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La moda contemporánea dialoga con las colecciones del Museo del Romanticismo en la exposición Ecos de la moda romántic a El Museo Nacional del Romanticismo, museo estatal dependiente del Ministerio de Cultura, presenta la exposición de indumentaria Ecos de la moda romántica. Durante tres meses, los visitantes podrán disfrutar de esta muestra comisariada por Josep Casamartina i Parassols e Ismael Núñez Muñoz, de la Fundació Antoni de Montpalau en las salas del museo. La exposición reúne más de cuarenta trajes procedentes de la colección de indumentaria de la fundación – una de las instituciones de moda más prestigiosas de nuestro país- junto a figurines de Pedro Rodríguez, estableciendo un diálogo entre las piezas y los espacios históricos del museo. El recorrido se despliega en las estancias del antiguo palacio del marqués de Matallana, donde los diseños seleccionados conversan con la colección permanente y con la atmósfera decimonónica del edificio. Vista del Salón de Baile, exposición Ecos de la moda romántica en el Museo del Romanticismo. Modelos de Bibian Blue, Davidelfín, Pedro Rodriguez y Carmen Mir La selección incluye creaciones de destacados modistas y casas de moda españolas de los siglos XX y XXI que reinterpretan la estética romántica desde distintas sensibilidades. El modista más representado en la muestra es Pedro Rodríguez , acompañado de sus discípulos más relevantes: Josep Andreu (Andrés Andreu), Roberto Dalmau y Jordi Anglada . El modista más representado en la muestra es el diseñador valenciano Pedro Rodríguez Además, la exposición reúne a los modistos que, junto con Rodríguez y El Dique Flotante, conformaban el núcleo de los llamados Cinco Grandes de la Moda Española: Asunción Bastida, Manuel Pertegaz y Santa Eulalia (Joan Serra). Cristóbal Balenciaga no podía faltar, acompañado de dos de sus colaboradores que continuaron su legado en Madrid tras el cierre de su maison en 1968: Felisa Irigoyen y José Luis Molina. Traje de novia diseño de Jorge Anglada Completan la alta costura clásica Flora Villarreal, La Innovación (Maria Mora), Carmen Mir y Elio Berhanyer . La selección continúa con Antonio Miró, Margarita Nuez, Jesús del Pozo, Manuel Piña, Sybilla, Antonio Alvarado, Estanislao y Lydia Delgado, sin olvidar a Tot-Hom e Isabel de Pedro . La revisión de la moda contemporánea termina con Josep Font y Luz Díaz —también con piezas de Font en solitario—, Davidelfín, Ion Fiz,Teresa Helbig y Bibian Blue . Cristóbal Balenciaga no podía faltar, acompañado de sus colaboradores: Felisa Irigoyen y José Luis Molina Las concomitancias con el Romanticismo podrían extenderse a muchos más diseñadores y diseñadoras españoles, incluso a piezas del fondo de la propia Fundació Antoni de Montpalau . Sin embargo, la muestra se ha acotado a aquellas obras que resultan más representativas de esta relación entre pasado y presente, y que, al mismo tiempo, se integran de manera armónica y coherente en las distintas estancias del Museo del Romanticismo. Vista del Oratorio con el modelo Traje de novia de Pedro Rodríguez, 1958. Fundación Antoni de Montpalau (Donación Montserrat Torredemer) La moda del Romanticismo como inspiración de la Alta Costura española durante su edad dorada "Ecos de la moda romántica" nos invita a hacer un recorrido por la influencia de la moda y las tendencias del siglo XIX en la indumentaria femenina contemporánea , evidenciando afinidades formales y conceptuales entre los códigos de la moda romántica y las creaciones actuales. A partir del diálogo con los cuadros y los ambientes históricos del Museo Nacional del Romanticismo , la exposición construye una panorámica que revisita el presente desde el pasado. La moda del Romanticismo como inspiración de la Alta Costura española durante su edad dorada La riqueza de la indumentaria romántica fue objeto de interés e inspiración durante los años dorados de la Alta Costura española (1940-1960) y sus ecos llegan hasta nuestros días. Siluetas que recrean miriñaques, crinolinas, mangas voluminosas, cinturas ceñidas, estampados florales, madroños propios de la moda goyesca o corsés son los protagonistas de los diseños contemporáneos que se exponen en las salas del museo, reflejando la influencia de la moda y las fuentes visuales decimonónicas. Todo ello, en diálogo con los espacios y las piezas del museo, especialmente con la colección de pintura, que muestran cómo vestían la burguesía y la aristocracia en las décadas de 1830 a 1870; un período en el que la forma de vestir evolucionó velozmente y tuvo una difusión asombrosa a través de las publicaciones de moda, como El correo de la moda o El correo de las damas, que impulsaban el consumo, a la rápida sucesión de modas que iban cambiando por temporadas y que obligaban a las señoritas “de buen tono” a renovar constantemente sus prendas. Tot-Hom. Traje de noche, h 1990. Fundació Antoni de Montpalau. Fundació Antoni de Montpalau (Donación de Mercedes Albert) ©Starspestudi Una sala dedicada al diseñador valenciano Pedro Rodríguez El recorrido de la exposición concluye con una sala dedicada en exclusiva al proceso creativo de Pedro Rodríguez (1895–1990), considerado uno de los grandes creadores de la moda española. Pedro Rodríguez Cervera (Valencia, 1895 - Barcelona , 2 de febrero de 1990) fue un diseñador de moda español que creó su propia casa de alta costura en Barcelona en 1919, aunque el éxito le llegó en el año 1929, con la Exposición Internacional de Barcelona , convirtiéndose en unos de los grandes creadores de la moda española del siglo XX. Pedro Rodríguez probando una de sus creaciones en su taller de costura En ella, el público podrá contemplar una selección de trajes y 30 figurines —también prestados por la Fundació Antoni de Montpalau — que ilustran la estrecha relación entre el creador valenciano y la indumentaria del Romanticismo, del que recuperó cinturas ceñidas y amplios volúmenes de falda. Pedro Rodríguez (1895–1990), considerado uno de los grandes creadores de la moda española Sus trajes de noche y vestidos de novia, algunos de sus diseños más celebrados, le permitieron reinterpretar con libertad el pasado. Rodríguez, profundo conocedor de la moda romántica, diseñó asimismo el vestuario para películas ambientadas en esa época, como ‘Pequeñeces’ (1950), de Juan de Orduña . Pedro Rodriguez, figurín de Marcelo Scarxell. Fundación Antoni de Montpalau @Starpestudi Es en esta sala donde se encuentra el germen de la exposición Ecos de la moda romántica: un figurín de moda de la década de 1950 de Pedro Rodríguez, conservado en la Fundación Antoni de Montpalau, que representa un boceto del Retrato de Josefa García Solís, depositado en 1923 por el Museo del Prado en el entonces Museo Romántico. Realizado por el pintor Antonio María Esquivel en 1852 , este retrato refleja fielmente la indumentaria y el adorno de damas y caballeros de la época, plasmando su estatus económico y social. Traje de novia diseñado por Pedro Rodríguez Se trata de un ejemplo más del diálogo constante entre la moda del siglo XIX y los creadores de los siglos XX y XXI, y demuestra cómo la estética romántica y el propio museo han despertado el interés de algunos de los grandes modistos del siglo XX, como es el caso de Rodríguez, el más representado en esta exposición. Sala del Encuentro, se dedica a Pedro Rodríguez Actividades, catálogo y materiales complementarios. Como es habitual, la muestra viene acompañada de un completo programa de actividades dirigido a distintos públicos , todas ellas de carácter gratuito y con reserva previa a través de la página web del museo. Entre las propuestas destacan las visitas comentadas a cargo del equipo de Mediación Cultural, que ofrecen una aproximación especializada a las piezas y al contexto histórico de la muestra. Traje de novia de Pedro Rodriguez, figurín de Marcelo Scarxell. Fundación Antoni de Montpalau @Starpestudi. La Fundación Antoni de Montpalau La colección textil Antoni de Montpalau nació en Sabadell, en diciembre de 2004 en el seno de la Asociación Antoni de Montpalau. Constituida como fundación en 2013 , tiene como objetivo el coleccionismo y la difusión del patrimonio textil y, fundamentalmente, de la moda contemporánea española. Esta colección, que ya suma más de 6.000 piezas, incluye trajes, complementos, dibujos, fotografías y fondos documentales. Sala del Encuentro, de dedicada a Pedro Rodríguez. Anna Ma Casanovas Crusafon y Josep Casamartinas i Parassols (comisario de la exposición) están al frente de esta fundación y mantienen un firme compromiso con el estudio del patrimonio textil, el mundo de la moda y sus vinculaciones con la sociedad, el arte o la historia. Traje de noche por Pedro Rodríguez Este estudio es la base para el desarrollo de la triple misión de la Fundación: el crecimiento de su colección, el fomento de la creación contemporánea de la mano de colaboraciones con escuelas de diseño y la difusión a través de exposiciones temporales, publicaciones y ciclos de conferencias. En este sentido, la Fundación lleva más de una década comisariando exposiciones y colaborando con instituciones culturales para difusión del patrimonio textil, con ejemplos como la exposición Moda y modistas en el Museo de Historia de Cataluña, 100 años de Glamour en el Museo de Mallorca o sucolaboración anual con el palacio. Traje diseño de Pedro Rodriguez, figurín de Marcelo Scarxell. Fundación Antoni de Montpalau @Starpestudi Listado de diseñadores y firmas que forman parte de la exposición Andrés Andreu Antonio Alvarado Antonio Miró Asunción Bastida Bibian Blue Carlos Díez Carmen Mir Cristobal Balenciaga Davidelfín Elio Berhanyer Estanislado Felisa y José Luis Flora Villarreal Ion Fiz Isabel de Pedro Jesús del Pozo Jordi Anglada Josep Font La Innovación Lydia Delgado Manuel Pertegaz Manuel Piña Margarita Nuez Pedro Rodriguez Roberto Dalmau Santa Eulalia Sybilla Teresa Helbig Tot-Hom Conjunto de noche de Manuel Pertegaz Traje de puesta de largo de Santa Eulalia Traje de cóctel Flora Villareal Traje de noche de La Innovación Boudoir de Pertegaz INFORMACIÓN PRÁCTICA DE LA EXPOSICIÓN Ecos de la moda romántica Fecha y lugar: 4 de marzo de 2026 a 7 de junio 2026Salas del museo y sala del Encuentro (Sala XXV) Museo Nacional del Romanticismo. C/ San Mateo, 13. 28004, Madrid. Tarifas: Hasta el 20 de marzo acceso gratuito Para el resto de fechas el acceso está incluido en la entrada al museo. Horario: De mayo a octubre: De martes a sábado: de 9:30 a 20:30 h. Domingos y festivos: de 10:00 a 15:00 h. De noviembre a abril: De martes a sábado: de 9:30 a 18:30 h. Domingos y festivos: de 10:00 a 15:00 h.

Con motivo del  Día Internacional de la Danza , que se celebra el miércoles, 29 de abril, el Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" organizará una excursión a Íscar (Valladolid), ciudad natal de Mariemma, donde conoceremos a fondo el  Museo de la Danza Española de Mariemma .  La cita será el viernes, 24 de abril de 2026   EL MUSEO QUEDARÁ CERRADO PARA ESTE EXCLUSIVO GRUPO DE 12 PERSONAS DURANTE TODA LA MAÑANA   De la mano de  Susana Merlo , responsable y directora del museo, la bailarina  Cristina Cazorla  y  José Moltó , músico y constructor de instrumentos de música popular de tradición oral, quien nos instruirá sobre el instrumento, por antonomasia, más relacionado con la danza española:  las castañuelas , se realizará recorrído único por todo el museo. "La danza es para mí es un deseo incontestable, un impulso irrefrenable del suelo físima y espirirualmente" (Mariemma) El Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" ha tenido siempre muy presente la danza española.   La Vida Breve ,  El Amor Brujo ,  El Sombrero de Tres Picos , incluso en algunas partes de  El Retablo de Maese Pedro , la danza española es protagonista o forma parte de la obra del compositor gaditano. Somos conscientes de que cerrar un museo sólo para 12 personas, y con actuaciones en directo, es un auténtico lujo    Una de nuestras "obsesiones" es hacer entender que danza española no es lo mismo que flamenco. Si hubo alguien que pensó así y que lucho por la danza española de forma integral fue Guillermina Teodosia Martínez Cabrejas, conocida como  Mariemma .  Soy bailarina, porque la bailarina también es bailaora  (Mariemma). Fotografía Museo de Íscar Para que todos los participantes puedan disfrutar al máximo del evento se ha limitado la inscripción  sólo a 12 personas . ·Somos conscientes de que cerrar un museo sólo para 12 personas, y con actuaciones en directo, es un auténtico lujo, pero creemos que es la mejor manera de que todos los participantes puedan llevarse una idea lo más exhaustiva posible de esta gran dama de la danza española, y de la danza en sí misma", escribe José Manuel Hernández Blanco, director del Ciclo de Conciertos Manuel de Falla.  Mariemma tocando las castañuelas MARIEMMA    Aunque nacida en Íscar (Valladolid), con apenas dos o tres años Guillermina Teodosia Martínez Cabrejas, Mariemma, se trasladó a vivir a París. Formada en la Escuela de Ballet del Teatro de Chatêlet, regresó a España en los años 40 del s. XX y se convirtió en una de las más destacadas coreógrafas y pedagogas de danza española de todos los tiempos. Piezas como Fandango, Diez Melodías Vascas o Danza y Tronío, creadas para el Ballet Nacional de España, o un sistema de enseñanza propio, fueron una auténtica revolución.   "No podemos estilizar, sino se conocen las raices de lo que se quiere estilizar" (Mariemma) Mariemma de niña A lo largo de su extensa carrera recibió el Premio Nacional de Danza (1950), la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid (1951), el Premio Nacional de Coreografía (1955) y la Medalla de Oro de las Bellas Artes (Ministerio de Cultura) (1981). Con motivo del día internacional de la danza, que se celebra el 29 de abril, el Ciclo de conciertos “Manuel de Falla” se acercará a Íscar para conocer, de primera mano, todo el legado de esta gran dama de la danza española. Cristina Cazorla Cristina Cazorla, bailarina Bailarina solista de Sergio Bernal Dance Company, Cía Antonio Najarroen el espectáculo QUERENCIA, además de formar parte del elenco de las compañías de danza española como las de Sara Cano, Aída Gómez, Enclave Español, Antonio Márquez, Carmen Cortés, Nota de Paso o Ibérica de Danza, entre otras. En 2016 forma parte delBallet Nacional de Españabajo la dirección de Antonio Najarro. Su carrera está muy ligada a la Escuela Bolera , participando en las campañas del Museo del Prado 2020 y 2021 por el Día Internacional del Turismo y del Flamenco respectivamente como bailarina de este estilo. Dos años ganadora del Premio Bailarina Sobresaliente en el Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán (2019 y 2022), en sus proyectos personales Cristina Cazorla mantiene el estilo más académico de la Escuela Bolera e investiga en la evolución de la misma hacia movimientos y músicas contemporáneas. Obtiene los siguientes premios siguiendo estas líneas coreográficas: -1er Premio Coreografía de Soloen el Certamen de Coreografía de D. Española y Flamenco de Madrid(2022). -Mención Especial del Jurado por ‘por visibilizar, recuperar y mantener la técnica del lenguaje académico y las formas estilísticas que son características de la Escuela Bolera tradicional’ y 2º Premio Coreografía Grupal en el Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid en 2019. Recibe otros premios como: 1er Premio de Danza Española en el V Concurso de D. Española y Flamenco de Almería (2017) o Premio de Danza Española en el Concurso Ciudad de Castellón (2015) Es docente invitada de Escuela Bolera en: RCPD Mariemma, Conservatorio de Danza de Granada, Puertollano, Riba-Roja y Alcoy, Valencia Endanza 2021, Encuentro con los Maestros 2021. En 2022 es coreógrafa invitada en el CSD María de Ávila de Madrid. Dirige junto a Alejandro Lara su propio programa pedagógico DANZA ESPAÑOLA SUMMER/WINTER PROGRAM. En 2022 se configura su compañíacon el espectáculoESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLAjunto al guitarrista Álvaro Toscano, visitando, en 2023, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Museo del Traje de Madrid, entre otros.Ese mismo año estrena MEMORIA en el Teatro Le Ranelagh de París y MADRILEÑA en los Teatros del Canal de Madrid. Josè Moltó, músico e instrumentista José Moltó Músico y constructor de instrumentos de música popular de tradición oral, formado en Madrid con José María Martín Porras y Daniel S. Heyman. Miembro de ICOMOS-España y de la Asociación Instrumenta https://pepemolto.wordpress.com Castañuelas colección de José Moltó   ITINERARIO   Viernes, 24 de abril de 2026   - 07:15 h. El punto de encuentro estará situado en la Estación Sur de Méndez Álvaro para tomar el autobús Alsa, a las 07:45 h, con llegada a Olmedo (Valladolid) a las 9:50 h.   - 07:30 h. El segundo punto de encuentro será el Intercambiador de Moncloa . El mismo autobús saldrá desde allí a las 8:00 h   Se puede elegir el punto de encuentro que se prefiera Fuente: Museo Mariemma (Íscar, Valladolid) Fuente: Museo - 09:50 h. Desde Olmedo saldremos en taxi hacía Íscar (Valladolid) llegando al Museo de la Danza Española de Mariemma a las 10:10 h.   - 10:15 h. De la mano de Susana Merlo , responsable y directora del museo, junto a la bailarina Cristina Cazorlay José Moltó , músico y constructor de instrumentos de música popular de tradición oral, recorreremos todo el museo, la vida y la trayectoria de Mariemma. Sus trajes, su legado, sus instrumentos, vídeos, fotos, conferencia, danza en directo, estarán presentes a lo largo de toda la mañana durante más de 4 horas (con un pequeño receso a mitad de mañana) Con el propósito de acercarnos a la música y a la danza popular de tradición oral de Valladolid, contaremos también con la colaboración especial de: Estefanía Arranz Cáceres , danza Daniel Suárez Pérez , dulzaina Francisco García Olmedo , caja. - 14:30-14:45 h. Regresaremos a Olmedo, al Balneario Castilla Termal Olmedo (4*), donde comeremos. - 17:10 h. Tomaremos el autobús Alsa de vuelta a Madrid, llegando a la Estación Sur de Autobuses a las 19:00 h. (este autobús no tiene parada en Moncloa). Museo Mariemma Precio de la excursión por persona: 240 € + 21% IVA = 290€ Sólo 12 participantes Fecha límite de inscripción: viernes, 27 de marzo de 2026 • El precio incluye :- Autobús Alsa Madrid-Olmedo-Madrid. Traslados al Museo Mariemma en Íscar y al Balneario Castilla Termal de Olmedo.- Entrada y visita guiada al museo, así como a todas las actuaciones en directo dentro del recorrido (ver itinerario). - Un almuerzo en el Balneario Castilla Termal de Olmedo (4*) (ver itinerario).- Guía acompañante desde la Estación de Méndez Álvaro de Madrid hasta el regreso a la misma. - Guía local durante toda la visita al museo. - Seguro de asistencia y cancelación • El precio no incluye :- Gastos extras generados en la estación de autobuses o fuera del Itinerario. Para más información, reservas y pagos contactar: jose_manuel_hdezblanco@hotmail.com // tel : 660957863

El Centro Coreográfico Canal selecciona los 31 proyectos en la 18ª edición de sus residencias artísticas para 2026 288 propuestas se han presentado e esta convocatoria impulsada por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid   El proyecto mexicano La razón sensible de Cuatro x Cuatro y Shanti Vera ha sido seleccionado para la residencia de Creación apoyada por la Fundación Casa México en España   El jurado destaca el alto nivel de participación y la calidad de los proyectos recibidos Un momento de Parcas  fruto de una residencia el año pasado y estrenado en Canal Baila. © Pablo Lorente   El Centro Coreográfico Canal volverá a convertirse en uno de los principales espacios de impulso a la creación y la investigación en danza y artes del movimiento en 2026. Un total de 31 proyectos han sido seleccionados en la 18ª Convocatoria de Residencias Artísticas promovida por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid.   El pasado 11 de febrero se reunió en Madrid el jurado designado para la selección de los proyectos presentados. El comité estuvo compuesto por Muriel Romero , Ángel Rojas , Dácil González y Manuel Liñán , actuando como presidente Ruperto Merino .   En esta edición se recibieron 288 propuestas: 128 en la modalidad de Creación y 160 en la modalidad de Investigación, lo que confirma el interés y la consolidación de esta convocatoria como referente nacional e internacional para la danza y las artes del movimiento. El jurado ha expresado el alto nivel de participación y de la calidad de los trabajos presentados. 11 residencias de Creación Las residencias de Creación apoyan el desarrollo de nuevos trabajos coreográficos que se realizarán en su mayor parte en las instalaciones del Centro Coreográfico Canal y que culminarán con su estreno dentro del ciclo Canal Baila de 2026 en Teatros del Canal .   Los proyectos seleccionados en esta modalidad son: Ana Almagro — Coro de estancias x Ana Almagro  (flamenco contemporáneo) Begoña Quiñones & Verónica Garzón — moNo nO aWare (danza contemporánea) Carmen Fumero & Miguel Zomas — Líquido infinito (danza contemporánea) Compañía Gabriel Matías — Bailar (flamenco) José Ángel Capel — Antes del alba (danza española y flamenco) José Maldonado — Guacamayo (flamenco) YIBU (Chun Zhang) — Eclipse (danza contemporánea) La permanente (Paloma Díaz) — Estoy enfadada, estoy rabiosa Cía Elías Aguirre — Enjambre Rave (danza contemporánea) Javier Martín — RÆM (danza contemporánea) Cuatro x Cuatro / Shanti Vera — La razón sensible (danza contemporánea) Éclair de Iker Rodríguez estrenado tras una residencia en el Centro Coreográfico Canal. © Ana Yñáñez Esta última corresponde a la residencia de creación mexicana, en colaboración con la Fundación Casa México en España.   Cada uno de los proyectos seleccionados recibirá una ayuda de 10.000 euros y dispondrá de un periodo máximo de residencia de dos meses. Éclair de Iker Rodríguez estrenado tras una residencia en el Centro Coreográfico Canal. © Ana Yñáñez   20 residencias de Investigación Las residencias de Investigación apoyan la exploración y el desarrollo de proyectos en proceso creativo. Tendrán una duración máxima de un mes y concluirán con un ensayo abierto al público en el Centro Coreográfico Canal.   Los proyectos seleccionados en esta modalidad son: Alberto Sellés — APPLICA2 ANIMA Artes del Movimiento — El Páramo Colectivo laimperfecta — Monstruos Compañía David Coria — BOLERO Elena Castellanos – iXa — Padecen los ojos Francisco Hidalgo & Susanne Zellinger — SOBRE RIMBAUD. Del horizonte al silencio Jesús Rubio Gamo — Código y herida Lucía Marote — Fuerzas de la naturaleza Lucía Montes — FRAKTURE Marta Gálvez — HILANDERA (work in progress) Mateo Mirdita — Berlino Miranda Alfonso — Yako loka Norberto Llopis Segarra — Las variaciones Pablo Egea — AURORO Radicel·la — Repic Richard Mascherin — Imperfecto Imposible Tania Garrido — VΛCΛ UNARTE CÍA . — Quinta piel Yoel Vargas — RIDOTTO Cruceta Flamenco — Tacón_Estudio sobre el Impacto Cada uno de estos proyectos recibirá una ayuda de 2.500 euros.   Con esta nueva edición, la Comunidad de Madrid reafirma su apoyo decidido a la creación coreográfica y a la investigación en danza, consolidando el Centro Coreográfico Canal como un espacio de referencia para el desarrollo de nuevos lenguajes y el fortalecimiento del tejido profesional del sector.

Tenía mucha curiosidad por conocer a Antonio Castillo Algarra. Lo había observado desde la distancia percibiendo ese halo de “autoritas” que desprende. Desde actor, productor y director de su compañía For the fun of it , co-director artístico del recién creado Ballet Español de la Comunidad de Madrid… me era imposible encasillarlo bajo un parámetro concreto. Su personaje escapaba a las clasificaciones, las excedía. Y por si esto fuera poco, unos lo ensalzaban y otros lo vilipendiaban, pues ha sido injustamente atacado por un sector de la prensa (El País y la Cadena Ser). Quedé con él en el Real Teatro Retiro durante estos días en los que el invierno se ha ensañado con especial crudeza, allí me abrió las puertas de su mundo. Penetré en una atmósfera diferente, era una especie de trastienda de los sueños, donde los elementos del atrezzo, compuesto por objetos de época auténticos que formaban un revoltijo junto con instrumentos antiguos, como la guitarra barroca, y las piezas del vestuario, diseñado por Antonio… Los miembros de la compañía estaban montando. Todo era pura efervescencia creativa. Desde 2014, For the Fun of It hace teatro culto y divertido, siempre con música y danza, de impecable factura estética, con el fin de llevar el legado de 1.000 años de cultura en español, de España e Hispanoamérica, a las nuevas generaciones. Estos días en el Real Teatro Retiro se puede disfrutar del 21 al 28 de febrero de su obra Más acá de los romances , el primer musical del romancero, en el que sus protagonistas Ramón Menéndez Pidal, María Goyri y su hija Jimena emprenden una travesía en busca de la "flor nueva de romances viejos".     -Me gustaría que me contaras cómo es que has llegado hasta aquí. Tu historia. -Llegué a Madrid con 17 años para estudiar derech o. Era un chico procedente de Huelva con un entorno familiar burgués. Tenía esa vida prefijada, la que correspondía a lo que se esperaba de mí. Vine para encontrar la vida que yo quería. Cuando puse el primer pie aquí, me dije a mi mismo: ya estoy donde quería estar.  Y me encontré a mí mismo, o más bien comencé a buscarme. -¿Cómo te encontraste? -A través de unos descubrimientos o personajes trascendentales que aparecieron en mi camino. -¿Quiénes? -Verás, aunque parece que se ha olvidado, en 1982, con la llegada del PSOE al poder, hubo una terrible purga en el profesorado universitario. Se bajó la edad de jubilación del profesorado y fueron sustituidos por personas afines a su ideología. Entonces, aquellos ilustres catedráticos que eran auténticos sabios y como Julián Marías, vivieron en sus carnes los efectos de la Guerra Civil y formaron parte de la transición y querían el perdón, fueron expulsados de sus aulas. For the fun of it en "Más acá de los romances" -¿Conociste a Julián Marías? -Sí, porque para poder seguir dando clases, los “jubilados” forzosos fundaron el Colegio Libre de Eméritos. Y allí, en un curso que impartía, tuve el placer de conocerle, y me fasciné. No dejé nunca de asistir a sus cursos. -Cuéntame algo que recuerdes de él. -Julián Marías y el resto de eméritos eran los discípulos directos de los pensadores de la Edad de Plata, como Ortega y Gasset o, incluso anteriores, como Ramón Menéndez Pidal, a quien represento en esta obra de “Más acá de los romances”. Te cuento una anécdota, que, aunque se la pude escuchar a él mismo, también está escrita en sus memorias. Cuenta que unos meses antes de morir Ramón Menéndez Pidal le pregunto: “Julián, ¿Cree usted que veré a los juglares en la vida perdurable?”, a lo que él le respondió que pensaba que sí y que el mismo deseaba hacerle tres preguntas a Aristóteles. For the fun of it en "Más acá de los romances" -Y ¿dejaste el derecho? -Digamos que descubrí un mundo de conocimiento ajeno a aquello en lo que habían convertido la universidad. Además, me enamoré y me di cuenta de que yo era incapaz de seguir una trayectoria como la que desde mi mundo querían imponerme. Entonces, me refugié en mi mismo y opté por leer como si no hubiese un mañana; ir al teatro como si no hubiese un mañana… Empecé a escribir y a publicar artículos. El mundo oficial dejó de importarme. -¿Te consideras un hombre de teatro? -Yo es que no sé de qué soy hombre, me dedico a muchas cosas y a todas con entusiasmo. Precisamente en esto de las artes escénicas, lo que intentamos, es romper barreras y que, como la vida, dejen de tener compartimentos estancos. -Uno de los cometidos más destacados que desarrollas en tu trayectoria es la enseñanza, ¿cómo te conviertes en profesor? -Fue a raíz de una crisis personal. Rompí con mi pareja después de 14 años juntos y mi mundo se colapsó. Entonces, iba por la calle y pasé frente a una academia para niños en la calle Blasco de Garay, entré y me ofrecí para dar clases, vieron mi currículum y me aceptaron. Ese fue el germen de mi propia academia: For the fun of it. -Es el mismo nombre de lo que luego se convertirá en vuestra productora, ¿de dónde proviene? -Es una frase de Pygmalion, cuando Liza se despide y le pregunta a Mr. Higgins:  “What am I to come back for?”, y él le responde:.” For the fun of it”.   -¿Cómo se transforma la academia en compañía y productora de teatro? -Me di cuenta que había un gran desconocimiento de la cultura española. Hay un grave problema de educación en las nuevas generaciones. No hay que llorar por ello, sino combatirlo. Te pondré un ejemplo, cuando yo pasé la crisis que te he comentado, hablé con mi madre por teléfono, y al notar mi tristeza, me dijo: “pero yo ya no soy yo, ni mi casa es ya mi casa”… Y la poesía de Lorca me consoló. Entonces, pienso, que los jóvenes, al desconocerla, han perdido hasta el verso que podría paliar su tristeza. En cierto forma, se han quedado huérfanos. -¿Te ayudó tu experiencia docente para construir el teatro musical español? -Sí, yo trataba de mostrar a mis alumnos ese hermoso mundo y además que se encontraran a sí mismos, y les hacía cuestionarse y preguntase a sí mismos: “¿qué es aquello que quieres hacer que no te atreves a confesar?” Actualmente, tengo alumnos situados en casi todos los ámbitos profesionales, y claro, algunos dedicados a las artes, como Ignacio Rodulfo Hazen, con quien creé esta compañía. Es mi otra mitad. -¿Cómo nace la compañía For the fun of it? -Ignacio era un niño prodigio, yo también aprendí de él, que me mostró el maravilloso siglo de oro, pues desde los 12 años interpretaba la música del repertorio barroco español; y yo, a mi vez, le abrí los ojos hacia el mundo de la Edad de Plata y la música de jazz, que era la que me gustaba. Antonio Castillo, Mercedes Albi , Ignacio Rodulfo Hazen sobre el escenario Real Teatro Retiro -Ignacio parece un hombre del renacimiento, toca instrumentos musicales, es profesor universitario, especializado en el Nápoles virreinal, también actor… -Lo es totalmente. Él me hizo ver que el siglo de Oro no se limitaba a las letras, sino que la música y la danza eran una parte igualmente fundamental. Y no había nadie que lo tuviera en cuenta, así que nos decidimos: lo haríamos nosotros. Y fundamos la productora For the fun of it, pusimos en escena la primera “fiesta barroca”· El objetivo es hacer un teatro español cuyas raíces se encuentran en la época de Felipe IV, donde la música, el teatro, danza, junto con unas espectaculares escenografías, eran toda una apelación a los sentidos. -¿Estás en contra de la especialización? -No me gustan las barreras, cuando se habla, por ejemplo de teatro, hasta se diferencia si es teatro de texto, teatro gestual… cuando es algo que debe tratar de ser todo uno. Huyo del concepto de hiperprofesionalización e hiperespecialización, algo a lo que denomino el “bárbaro” especialista. For the fun of it en "Más acá de los romances" -Y os lanzasteis… -No me di cuenta que me enfrentaba contra todo un sistema. Éramos en cierto modo unos ingenuos, cuando nos lanzamos a estrenar la “Crítica del amor” con 25 artistas con el objetivo de crear un musical español que estuviera al nivel de cualquier musical de los que se inspiran en Brodway y triunfan en Gran Vía. Terminé hasta vendiendo mi propia casa. No te imaginas lo que hemos luchado. -Entonces, ¿cómo definirías tu actividad? -Cultivo una especie de “amateurismo” típico de la edad de plata, un poco como reacción al exceso de profesionalismo. Aunque soy profesor, escritor, actor, productor, que es en definitiva quien une artistas busca medios y hace realidad los proyectos… -Y ¿tu vertiente política? -Conocí a Isabel Díaz Ayuso por casualidad, cuando ella era una chica que formaba parte del equipo de Cristina Cifuentes. Yo me puse a despotricarle sobre la cultura del PP y ella, muy atenta, me escuchó y puso mucho interés. Nos hicimos amigos. Cuando le presenté el proyecto para crear un ballet en la Comunidad de Madrid, estuvo de acuerdo, pero dijo que quería que yo formara parte, y así fue, soy uno de los tres directores artísticos. Pero no cobro nada, cero. Y el ballet va a taquilla, es un compromiso absoluto con lo que yo he manifestado desde siempre. - ¿Te refieres al manifiesto de Asociación para la Libertad y las Artes Príncipe Baltasar Carlos que presides? -Sí, he sido siempre coherente con las ideas con las que me comprometí en el Manifiesto, por encima de mis intereses personales. -¿Por qué hay tres directores artísticos en el Ballet Español de la Comunidad de Madrid? porque junto a ti también están Gala Vivancos y Mónica Fernández . -Somos tres para evitar personalismos. -¿Cómo surgió la idea de crea el Ballet de la Comunidad de Madrid? -Madrid, que es potencia cultural, que desde el siglo XVI forja ese tesoro único que es la danza española, elaborada a base de interrelaciones con el resto de ciudades españolas y también con Hispanoamérica. Y con la cantidad de conservatorios que hay formando bailarines... Pues no tenía sentido que no hubiera un Ballet de la Comunidad de Madrid. Esa fue la idea. -Más adelante me tienes que contar en detalle todo lo relativo al surgimiento del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, espero poder hacerte sobre ello una nueva entrevista porque con tantos frentes abiertos, imposible tratarlo todo con una sola. -No soy más que alguien que se entrega con pasión a sus proyectos, en cuerpo y alma. -Ahora, en este momento que estáis montando “Más acá de los romances”, en el Teatro Real Retiro, con tu productora For the fun of il, sintetízame la idea que os mueve. -Desde For the fun of it, tratamos de rendirle los honores al arte español, ese que va a América y vuelve mestizo, produciéndose esa riqueza de nuestro barroco que se extendió hasta Italia, cuando Nápoles era un virreinato español… entre todos forjamos un mundo nuevo, que no podemos permitir que se pierda. Ese es nuestro objetivo. MERCEDES ALBI

Graciel Stenio, “Grazy”, y sus compañeros trasmiten algo diferente. Desde la primera vez que vi su pieza “Distintos” en la pasada edición del Festival de Danza Contemporánea Beta Pública, algo me llamó la atención, y repetí; así que acudí a la siguiente edición del festival, la 12ª, que se celebra estos días en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid y quise entrevistarle. Ellos desprenden la pureza de la danza urbana. Es evidente su dominio de las espectaculares acrobacias propias del break dance, en las que el cuerpo alcanza unos límites que rozan lo imposible, pero había algo más. Su coreografía evocaba un mensaje que toca el corazón. “Distintos” trasciende el campo de la danza abstracta para narrar una historia, la esencia contenida en la suya propia.   Grazy bailado en muchos grupos y compañías (Dani Panullo, Blanca Li, Cirque du Soleil…) y ha ganado innumerables campeonatos nacionales e internacionales (Red Bull Bcone España, Hip hop Obsession en Francia, Uk Bboy Champions en Finlandia, Raw Circles en Belgica, Circle Prinz en Holanda, Bergen Jam en Noruega, Dance Alive en Japon y un largo etc…) En la actualidad sigue compitiendo por todo el mundo además de ser jurado en los torneos más prestigiosos, mostrándose muy orgulloso del reconocimiento del break-dance como disciplina olímpica en París 2024. Conversé con él y el tiempo volaba. Era inteligente, curioso y sensible al punto que casi terminó por ser él quien me entrevistase a mí: -¿Qué criterio utilizas para saber si una obra es buena?”, me preguntó; “eso no se sabe, se siente…” respondí. Ellos, Ntamo Performance , hacen sentir. Grazy tiene el don de la poesía. Hamza (primer plano) con Mercedes Albi, Tomás Paul Sandoval y Graciel Stenio (de iz. a dcha)   -¿Dónde tenéis pensado actuar próximamente? -Vamos primero a Francia, y luego, pues cruzamos el charco, iremos a Perú y a Ecuador. -¿Podrías describirme los lazos que os unen a los tres intérpretes de “Distintos”? -Conozco a Tomás desde la adolescencia, desde que teníamos 13 o 14 años, y nos echaban de todos “laos”. Nosotros éramos casi niños y teníamos unos puntos de encuentro donde nos juntábamos para practicar, como era la Plaza de Colón o Príncipe Pío. Pero siempre parecía que molestásemos. -¿Molestaba que bailarais en la calle? -Nunca comprendimos por qué les molestábamos tanto cuando nosotros lo único que queríamos era bailar. Pero hemos recibido malos tratos de la policía, de la seguridad del metro…  Algo que en cierta forma nos hacía sentirnos excluidos. En Colón incluso sustituyeron la acera lisa del Barclays por una de suelo rugoso, y siempre pensamos que lo hicieron para echarnos de allí. Nunca comprendimos porqué les molestábamos tanto cuando solo éramos unos niños que querían bailar -Entonces, digamos que los que practicabais break en Madrid, siempre solíais juntaros en los mismos lugares. -Sí. A esos tiempos se remonta mi amistad con Tom. Luego entramos a formar parte de grupos como Fusion Rockers. -¿Ahora dónde ensayáis? -Todo ha cambiado mucho, afortunadamente, y ahora nos entrenamos en el Centro de Alto Rendimiento que hay en Moncloa, porque el breaking, desde las Olimpiadas de París, ha sido considerado deporte olímpico, por lo que compartimos espacio con los atletas. Allí tenemos una sala en uno de los pabellones porque somos miembros del equipo nacional. -Pero ¿Cómo comenzaste en el break-dance? -Fue un proceso inconsciente. En Aluche, el barrio en que yo nací, hubo un boom de capoeira. Pero de repente, se pasaron al break y me sentí solo, así que, para seguir a mis amigos, hice como ellos. -¿Nadie te enseñó? -No. Empezamos a entrenar por puro placer, sin ninguna expectativa. Teníamos vídeos de VHS y veíamos lo que los grandes intérpretes internacionales hacían, y así tratamos de imitar, buscar, perfeccionar, retándonos unos a otros. No sabíamos que se podía vivir del baile, ni siquiera que había certámenes para competir... Fuimos enterándonos poco a poco, uno te contaba una cosa, otro otra, y así. -Pero luego has competido y ganado en muchos certámenes internacionales, ¿cuántos? -Más de cien. En mi casa de Loeches, que es donde ahora vivo desde 2018, tengo una vitrina con todos los trofeos. -Cuéntame sobre algun certamen que recuerdes especialmente. -Tal vez el primero. Yo tenía 19 años, nunca había estado fuera de España y allí me presenté, en París donde se celebraba el Hip Hop Obssesion. Y de repente, me encuentro rodeado de aquellos que yo había visto en los vídeos, que no sabían que habían sido mis héroes, mi modelo a seguir. Y claro, solo de verme con ellos, me hizo sentir muy feliz. Jamás se me pasó ni por la cabeza ganar, pero sin imaginármelo ni remotamente, gané el primer premio. Siempre he vivido de la danza. Lo que más me gusta el la danza-teatro, que es lo peor pagado   -Entonces, ¿cómo te hiciste bailarín? -Por azar, un día Dani Panullo me vio bailar en el metro de Príncipe Pío. Y me preguntó: “¿te vienes a hacer una prueba?” Fue mi primer contrato con una compañía. -¿Qué compañías de danza han sido fundamentales en tu vida? -Dani Panullo, por supuesto, y también Blanca Li, con la que he participado en dos de sus espectáculos. Reconozco que si no hubiere habido este tipo de personalidades, no hubiese llegado nunca, ellos me ayudaron a mostrar una forma distinta sobre el escenario. Nosotros bailábamos sin pretensión alguna, éramos niños jugando. -Y ¿no has querido cambiar de estilo de baile? -El break es mi forma de ser. -¿Por qué? -Porque es libre e individual. ¿Sabes? En el fondo yo tengo un punto de solitario, necesito respirar mi propio espacio. No me importa estar con los demás, por supuesto, y he trabajado mucho con grupos, y si quedan para comer o cenar, allí estoy, pero necesito mis momentos de soledad. -La verdad es que se nota en la pieza que has creado y acabáis de bailar, titulada “Distintos”. -Me alegra que te guste y me encantaría saber la razón. -Verás el break-dance tiene su punto de acrobacia, pero no te has quedado en ella, sino que la trasciendes para comunicar un mensaje muy bello. Emociona. Por eso quise entrevistarte, ¿cómo definirías tu estilo coreográfico? -¿Estilo?... Creo que mi manera de hacer es mucho más cruda de la que se ha hecho hasta ahora. Al final, si te das cuenta, los artistas de la danza urbana somos creadores de danza contemporánea, corporeizamos el breaking. Yo quiero construir desde él, desde su pureza y tratar de que no pierda esa frescura. Me gusta la imperfección, me aburre lo uniforme, el todo a una. -¿Por qué? -Es que si todos los días haces lo mismo y siempre es igual, no sales de ahí… Es lo más parecido a un funcionario. -Ponme un ejemplo concreto, cuéntame cómo has compuesto el mensaje que quieres transmitir con “Distinto”. -Con “Distinto”, tuve muy claro lo que quería contar. Soy de aquí, nací aquí, mi madre es española y mi padre mozambiqueño. Sin embargo, la gente siempre cuestionaba mi origen. Les intrigaba la tonalidad diferente de mi piel. Parece una tontería, pero duele, porque encierra un cierto componente de exclusión involuntaria, un “eres raro”, sin que tú te hayas planteado nunca que lo seas. Con “Distinto”, tuve muy claro lo que quería contar, no es danza abstracta sino mi propia historia Ahora los tiempos han cambiado mucho, pero imagínate que cuando yo era pequeño en mi colegio solo éramos dos de origen “exterior”, no había nadie más. Eso quería contar. -¿No es una danza abstracta? -No, sino que cuento una historia. Son cuatro músicas, y cada una define un momento de esa historia. La primera es un rezo, simboliza cuando alguien abandona su país de origen y alberga dentro de si una esperanza, una plegaria; y luego, la segunda canción transmite el toque exótico de lo que dejas atrás, conecté con la parte africana de mi padre, con la diferencia; la tercera parte es el conflicto, el choque con la realidad porque jamás las cosas son como uno piensa. Y el final, la cuarta parte, es la unión, todos somos iguales, tenemos que aceptarnos unos a otros y recorrer el camino. Las diferencias no importan, en realidad, nada es tan importante. -Me cuentas de las músicas, pero vosotros tres sois cada uno un personaje. -Sí, por supuesto, y por eso metemos a Hamza, porque si nosotros nos sentimos diferentes, imagínate él, que además de venir de Marruecos había nacido con una minusvalía. “Distintos” también es parte de su historia. -Tus compañeros de viaje… -Yo sufro mucho por las personas, te confieso que lo que más me duele del mundo es la traición, cuando confías en alguien y te deja en la estacada. Si recuerdas el pasado año, éramos más bailarines… -¿Alguien te hizo daño? -Sí, que te apuñalen por la espalda alguien al que le has dado todo, duele mucho. -Eso es indudable. Pero vosotros que aparentáis ser tan duros, y competís en un montón de certámenes internacionales por el más difícil todavía, seguro que también sufrís mucho. -Verás, las competiciones, realmente, son lo más ingrato que existe, porque te puedes preparar mucho, muchísimo, y… todos bailan para ganar, pero solo gana uno. Esa es la lección. Tienes que caer para aprender para volver a levantarte. -¿Has dado muchos tumbos? -Sea como sea, siempre he vivido del baile, no he trabajado en otra cosa. Además por todo el mundo. -¿En que países has vivido? - En Austria, en Inglaterra, en USA (Los Ángeles), también viví en otros lugares fuera de Madrid: Barcelona, Fuerteventura, Torremolinos… Trabajé en el Circo del Sol durante dos años en Arabia. Seguro que me olvido de muchos sitios. Estuve cuatro años en Galicia donde descubrí el fascinante mundo de las orquestas que tienen, y además allí, en Vilagarcía de Arousa conocí a mi mujer Rose, que es cantante y con la que tengo una niña de cuatro años… El break te enseña siempre a caer para volver a levantarte -¿Vivís en Loeches? -Sí, allí compré mi casa, porque en 2018 creé mi empresa: Entamo Performance (“entamo” significa en changana “unión”, algo así como la “unión hace la fuerza”), con la que participamos en numerosos eventos. -Parece que tus proyectos se van cumpliendo. -Lucho mucho, unas cosas salen otras no. Te confieso que lo que más me gusta es esto, la danza-teatro, pero es lo peor pagado, es un mundo muy injusto porque ensayas muchísimo para luego hacer cuatro o cinco funciones, pero es lo que más me gusta, lo que me hace más feliz. Nos lanzamos a por ello. Y el break te enseña siempre a caer para volver a levantarte. MERCEDES ALBI

La Academia de las Artes del Folclore y de la Jota de Aragón despide a su presidente, Carmelo Artiaga Su fallecimiento ayer sábado deja un vacío enorme en el mundo del folclore y la jota aragonesa, de cuya candidatura como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad fue impulsor Con gran dolor, la Academia de la Jota y el Folclore de Aragón despide a su presidente y fundador , Carmelo Artiaga Mialdea, fallecido en Zaragoza ayer sábado. Sus restos mortales se velan en el tanatorio de Torrero desde las 10:00 horas de hoy domingo. El funeral tendrá lugar el lunes , a las 11.30 horas , en la Capilla 3 del mismo tanatorio. Ideólogo y fundador de la Academia del Folclore y de la Jota de Aragón en 2017, Carmelo impulsó la candidatura de la jota como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad . Trabajó incansablemente por y para la jota y el folclore aragonés en materias como la regulación de la enseñanza , en el reconocimiento y dignificación de las figuras de nuestra cultura a través del nombramiento de Académicos de Honor , y creó dos espectáculos con y para la Academia: la Gala LOVE (2020) y De Principal Belleza. El arte de la jota (2024). Fue promotor, fundador y presidente de la Academia de las Artes del Folclore y la Jota de Aragón Bajo su presidencia, la  Academia  fue nombrada  Hija Predilecta de Zaragoza, Aragonesa del Año, Premio Custodio  y  Cachirulo de Honor. La Academia quiere agradecer a todas las personas, entidades y medios de comunicación las condolencias y muestras de cariño remitidas desde que se dio a conocer el fallecimiento de Carmelo. CARMELO ARTIAGA MIALDEA Nacido en Zaragoza, Carmelo Artiaga tuvo su primer contacto con la danza a los ocho años, habiéndose formado posteriormente en folclore aragonés, ballet clásico con la reconocida maestra María de Ávila, danza contemporánea, entre otros. Entre sus hitos, destaca haber estado becado en la prestigiosa Escuela del Teatro Bolshoi de Moscú. Como intérprete, coreógrafo y docente, su extensa carrera profesional abarca diferentes ámbitos tales como la televisión, la moda o la gimnasia rítmica. En el campo del folclore aragonés, formó parte como solista del Ballet Folclórico Nobleza Baturra (1976-1981). Fue director de la Escuela Municipal de Danza Villa de Tauste (1988-1992). Creó su propia compañía de danza en 1990, para que la que coreografió y con la que presentó los espectáculos El Amor Brujo (1990), Yerma (1992), La forja de un rebelde (1992) y La ley del deseo (1993). Fue promotor, fundador y presidente de la Academia de las Artes del Folclore y la Jota de Aragón (2017), institución con la que impulsó la candidatura de la jota como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Sus dos últimas creaciones fueron la Gala LOVE (2020) y De Principal Belleza. El arte de la jota (2024).  &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Con Quique Peón, director de Xacarandaina Capturar el alma del folklore es imposible, solo te puedes aproximar a él dejándote contagiar por esa pureza y vitalidad que emana, porque cuando es auténtico, te contagia. Me sentí feliz de que Quique Peón , director del grupo Xacarandaina, me invitase a Fitur a ver unos pases en los que actuaban una mínima parte de los artistas que componen esta agrupación, ubicada en Coruña. En la danza tradicional no existen los egos, se diluyen en el grupo, ellos son los custodios de una tradición ancestral. Habría que venerarlos. Su danza es un acto de amor. Xacarandaina en Fitur. Fotografía: Gabriel M. Olivares -No venís casi nunca por Madrid. -Tenemos programadas muchas giras, casi no paramos, pero vamos sobre todo al extranjero. Ésto que vas a ver aquí en Fitur, es una mínima muestra y en un marco que tampoco es el ideal. -Me encanta veros. Se siente una vibración muy especial, ¿Dónde vais a girar? -Salvo nuestra participación en el Festival Internacional que se celebrará en julio en la Isla de Gran Canaria, viajaremos fuera de España. Vamos a Francia, a un región fronteriza con Suiza; y, nos hace especial ilusión actuar en Brasil, porque participaremos en un concurso internacional de grupos de baile folklórico que cada año se organiza en un país diferente… Xacarandaina en Fitur -Alguna de las danzas que habéis rescatado me dejan impresionada, como en esa filmación de la televisión francesa, en las que las bailarinas de Xacarandaina danzan portando una botella de aguardiente y un bollo encima de sus cabezas… Lo veo dificilísimo. -(ríe) Eran los padrinos los que lo bailaban en las bodas, a la salida de la iglesia. La danza es una Muñeira vella o Ribeirana de la zona de Zas (Ayuntamiento de Budian). Y después de la danza, los invitados bebían el licor, el vino y se comían el bollo. -Me parece sorprendente que puedan bailar y mantener una botella en la cabeza. -Si se les caía significaba un augurio de mala suerte para ese matrimonio. Pero ten en cuenta que las mujeres del mundo rural solían portar objetos en la cabeza, como cántaros, la ropa que llevaban al lavadero... De ahí viene lo que denominamos "regueifa" en el atuendo de las danzas, que la portan mujeres sobre la cabeza y puede manifestarse con distintas formas y objetos, desde adornos en forma de arco, pan etc... Músicos de Xacarandaina en Fitur -Es increíble, pero en las bodas, actualmente, ¿aun se baila este tipo de muñeira? -No. Se ha perdido. Cuando yo era muy joven, entonces solo tenía unos 16 años, me invadió la sensación de que las danzas iban a desaparecer. Fui contra reloj recorriendo los pueblos y aldeas, especialmente de la costa norte de Galicia. Quedaba poco tiempo y es que la danza si no te la enseñan, si no la ves bailar, no se conserva. - Es una forma de salvación del conocimiento de los ancestros. Y estas cuatromparejas de bailarines que habéis traído a Fitur, llevan un traje distinto cada una. Explícame un poco de cada vestimenta. -Sí, los atuendos son de cuatro zonas distintas, ha sido confeccionados de la forma más tradicional, los tejidos están hechos en telares. Te pongo fotos: Este traje es de Bergantiños: Éste, de la zona de Las Mariñas: Éste, de Santiago de Compostela: Éste, de Lugo: -¿De dónde crees que procede la existencia de tanta diversidad de danzas y trajes que hay en Galicia? -Proviene del aislamiento, de la estructura geográfica formada por pequeñas aldeas. Allí sí llegaban las influencias de otros bailes, pero lo que llegaba se quedaba, no se marchaba. El mar establece una frontera insalvable y, por el otro, lado el río Miño. Lo que llega penetra y perdura. Xacarandaina en Fitur -¿Cómo se puede detectar que un baile es único y anterior al medievo? -Hay que mirar alrededor, por ejemplo, cuando hay cintas, palotes, banderas… Estos son elementos comunes que existen en las danzas populares de toda Europa, y en Galicia también tenemos ejemplos de ello. Suelen ser de raíz medieval. Y hay algunas danzas que proceden de épocas más antiguas como la Muñeira Vella o Vieja, que parece corresponderse con aquellas que describió Estrabón en su geografía. Pandereteiras de Xacarandaina en Fitur. Fotografía: Gabriel M. Olivares -Desprende un algo primitivo. -Es que no es cualquier cosa, yo considero que estamos ante una de las danzas de divertimento más antiguas de la historia, sí no la más... -La verdad es que si se ahonda en el folklore te invade la sensación de que es imposible abarcarlo, ni siquiera casi limitándonos a una zona como puede ser Galicia. -Sí, hay una riqueza infinita. No hay un país en el mundo que tenga tanta variedad de danzas y trajes como España. Bailarines de Xacarandaina en Fitur -Vosotros tenéis vuestra sede en Coruña, pero Galicia es más grande. Si yo como turista te pidiera que me aconsejaras ver alguna danza que no sea de vuestra zona ¿cuál acude a tu mente? -Hay muchas, me lo pones difícil. -Solo dí una. -Es muy interesante la conocida como "Damas y galanes" que se baila en San Sebastian de Aldán (Pontevedra). Es de caracter religioso. Honra al patrón y se baila el 20 de enero. Pero ya te digo, el mundo de la danza popular tiene esa magia inabarcable. Si la conoces, te quedas preso en ella y solo quieres transmitirla. Xacarandaina en Fitur -La danza gallega ha sido declarada por la Xunta de Galicia, Bien de Interés Cultural. -Sí, estamos muy contentos, al fin lo hemos logrado y esperamos y deseamos poder contagiar nuestra pasión a todo el mundo. MERCEDES ALBI

CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo El coreógrafo Dani Pannullo estrena en España Constellations , un espectáculo concebido en Costa de Marfil que funde tradición y contemporaneidad  El coreógrafo argentino radicado en Madrid presenta del 4 al 8 de febrero su última creación con bailarines españoles y marfileños que, según el artista, “nos habla del poder y la alegría de la cultura en un mundo dividido” CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo Concebida enteramente en Costa de Marfil, la nueva creación del coreógrafo argentino radicado en España Dani Pannullo, Constellations , se estrena en nuestro país en Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid el próximo 4 de febrero .  Dani Pannullo fusiona estilos de danza urbana y contemporánea En esta pieza, Pannullo, al frente de su propia compañía, fusiona estilos de danza urbana y contemporánea y establece un diálogo entre cuerpos , un viaje sensorial entre pasado y presente. Como lo define el propio artista, “tradición y contemporaneidad, danzas urbanas o experimentales de libre expresión, son parte central de este espectáculo que nos habla del poder y la alegría de la cultura en un mundo dividido”.  CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo El montaje, en que bailarines españoles y marfileños unen sus talentos, se exhibirá en la Sala Negra hasta el 8 de febrero . Pannullo, que se instaló en España a finales de los años 80, es un pionero de la danza urbana contemporánea en nuestro país. Fundó su compañía a principios de siglo con el deseo de reflejar la actualidad de la danza y la cultura callejeras en las grandes ciudades. Los artistas que forman la compañía provienen de diferentes disciplinas como la performance , el b-boying (breakdancing),  la danza contemporánea, la gimnasia, el parkour,  el fútbol, el freestyle workout y el  clubbing.  El artista imbrica la danza contemporánea con la tradición ancestral de Costa de Marfil CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo El trabajo de la compañía abrió el camino a la incorporación de la danza urbana al panorama profesional de la danza en España y sigue siendo uno de sus máximos exponentes. Dani Pannullo Dancetheatre ha presentado sus espectáculos en gira por España, Francia, Latinoamérica (México, Colombia, Chile, Cuba y Ecuador), Norte de África (Marruecos y Egipto), Oriente Medio (Jordania, Turquía, Siria y Líbano) y Asia (India, China y Japón). Constellations , según señala el propio coreógrafo, “es un diálogo de estilos, una conversación entre cuerpos”. En Costa de Marfil se ha presentado en diciembre. El artista imbrica la danza contemporánea con la tradición ancestral de Costa de Marfil. Esta apertura a las “infinitas formas” de la danza es para Panullo “un sistema de contención” en su vida, “un disparador de ideas” que lo ha convertido en “un explorador del gran baile del mundo”. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

BETA PUBLICA ANUNCIA “UNA MAÑANA EN DANZA 2026”, “UNA TARDE EN DANZA 2026” Y LAS MASTERCLASS DEL 29 DE ENERO AL 6 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRÁN 2.100 NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EL SÁBADO 31 DE ENERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL EL SÁBADO 31 DE ENERO OFRECEMOS DOS MASTERCLASS EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,30 A 13,30. La Asociación BETA PUBLICA continua, y ya van 12 años, con el objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Hasta la última edición del 2025 han asistido a las funciones de UMD más de 26.000 alumnos/as y docentes Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza” , actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2025 han asistido a las funciones de UMD más de 26.000 alumnos/as y docentes . A este Duodécimo Año de “Una Mañana en Danza” asistirán cerca de 2.100 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 29, 30 de enero, 3, 4, 5 y 6 de febrero . La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 4 compañías y termina con un divertido trabajo de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos/as y coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza” son: • Distintos de Ntamo Performance • Muller Nova de Cristina Cazorla. • Fragmentos de Musicales de SOM Academy • A la deriva… de Pilar Villanueva. Gracias al C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 31 de enero a las 19.00 horas . Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza” actuarán como artistas invitados 180Dance con el estreno mundial de su última creación; “Pulsaciones x minuto” con coreografía de J avier Rodríguez Cobos y Marine Fernandez & ; Heung Won Lee (Lituania) con su solo “Centifolia” . Esta XII Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza en cuya sede realizaremos dos MasterClass , el sábado 31 de Enero por la mañana (apertura de puertas a las 10.00, primera MasterClass a las 10,30). La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass, impartidas por creadores/as que participan en UMD/UTD, y asistir por la tarde a la función donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza. Las entradas para “Una Tarde en Danza” del 31 de Enero 2026 pueden adquirirse en este enlace o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) desde 2 horas antes de la función. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES anuales de su Muestra Coreográfica Internacional para desarrollar una comunidad de público , bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. Hasta la última edición del 2024 han asistido a las funciones de UMD más de 26.000 alumnos/as y docentes. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa, Fundadora y Directora Artística de BETA PUBLICA Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin...) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1 en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 22 proyectos estrenados en España y Estados Unidos. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

David Coria posando al final de la presentación del Ciclo Homenaje al Corral de la Morería HOMENAJE AL CORRAL DE LA MORERÍA Celebración 70 aniversario Ana Morales — 16 de enero Belén López — 17 de enero María Moreno — 23 de enero Joaquín Grilo — 24 de enero Marco Flores — 30 de enero David Coria — 31 de enero De izquierda a derecha, el director de Teatros del Canal, Ruperto Merino, los responsables del Corral de la Morería, Juan Manuel y Blanca del Rey, el consejero de Cultura, Mariano de Paco Serrano, el bailaor David Coria, y Armando del Rey, en la presentación del homenaje La catedral del flamenco en España, el Corral de la Morería , cumple 70 años. La Comunidad de Madrid y Teatros del Canal quieren rendirle homenaje con una programación especial de seis espectáculos de danza flamenca, que se desarrollará del 16 al 31 de enero de 2026 . Por el escenario de la Sala de Cristal pasarán grandes estrellas de la danza flamenca actual: Ana Morales , Belén López , María Moreno , Joaquín Grilo , Marco Flores y David Coria . Además, Carlos Rodríguez Ballet Flamenco Company ha concebido para su segunda producción una pieza inspirada en la historia del mítico tablado, la suite flamenca Morería , que estrena en la Sala Roja Concha Velasco . El tablao madrileño es el más famoso y antiguo del mundo   El tablao madrileño es el más famoso y antiguo del mundo, un icono mundial de la cultura. Ostenta el premio al Mejor Tablao Flamenco del Mundo y es el único cuyo restaurante ha sido reconocido con una Estrella Michelin. Se trata, además, de la institución en la que más artistas importantes han actuado en toda la historia del flamenco. Ana Morales   Ana Morales abrirá este homenaje especial este viernes 16 con su espectáculo Más que baile , una colección de piezas recopiladas e inéditas que viajan desde el minimalismo y la abstracción al corporativismo, en un viaje de sonoridades que nos transportan a nuevas formas de oír y escuchar el flamenco. Para ello la bailaora utiliza todas las posibilidades musicales y dancísticas, desde el bajo eléctrico y la batería a la guitarra y el metal de la voz flamenca en su esencia más tradicional. Belén López  El sábado 17 Belén López presenta Tiempos , cuya coreografía se inspira en el compás de los palos flamencos, sus ritmos, su música y sus silencios.  María Moreno © Óscar Romero · Yo bailo , la extensión escénica del libro fotográfico publicado en 2020 por la coreógrafa y bailaora María Moreno y la fotógrafa Susana Girón , se exhibirá el 23 de enero. Si en el libro, Girón fotografiaba la intimidad creativa de la artista gaditana, el espectáculo se presenta con la misma intimidad, desnudo, sin grandes juegos de luces, con un “baile puro y duro”, como afirma Moreno, que se dejará llevar por la improvisación.   Joaquín Grilo teje en Grilo , el 24 de enero, una obra alegre y desenfadada, una visión moderna del flamenco, pero desde el respeto. Guitarra, cante, palmas y baile girarán en torno a la soleá, bulerías…, composiciones flamencas originales y temas propios de los músicos. Marco Flores Flamencos de Cádiz , el recital de Marco Flores del 30 de enero, realizará un viaje por zorongos, cantiñas, bulerías, siguiriyas, farrucas… con un marcado acento jerezano y gaditano.  David Coria El homenaje al Corral de la Morería lo cerrará el 31 de enero David Coria con Entre líneas , que parte de la memoria de los grandes maestros del flamenco para interrogar la vigencia de sus trazos en el cuerpo actual. El espectáculo propone una cartografía abierta donde tradición y presente se cruzan a través de un lenguaje entre la depuración minimalista y la intensidad expresiva. Carlos Rodríguez Ballet Flamenco Company estrena su segunda producción, Morería, en la Sala Roja   En otro de los escenarios de Teatros del Canal, la Sala Roja Concha Velasco, Carlos Rodríguez Ballet Flamenco Company estrena su segunda producción, Morería (del 16 al 18 de enero), su propio homenaje al Corral de la Morería. Es una pieza conceptual, inspirada en la historia del mítico tablao madrileño. En sus siete escenas, muestra la esencia y el origen de la casa, recreando momentos icónicos de las grandes figuras que pasaron por allí y dejaron un sello que marcó la cultura flamenca.

Alejandra de Castro (Violetera) y Daniel Ramos (Torero) en "Juerga" Algo ha sucedido en la segunda recreación , encomendada a Antonio Najarro, de Les Ballets Espagnols de “La Argentina” , que se estrena estos días en la Fundación Juan March y en la próxima temporada 2026 girará por los escenarios de algunos de sus copatrocinadores: Teatro de la Maestranza, Palau de Les Arts Reina Sofía, Teatro de la Zarzuela… Los bailarines hicieron gala de un dominio de la danza española con enormemente versatilidad Y es que si la edición precedente, que contenía los ballets de “El contrabandista” y “Sonatina” gozó de gran acogida; la actual, compuesta por tres partes: “Juerga”, “Suite de danzas” y “Triana” , emociona, aviva en el espectador una especie de hechizo que hacía tiempo no se percibía en la danza española porque la ha enraizado con su vertiente popular. Aviva en el espectador una especie de hechizo que hacía tiempo no se percibía en la danza española Antonio Najarro lo borda. Creo que ha logrado la cumbre de su madurez creativa. Ha personalizado a “La Argentina” desde el inicio, ideado como un preludio a cargo de cada una de las bailarinas, que son enfocadas individualmente y en orden sucesivo, representando a Antonia Mercé. Es un homenaje en el que ellas dan vida a las valiosas imágenes custodiadas en los archivos de la Fundación Juan March , donde está depositado el legado de la excelsa artista. Pero será Helena Martín quien la encarnará a lo largo del espectáculo. Ella será La Argentina y lo hace con una elegancia de esas que eclipsan todo lo que existe a su alrededor. Helena Martín como Dama del Mantón en primer plano con "Juerga" El elenco de bailarines está escogidísimo, haciendo gala de un dominio de la danza española enormemente versátil, pues es un espectáculo muy exigente que requiere de mucha agilidad. Es muy variado, nunca decae la atención del espectador , las escenas se suceden unas a otras. Desprendía frescura, vivacidad… Escena de "Juerga" Las piezas que elaboraba la compañía de “Ballets Espagnols” se denominaban bailetes, pues eran obras breves con una trama de enredos a la manera de las comedias del siglo de oro, con un contenido entre sentimental y humorístico. Helena Martí encarna los papeles de La Argentina con una elegancia de esas que eclipsan lo que existe a su alrededor En   “Juerga” compuesto por Julian Bautista, la acción tiene lugar en la noche madrileña con el hilo conductor de una Violetera, y van apareciendo los personajes, cada un con un atuendo evocador del periodo romántico; “Triana” , cuya música fue orquestada por Fernández Arbós a partir de la música de Albéniz, se ubica en Sevilla. Helena Martín en "Triana" Y entre una y otra, “Suite de danzas” realiza un recorrido por la geografía peninsular a través de unas músicas como “Serenata española” de Joaquín Malats; “Viva Navarra” de Joaquín Laregla con la que bailan una jota estilizada; "Viva Navarra", Jota estilizada con música de Joaquín Laregla “Córdoba” de Albéniz; “Lagarteranas” de Jacinto Guerrero; finalizando tan hermosos cuadros con el Intermedio de "Goyescas" de Enrique Granados. Intermedio de Goyescas en "Suite de danzas" Semejantes piezas musicales fueron interpretadas en versión de cámara por cuatro músicos, bajo la dirección del pianista Luis Fernando Pérez, uno de los mejores intérpretes de Albéniz (si no el mejor) que, como tuve el placer de comentarle al final del espectáculo: -Érais "cuatro gatos" y sonasteis como toda una orquesta -De eso se trataba, me respondió. Fueron un batería ( Odei Lizaso ), un guitarrista japonés Sohta Nakabayashi -que tocó el Vito- , el violín de Thomas Potiron , junto con el piano de Luis Fernándo Pérez . La versión orquestal que se representará en los grandes teatros que tienen programados próximamente, será dirigida por Manuel Coves . María Fernández y Daniel Ramos en "Serenata Española"   El vestuario diseñado por Yaiza Pinillos fue un derroche de imaginación y armonía, sin olvidar la impronta insuflada por el recuerdo del ayer y los diseños primitivos, como los de Néstor de la Torre en "Triana". Y la conjunción sutil con la iluminación de Nicolás Fischter , permitió no poder sacarle "peros" a nada. Pondré un solo ejemplo: en "Juerga", protagonizado por la Violetera, quedan envueltos por una leve tonalidad lila como sus flores... Un espectáculo que está destinado a un éxito indudable Si volviera a ver estos "Ballets Espagnols", algo que deseo, encontraría muchos más significados en esos maravillosos y cuidados detalles de un espectáculo que está destinado a un éxito indudable , absolutamente necesario para el complicado estado actual de la danza española. Porque hay algo que echamos de menos, y Antonio Najarro y los grandes artistas que lo rodean nos lo han brindado , por eso, reconozco que llegamos al punto de que nos saltasen las lágrimas por la emoción. MERCEDES ALBI Fotografías de Dolores Iglesias

Isabel Parreño de Arce, fue la primera dama que se retrató con traje de maja y la única que lo hizo con castañuelas A todos aquellos que tengan el placer de visitar la exposición de Anton Raphael Mengs , que exhibe estos días el Museo del Prado hasta el próximo mes de marzo, les aconsejo que se detengan ante este maravilloso retrato que forma parte de las 159 obras que conforman la muestra, pues no se puede pasar de largo ante un hito en la historia del retrato, ya que Isabel Parreño de Arce, fue la primera dama que se retrató en traje de maja y la única que lo hizo con castañuelas . Retrato de Isabel Parreño de Arce, por Anton Mengs (1772). Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Las majas de Goya y su famoso “Baile a la orilla del Manzanares”, que siempre se pone como ejemplo del baile con castañuelas, se pintaron varios años después. Baile a orillas del Manzanares, por Francisco de Goya (1776) Isabel Parreño de Arce fue especial y pionera, además de que bailaba muy bien e hizo alarde de su gracia española por las cortes europeas de su tiempo, desde Parma y Roma a Viena, donde llegó a cautivar al mismísimo emperador José II. En líneas generales el siglo XVIII fue el siglo del minueto y las danzas francesas. Hay que tener en cuenta, si queremos imaginar lo que bailaba la Marquesa del Llano , que la danza cortesana obedecía a unas pautas internacionales, marcadas por la moda y la imposición de unos pasos cuyo dominio era consustancial a cualquiera que quisiera participar en ellas. A la hora de bailar no importaba estar en un palacio de Madrid, París o Viena, porque los pasos solían ser los mismos y estaban reglados , como acreditan los numerosos tratados de danza publicados. "El minueto" por Tiepolo (1756). Museo de Arte de Cataluña Si bien, a medida que va avanzando el siglo y, especialmente, a partir de la segunda mitad, lo popular va irrumpiendo en los modos aristocráticos ; y no es algo que se manifieste solo en el baile -donde irrumpe el brío del fandango- porque no es un fenómeno independiente sino que forma parte de ese hermoso tapiz que el arte va tejiendo en todas y cada una de sus manifestaciones. P intura y danza van unidas pues ambas son producto de unas mismas influencias, y como en el vestido , su evolución es un producto de la historia y sus circunstancias. ¿Quién fue Dª Isabel?  Isabel Parreño de Arce nació en la Villa de Don Fadrique (Toledo) en el año 1751 . Era descendiente e hija única de un acaudalado hacendado perteneciente a la nobleza rural. Sin embargo, siendo casi una niña, ingresa en los círculos cortesanos de Madrid , al contraer matrimonio con José Agustín del Llano y de la Cuadra (1722-1794). Se casaron en La Roda, cuando ella solo tiene 14 años, frente a los 43 de su cónyuge . Retrato de José Agustín del Llano por Mathias Grassi (1790) En ese tiempo, su esposo era oficial de la Secretaría de Estado y era un destacado miembro de los círculos ilustrados de la capital, relacionándose y formando parte de tertulias tan prestigiosas como la Academia del Buen Gusto , donde se exaltaban los ideales del neoclasicismo frente a la estética barroca, constituyendo un firme apoyo para Anton Raphael Mengs , que había sido nombrado pintor real por Carlos III y vivió en la corte de Madrid desde 1761 hasta 1769, año en que se traslada a Roma. Isabel es casada a los 14 años y será conocida en la corte de Madrid bajo el apodo de "La Mancheguita" En 1765, Mengs pinta a la niña recién llegada a la capital y lujosamente ataviada con motivo de su boda. Se establece en Madrid siendo desde aquel momento conocida por todos con el cariñoso apelativo de “la Mancheguita ”. Isabel Parreño a los 14 años, pintada por Mengs en 1765 ¿Cuándo se pinta el retrato con castañuelas? Muchos estudiosos pensaron que el retrato de Dª Isabel portando máscara y castañuelas se había pintado cuando residía en Parma, ya que su esposo fue nombrado en 1771 Primer Ministro del Ducado, pero no fue así. Ha quedado acreditado por varias cartas que su marido dirigió a José Nicolás de Azara (1730-1804) a Roma rogándole que intercediera ante Mengs para que le enviase el cuadro, que fue en Madrid donde “la Mancheguita” posó para él a los 18 años , justo antes de que Mengs se trasladase a Roma en 1769 llevándose el retrato consigo. Según Bianconi: "ella es vivaz, no se detiene ante nada, es pícara y baila como las mismísimas gracias” Además, hay noticias de que el pintor se resistía a entregar el cuadro y lo exhibía en su estudio romano, lo que acreditan testimonios como el de Lorenzo Bianconi (1717-1802): “ Hay un retrato de cuerpo entero y tamaño natural de una dama española, con máscara, vestida de raso blanco con encaje negro, que es un verdadero encanto y no temería compararse con un Van Dyck. No preguntéis de qué nación es porque su rostro lo dice. Sabed que ella es vivaz, que no se detiene ante nada, que es pícara y baila como las mismísimas gracias ”. Narración musical con Lorenzo Bianconi. Museo Internacional y Biblioteca de la musica de Bolonia El retrato de la marquesa -su marido fue nombrado Marqués del Llano por Carlos III en 1772- lucía colgado en el estudio de Mengs , un espacio abierto frecuentado por las élites artísticas e intelectuales de la capital italiana. A Mengs le gustaba pintar mientras escuchaba tocar a los músicos que visitaban el estudio; contaba además con un nutrido grupo de alumnos, facilitándoles incluso la manutención y alojamiento a los que carecían de medios económicos . Autorretrato Anton Raphael Mengs. Museo del Prado José Agustín del Llano insiste durante al menos dos años en sus cartas a su amigo diplomático José Nicolas de Azara , que vive en Roma y frecuenta a Mengs, para que le envíen el retrato a su domicilio de Parma. Más aun, se indigna cuando tiene noticias de que unos ingleses han hecho una copia del cuadro de su esposa en el estudio de Mengs . Es probable que se trate de este cuadro de autor anónimo, que se encuentra en una colección privada en París, y cuya autoría inicialmente se atribuyó a Bayeu. Isabel Parreño. Círculo de Mengs. Colección privada No se trata propiamente una copia, sino más bien una versión, lo cual es lógico, si pensamos que era bastante comprometido para Mengs permitir que se realizara una copia de un cuadro que aun no había entregado a su comitente. Por eso, la figura de la marquesa se invierte en su posición y mira hacia el lado contrario . Sin embargo, los elementos que componen el atuendo son los mismos aunque con variaciones de color y detalles ornamentales; conserva la máscara, pero su mano izquierda con la que portaba sus castañuelas en el original, permanece oculta. "La Manchega no ha olvidado el vestido de maja ni sus castañuelas”, escribe su marido En una de las cartas que José Agustín del Llano dirige a Azara reclamando el envío del cuadro de su esposa, hace referencia a las castañuelas: “Conozco a Mengs, y así no admiro que no le arranque Vm. el retrato. Aquí verán el original por carnestolendas, pues la Manchega no ha olvidado el vestido de maja ni sus castañuelas ”. Lo cual nos proporciona el dato de que Dª Isabel, en los Carnavales de Parma, se vestía de maja, no de manchega, y tocaba las castañuelas. José Nicolas de Azara (1774) por Mengs. Museo del Prado Posteriormente, Azara narra en sus cartas escritas en 1773 los éxitos que cosechaba La Mancheguita durante una larga estancia en Roma, teniendo que acompañarla a regañadientes a las numerosas fiestas y saraos a los que era invitada. El traje de maja A simple vista queda claro que el traje que luce la Marquesa del Llano en el retrato no es de manchega, sino de maja . Son pocos los historiadores del arte han percibido un detalle tan obvio, como sí lo hizo Julián Gállego , quien escribe: <> el traje que luce la Marquesa del Llano en el retrato no es de manchega, sino de maja La piezas básicas que caracterizan e l traje de maja son el jubón y la basquiña . Su moño está envuelto por la redecilla típica del majismo, aderezada con un sombrerito ladeado como montera adornado con una flor, pero es que además luce una chaquetilla corta profusamente bordada que nada tiene que ver con el vestido regional manchego, y que en otros casos como en el de la Maja vestida de Francisco José de Goya, hace que se la reconozca como maja. La Maja Vestida, por Goya (1790). Museo del Prado Entonces, si el Marqués del Llano se refiere al traje de su esposa como de maja sin que exista referencia alguna a que se trate de un atavío manchego, y siendo evidente que el vestido contiene todos los elementos del estilo majo, ¿dónde se encuentra la razón para que algunos autores lo califiquen como un modo de vestir a la manchega? La confusión se genera un siglo después y es promovida por una novela escrita por Mariano Roca de Togores (1812-1889) -influyente político y escritor costumbrista, que fue reconocido por la reina Isabel II con el título de Marqués de Molins- titulada La manchega . En una escena se relata la aparición de la Marquesa del Llano en un regio salón vienés donde baila un minueto con el Emperador José II, que reproduzco a continuación: << Cuando bailó el primer minué, con el Emperador José II , éste estuvo mucho tiempo contemplando aquella graciosa española, la montera de terciopelo en la cabeza con una roja escarapela y un clavel al lado, redecilla caída en la espalda, el jon o jubón de raso blanco con bocamangas y alamares negros, negro también de terciopelo el chaleco y realzado todo con botones de filigrana, y delantal negro de sarga, y zagalejo de paño de seda negra en ondas, y la media, y el zapato, y el pie tan finos que ni hechos con torno. Preguntole su majestad que de qué era su traje, y ella contestó: “De mancheguita” con cierto aire como si dijera de “Emperatriz”>> A partir de aquella elucubración novelesca del influyente escritor y amigo de Mariano José de Larra, se fraguó esa especie de leyenda que cegó los ojos a quienes en el futuro calificaron de manchego , sin pensar por ellos mismos, un atuendo de maja típico del XVIII español. Al constreñir el traje de la Marquesa del Llano en una mera interpretación localista, también se malinterpreta su personalidad Al constreñir el traje de la Marquesa del Llano en una mera interpretación localista, también se malinterpreta su personalidad . Y es que la maja es un nuevo prototipo de mujer que se fragua en el siglo XVIII y es de las que rompe y rasga, tal y como describe la escritora Carmen Martín Gaite en su ensayo Usos amorosos del dieciocho en España , donde analiza el cambio acontecido en el rígido sentido del honor de la época de los austrias por una laxa permisividad en las costumbres y la aparición de las primeras mujeres que fueron libres , a quienes incluso les era socialmente permitido tener amantes y galanteadores: << Las majas reinaron en la calle, que fue allí donde pisaron fuerte y donde se fraguó el piropo de “guapa”>>. La marquesa del Llano en Viena Lo que es indudable es que Isabel Parreño de Arce dejaba huella de su paso allá por dónde iba , supo adaptarse de forma admirable y brillaba con luz propia. Fue en 1786 cuando marchó a vivir a Viena , pues su esposo había sido nombrado Embajador. La capital del Imperio se rinde a sus pies y lo hace en la persona de su monarca pues José II, Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, que caerá bajo su hechizo. El ambiente dancístico cortesano que se respiraba en Viena queda muy bien ilustrado por este cuadro de pintado en 1765, atribuido al pintor Georg Weikert , tres de los príncipes, hermanos de José: María Antonieta, Maximiliano y Leopoldo- celebran su boda bailando en una representación. El celébre coreógrafo y teórico de la danza, Jean Jacques Noverre (1727-1810)​ está a punto de llegar para ocupar el de maestro de danza en la corte (1767-1775), algo que suele omitirse en su biografía, convirtiéndose, por tanto, en la persona que enseñaba el minueto y las complicadas danzas cortesanas francesas a la futura reina de Francia, María Antonieta , siendo ella quien dirigiría al "padre del ballet" hacia su malogrado sueño de convertirse en director de la Ópera de París. Fernando, Maximiliano y María Antonieta bailando en la boda de su hermano José en 1765 por Georg Weikert El ambiente cultural vienés es de una riqueza apabullante, y cuando José II reina, multitud de artistas acuden en busca de una oportunidad. Y entre ellos, un compositor valenciano, Vicente Martín y Soler (1754-1806). Existe un cierto paralelismo , salvando las distancias, entre la vida de Isabel Parreño y el joven músico. Los une un mismo destino insospechado , pues nadie podría imaginar que una niña nacida en un pueblo de La Mancha iba a deslumbrar al mundo; y, que en el caso de Martín, sucede algo similar, y un simple niño cantor del Coro de la Catedral de Valencia emprenderá una carrera triunfal por Europa, estrenando su primera ópera en Palacio Real de La Granja de San Ildefonso ( "Il tutore burlato" ) y marchando a Nápoles, desde donde recorrerá toda Italia, antes de que ambos coincidan en Viena. Vicente Martín y Soler. Grabado porJacob Adam en Viena, 1787 También, los dos están vinculados con la danza, y si la marquesa adoraba bailar, Martín y Soler siempre estuvo vinculado al ballet. Sus dos esposas fueron bailarinas, y la segunda, hija de Charles Lepicq , un ferviente discípulo del influyente coreógrafo francés Jean-Georges Noverre , con quien trabajó en numerosas creaciones. Lorenzo Da Ponte (1749-1838), escritor y famoso libretista de óperas, ofrece con elegancia numerosas pistas de la relación que Isabel Parreño mantenía con el Emperador José II: “la embajadora de España con quien parecía ligado con amistad estrechísima el Emperador”… Lorenzo Da Ponte Así, en opinión del libretista, el compositor valenciano es favorecido por esta relación, que provoca que el Emperador le encargue la realización de una nueva ópera. Para honrar a Dª Isabel, el italiano escribe un libreto titulado “Una cosa rara” cuya acción se sitúa en España, en un pueblo de Sierra Morena , que obtuvo un éxito arrollador en Viena, hasta el punto de que todas las mujeres querían vestir al estilo de “una cosa rara”, que no es otro que el estilo de maja de nuestra protagonista . En la última escena de la ópera, "Una cosa rara", su protagonista Lila baila una seguidilla Retrato postumo de José II por Carl von Sales Bildnis (1823) Y para que el recuerdo de Dª Isabel Parreño de Arce, Marquesa del Llano, quede indeleble, también la música inmortalizará su paso. Así, en la última escena de la ópera, su protagonista Lila , insta a su amiga a tocar con la guitarra una seguidilla y empieza a bailar . Entonces, el coro se deshace en halagos hacia esa Lila que danza y que yo imagino inspirada en Isabel Parreño de Arce, una maja de personalidad arrolladora que seguro encandiló a todos con fandangos, jotas y seguidillas , además del minueto.                                                                          MERCEDES ALBI