en el Centro de Alto Rendimiento que hay en Moncloa, porque el breaking, desde las Olimpiadas de París, ha sido considerado deporte olímpico, por lo que compartimos espacio con los atletas. Allí tenemos una sala en uno de los pabellones porque somos miembros del equipo nacional. -Pero ¿Cómo comenzaste en el break-dance? -Fue un proceso inconsciente. En Aluche, el barrio en que yo nací, hubo un boom de capoeira. Pero de repente, se pasaron al break y me sentí solo, así que, para seguir a mis amigos, hice como ellos. -¿Nadie te enseñó? -No. Empezamos a entrenar por puro placer, sin ninguna expectativa. Teníamos vídeos de VHS y veíamos lo que los grandes intérpretes internacionales hacían, y así tratamos de imitar, buscar, perfeccionar, retándonos unos a otros. No sabíamos que se podía vivir del baile, ni siquiera que había certámenes para competir... Fuimos enterándonos poco a poco, uno te contaba una cosa, otro otra, y así. -Pero luego has competido y ganado en muchos certámenes internacionales, ¿cuántos? -Más de cien. En mi casa de Loeches, que es donde ahora vivo desde 2018, tengo una vitrina con todos los trofeos. -Cuéntame sobre algun certamen que recuerdes especialmente. -Tal vez el primero. Yo tenía 19 años, nunca había estado fuera de España y allí me presenté, en París donde se celebraba el Hip Hop Obssesion. Y de repente, me encuentro rodeado de aquellos que yo había visto en los vídeos, que no sabían que habían sido mis héroes, mi modelo a seguir. Y claro, solo de verme con ellos, me hizo sentir muy feliz. Jamás se me pasó ni por la cabeza ganar, pero sin imaginármelo ni remotamente, gané el primer premio. Siempre he vivido de la danza. Lo que más me gusta el la danza-teatro, que es lo peor pagado   -Entonces, ¿cómo te hiciste bailarín? -Por azar, un día Dani Panullo me vio bailar en el metro de Príncipe Pío. Y me preguntó: “¿te vienes a hacer una prueba?” Fue mi primer contrato con una compañía. -¿Qué compañías de danza han sido fundamentales en tu vida? -Dani Panullo, por supuesto, y también Blanca Li, con la que he participado en dos de sus espectáculos. Reconozco que si no hubiere habido este tipo de personalidades, no hubiese llegado nunca, ellos me ayudaron a mostrar una forma distinta sobre el escenario. Nosotros bailábamos sin pretensión alguna, éramos niños jugando. -Y ¿no has querido cambiar de estilo de baile? -El break es mi forma de ser. -¿Por qué? -Porque es libre e individual. ¿Sabes? En el fondo yo tengo un punto de solitario, necesito respirar mi propio espacio. No me importa estar con los demás, por supuesto, y he trabajado mucho con grupos, y si quedan para comer o cenar, allí estoy, pero necesito mis momentos de soledad. -La verdad es que se nota en la pieza que has creado y acabáis de bailar, titulada “Distintos”. -Me alegra que te guste y me encantaría saber la razón. -Verás el break-dance tiene su punto de acrobacia, pero no te has quedado en ella, sino que la trasciendes para comunicar un mensaje muy bello. Emociona. Por eso quise entrevistarte, ¿cómo definirías tu estilo coreográfico? -¿Estilo?... Creo que mi manera de hacer es mucho más cruda de la que se ha hecho hasta ahora. Al final, si te das cuenta, los artistas de la danza urbana somos creadores de danza contemporánea, corporeizamos el breaking. Yo quiero construir desde él, desde su pureza y tratar de que no pierda esa frescura. Me gusta la imperfección, me aburre lo uniforme, el todo a una. -¿Por qué? -Es que si todos los días haces lo mismo y siempre es igual, no sales de ahí… Es lo más parecido a un funcionario. -Ponme un ejemplo concreto, cuéntame cómo has compuesto el mensaje que quieres transmitir con “Distinto”. -Con “Distinto”, tuve muy claro lo que quería contar. Soy de aquí, nací aquí, mi madre es española y mi padre mozambiqueño. Sin embargo, la gente siempre cuestionaba mi origen. Les intrigaba la tonalidad diferente de mi piel. Parece una tontería, pero duele, porque encierra un cierto componente de exclusión involuntaria, un “eres raro”, sin que tú te hayas planteado nunca que lo seas. Con “Distinto”, tuve muy claro lo que quería contar, no es danza abstracta sino mi propia historia Ahora los tiempos han cambiado mucho, pero imagínate que cuando yo era pequeño en mi colegio solo éramos dos de origen “exterior”, no había nadie más. Eso quería contar. -¿No es una danza abstracta? -No, sino que cuento una historia. Son cuatro músicas, y cada una define un momento de esa historia. La primera es un rezo, simboliza cuando alguien abandona su país de origen y alberga dentro de si una esperanza, una plegaria; y luego, la segunda canción transmite el toque exótico de lo que dejas atrás, conecté con la parte africana de mi padre, con la diferencia; la tercera parte es el conflicto, el choque con la realidad porque jamás las cosas son como uno piensa. Y el final, la cuarta parte, es la unión, todos somos iguales, tenemos que aceptarnos unos a otros y recorrer el camino. Las diferencias no importan, en realidad, nada es tan importante. -Me cuentas de las músicas, pero vosotros tres sois cada uno un personaje. -Sí, por supuesto, y por eso metemos a Hamza, porque si nosotros nos sentimos diferentes, imagínate él, que además de venir de Marruecos había nacido con una minusvalía. “Distintos” también es parte de su historia. -Tus compañeros de viaje… -Yo sufro mucho por las personas, te confieso que lo que más me duele del mundo es la traición, cuando confías en alguien y te deja en la estacada. Si recuerdas el pasado año, éramos más bailarines… -¿Alguien te hizo daño? -Sí, que te apuñalen por la espalda alguien al que le has dado todo, duele mucho. -Eso es indudable. Pero vosotros que aparentáis ser tan duros, y competís en un montón de certámenes internacionales por el más difícil todavía, seguro que también sufrís mucho. -Verás, las competiciones, realmente, son lo más ingrato que existe, porque te puedes preparar mucho, muchísimo, y… todos bailan para ganar, pero solo gana uno. Esa es la lección. Tienes que caer para aprender para volver a levantarte. -¿Has dado muchos tumbos? -Sea como sea, siempre he vivido del baile, no he trabajado en otra cosa. Además por todo el mundo. -¿En que países has vivido? - En Austria, en Inglaterra, en USA (Los Ángeles), también viví en otros lugares fuera de Madrid: Barcelona, Fuerteventura, Torremolinos… Trabajé en el Circo del Sol durante dos años en Arabia. Seguro que me olvido de muchos sitios. Estuve cuatro años en Galicia donde descubrí el fascinante mundo de las orquestas que tienen, y además allí, en Vilagarcía de Arousa conocí a mi mujer Rose, que es cantante y con la que tengo una niña de cuatro años… El break te enseña siempre a caer para volver a levantarte -¿Vivís en Loeches? -Sí, allí compré mi casa, porque en 2018 creé mi empresa: Entamo Performance (“entamo” significa en changana “unión”, algo así como la “unión hace la fuerza”), con la que participamos en numerosos eventos. -Parece que tus proyectos se van cumpliendo. -Lucho mucho, unas cosas salen otras no. Te confieso que lo que más me gusta es esto, la danza-teatro, pero es lo peor pagado, es un mundo muy injusto porque ensayas muchísimo para luego hacer cuatro o cinco funciones, pero es lo que más me gusta, lo que me hace más feliz. Nos lanzamos a por ello. Y el break te enseña siempre a caer para volver a levantarte. MERCEDES ALBI

La Academia de las Artes del Folclore y de la Jota de Aragón despide a su presidente, Carmelo Artiaga Su fallecimiento ayer sábado deja un vacío enorme en el mundo del folclore y la jota aragonesa, de cuya candidatura como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad fue impulsor Con gran dolor, la Academia de la Jota y el Folclore de Aragón despide a su presidente y fundador , Carmelo Artiaga Mialdea, fallecido en Zaragoza ayer sábado. Sus restos mortales se velan en el tanatorio de Torrero desde las 10:00 horas de hoy domingo. El funeral tendrá lugar el lunes , a las 11.30 horas , en la Capilla 3 del mismo tanatorio. Ideólogo y fundador de la Academia del Folclore y de la Jota de Aragón en 2017, Carmelo impulsó la candidatura de la jota como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad . Trabajó incansablemente por y para la jota y el folclore aragonés en materias como la regulación de la enseñanza , en el reconocimiento y dignificación de las figuras de nuestra cultura a través del nombramiento de Académicos de Honor , y creó dos espectáculos con y para la Academia: la Gala LOVE (2020) y De Principal Belleza. El arte de la jota (2024). Fue promotor, fundador y presidente de la Academia de las Artes del Folclore y la Jota de Aragón Bajo su presidencia, la  Academia  fue nombrada  Hija Predilecta de Zaragoza, Aragonesa del Año, Premio Custodio  y  Cachirulo de Honor. La Academia quiere agradecer a todas las personas, entidades y medios de comunicación las condolencias y muestras de cariño remitidas desde que se dio a conocer el fallecimiento de Carmelo. CARMELO ARTIAGA MIALDEA Nacido en Zaragoza, Carmelo Artiaga tuvo su primer contacto con la danza a los ocho años, habiéndose formado posteriormente en folclore aragonés, ballet clásico con la reconocida maestra María de Ávila, danza contemporánea, entre otros. Entre sus hitos, destaca haber estado becado en la prestigiosa Escuela del Teatro Bolshoi de Moscú. Como intérprete, coreógrafo y docente, su extensa carrera profesional abarca diferentes ámbitos tales como la televisión, la moda o la gimnasia rítmica. En el campo del folclore aragonés, formó parte como solista del Ballet Folclórico Nobleza Baturra (1976-1981). Fue director de la Escuela Municipal de Danza Villa de Tauste (1988-1992). Creó su propia compañía de danza en 1990, para que la que coreografió y con la que presentó los espectáculos El Amor Brujo (1990), Yerma (1992), La forja de un rebelde (1992) y La ley del deseo (1993). Fue promotor, fundador y presidente de la Academia de las Artes del Folclore y la Jota de Aragón (2017), institución con la que impulsó la candidatura de la jota como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Sus dos últimas creaciones fueron la Gala LOVE (2020) y De Principal Belleza. El arte de la jota (2024).  &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Con Quique Peón, director de Xacarandaina Capturar el alma del folklore es imposible, solo te puedes aproximar a él dejándote contagiar por esa pureza y vitalidad que emana, porque cuando es auténtico, te contagia. Me sentí feliz de que Quique Peón , director del grupo Xacarandaina, me invitase a Fitur a ver unos pases en los que actuaban una mínima parte de los artistas que componen esta agrupación, ubicada en Coruña. En la danza tradicional no existen los egos, se diluyen en el grupo, ellos son los custodios de una tradición ancestral. Habría que venerarlos. Su danza es un acto de amor. Xacarandaina en Fitur. Fotografía: Gabriel M. Olivares -No venís casi nunca por Madrid. -Tenemos programadas muchas giras, casi no paramos, pero vamos sobre todo al extranjero. Ésto que vas a ver aquí en Fitur, es una mínima muestra y en un marco que tampoco es el ideal. -Me encanta veros. Se siente una vibración muy especial, ¿Dónde vais a girar? -Salvo nuestra participación en el Festival Internacional que se celebrará en julio en la Isla de Gran Canaria, viajaremos fuera de España. Vamos a Francia, a un región fronteriza con Suiza; y, nos hace especial ilusión actuar en Brasil, porque participaremos en un concurso internacional de grupos de baile folklórico que cada año se organiza en un país diferente… Xacarandaina en Fitur -Alguna de las danzas que habéis rescatado me dejan impresionada, como en esa filmación de la televisión francesa, en las que las bailarinas de Xacarandaina danzan portando una botella de aguardiente y un bollo encima de sus cabezas… Lo veo dificilísimo. -(ríe) Eran los padrinos los que lo bailaban en las bodas, a la salida de la iglesia. La danza es una Muñeira vella o Ribeirana de la zona de Zas (Ayuntamiento de Budian). Y después de la danza, los invitados bebían el licor, el vino y se comían el bollo. -Me parece sorprendente que puedan bailar y mantener una botella en la cabeza. -Si se les caía significaba un augurio de mala suerte para ese matrimonio. Pero ten en cuenta que las mujeres del mundo rural solían portar objetos en la cabeza, como cántaros, la ropa que llevaban al lavadero... De ahí viene lo que denominamos "regueifa" en el atuendo de las danzas, que la portan mujeres sobre la cabeza y puede manifestarse con distintas formas y objetos, desde adornos en forma de arco, pan etc... Músicos de Xacarandaina en Fitur -Es increíble, pero en las bodas, actualmente, ¿aun se baila este tipo de muñeira? -No. Se ha perdido. Cuando yo era muy joven, entonces solo tenía unos 16 años, me invadió la sensación de que las danzas iban a desaparecer. Fui contra reloj recorriendo los pueblos y aldeas, especialmente de la costa norte de Galicia. Quedaba poco tiempo y es que la danza si no te la enseñan, si no la ves bailar, no se conserva. - Es una forma de salvación del conocimiento de los ancestros. Y estas cuatromparejas de bailarines que habéis traído a Fitur, llevan un traje distinto cada una. Explícame un poco de cada vestimenta. -Sí, los atuendos son de cuatro zonas distintas, ha sido confeccionados de la forma más tradicional, los tejidos están hechos en telares. Te pongo fotos: Este traje es de Bergantiños: Éste, de la zona de Las Mariñas: Éste, de Santiago de Compostela: Éste, de Lugo: -¿De dónde crees que procede la existencia de tanta diversidad de danzas y trajes que hay en Galicia? -Proviene del aislamiento, de la estructura geográfica formada por pequeñas aldeas. Allí sí llegaban las influencias de otros bailes, pero lo que llegaba se quedaba, no se marchaba. El mar establece una frontera insalvable y, por el otro, lado el río Miño. Lo que llega penetra y perdura. Xacarandaina en Fitur -¿Cómo se puede detectar que un baile es único y anterior al medievo? -Hay que mirar alrededor, por ejemplo, cuando hay cintas, palotes, banderas… Estos son elementos comunes que existen en las danzas populares de toda Europa, y en Galicia también tenemos ejemplos de ello. Suelen ser de raíz medieval. Y hay algunas danzas que proceden de épocas más antiguas como la Muñeira Vella o Vieja, que parece corresponderse con aquellas que describió Estrabón en su geografía. Pandereteiras de Xacarandaina en Fitur. Fotografía: Gabriel M. Olivares -Desprende un algo primitivo. -Es que no es cualquier cosa, yo considero que estamos ante una de las danzas de divertimento más antiguas de la historia, sí no la más... -La verdad es que si se ahonda en el folklore te invade la sensación de que es imposible abarcarlo, ni siquiera casi limitándonos a una zona como puede ser Galicia. -Sí, hay una riqueza infinita. No hay un país en el mundo que tenga tanta variedad de danzas y trajes como España. Bailarines de Xacarandaina en Fitur -Vosotros tenéis vuestra sede en Coruña, pero Galicia es más grande. Si yo como turista te pidiera que me aconsejaras ver alguna danza que no sea de vuestra zona ¿cuál acude a tu mente? -Hay muchas, me lo pones difícil. -Solo dí una. -Es muy interesante la conocida como "Damas y galanes" que se baila en San Sebastian de Aldán (Pontevedra). Es de caracter religioso. Honra al patrón y se baila el 20 de enero. Pero ya te digo, el mundo de la danza popular tiene esa magia inabarcable. Si la conoces, te quedas preso en ella y solo quieres transmitirla. Xacarandaina en Fitur -La danza gallega ha sido declarada por la Xunta de Galicia, Bien de Interés Cultural. -Sí, estamos muy contentos, al fin lo hemos logrado y esperamos y deseamos poder contagiar nuestra pasión a todo el mundo. MERCEDES ALBI