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Helena Martín, Ballet Triana Boceto de Yaiza Pinillos, Ballet Triana En 1929, París volvió a rendirse ante el genio de Antonia Mercé, La Argentina. A través de sus Ballets Espagnols , la bailarina impulsó la creación de un repertorio escénico que combinaba tradición y vanguardia , colaborando estrechamente con grandes compositores y artistas plásticos españoles. Este nuevo proyecto recupera dos títulos emblemáticos estrenados en aquel año con gran éxito: Juerga , de Julián Bautista y Triana , de Isaac Albéniz, a los que se unen varias piezas coreográficas pertenecientes al repertorio de “La Argentina” Fundación Juan March recupera dos ballets: Juerga, de Julián Bautista y Triana con música de Isaac Albéniz A partir de los figurines y decorados originales de, entre otros, Néstor Martín-Fernández de la Torre, Antonio Najarro recrea la singularidad visual y musical de ambos ballets , piezas esenciales en la configuración de una danza española moderna con aspiraciones de universalidad. Las fechas: sábado 10 de enero 2026, 12:00h domingo 11 de enero 2026, 12:00h lunes 12 de enero 2026, 18:30h miércoles 14 de enero 2026, 18:30h viernes 16 de enero 2026, 18:30h sábado 17 de enero 2026, 12:00h sábado 17 de enero 2026, 18:30h Fundación Juan March | Madrid. Castelló 77 Miércoles en directo por  Canal March , MarchVivo (YouTube ), RNE Audio y Radio Clásica, con entrevista previa a las 18:00 Formato Teatro Musical de Cámara Duración: 1h 30m Ficha artística: Antonio Najarro , dirección artística y coreografía Luis Fernando Pérez , dirección musical, piano y arreglos Carolina África , dirección de escena Yaiza Pinillos , figurinismo. Emilio Valenzuela , proyecciones.  Nicolás Fischtel , iluminación. Thomas Potiron , violín. Sohta Nakabayashi , guitarra. Odei Lizaso , percusión Así dialoga hoy la Danza Española con su propia historia ‘Les Ballets Espagnols de La Argentina’ <> Antonio Najarro María Fernández en Triana Boceto de Yaiza Pinillos para Triana María Fernández, Helena Martín y Cristina Carnero Fotografías Dolores Iglesias

La Escuela Bolera  es, posiblemente, la joya de la corona de la danza española. Está considerada la más difícil, por la riqueza y dificultad de sus pasos, y, quizá, la más bella (aunque esto siempre es subjetivo). Bebe del ballet clásico y está influenciada tanto por las danzas cortesanas europeas del s. XVII, como por los bailes populares españoles. En el s. XIX las boleras se convierten en una de las representaciones artísticas más representativas de nuestro país. Músicos como D. Scarlatti o A. Soler, entre otros, inspiraron la creación de algunos de estos bailes.   La combinación guitarra-bailarina  es una de las formaciones más elegantes que existen. Cristina Cazorla , junto al guitarrista clásico Álvaro Toscano , será la protagonista en este segundo día dedicado a la danza española, más concretamente a la Escuela Bolera.    La cita será en el Ateneo de Madrid , dentro del próximo Festival de Música y Danza, el martes, 30 de diciembre (20:00 h) . Las entradas se pueden adquirir en este enlace, o en la taquilla del Ateneo de Madrid el mismo día del concierto desde las 18:30 h. El precio es de  20€ (14€ para los socios del Ateneo de Madrid)   Acceso a entradas ¡¡Os esperamos!! José Manuel Hernández Blanco Cristina Cazorla ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA   En pleno Romanticismo y sobre todo a finales del s. XIX-principios del XX, comenzó a surgir, principalmente en occidente, un Nacionalismo Musical del que formaron parte multitud de compositores de muy distintos países.  Este nacionalismo se extendió en España también a la danza. Tomando como base principal los bailes populares españoles y bebiendo del ballet clásico y las danzas cortesanas europeas, fue creándose de manera progresiva, principalmente en Andalucía, lo que hoy conocemos como Escuela Bolera. Son muy diversos los bailes que conforman esta disciplina: unos más a ras del suelo, otros más elevados, unos con más gracia y donaire, otros más serios; danzas como los panaderos, la cachucha, los boleros, los fandangos, las sevillanas, las seguidillas y un largo etc., fueron alcanzando una sofisticada estilización que dio lugar a un género no sólo de una enorme belleza, sino también de una gran dificultad. Se caracteriza por ser bailada con castañuelas, sus formas redondas de brazos, quiebros y su técnica de ballet con carácter español. Grandes de la danza española, desde la familia Pericet, Pilar López, Antonio Ruiz Soler, Marienma, Aída Gómez o el Ballet Nacional de España, entre muchos otros, han cuidado todo lo que han podido este tesoro cultural que, por desgracia, va siendo cada vez más minoritario en las programaciones. Es, sin duda, la joya de nuestra danza. ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA pretende generar una burbuja de arte donde el público desde su butaca se sienta perteneciente a ella. El resultado es un espectáculo donde disfrutar de manera exquisita de la guitarra y la danza a dos palmos de los artistas. Además, está apoyado por los discursos distendidos y amables que se ofrecen con el objetivo de acercar el repertorio y sus características al público. La Escuela Bolera y la guitarra española van de la mano a lo largo de la historia, por ello la conjunción que resulta no falla. Se complementan como si fueran uno.

Leonor Leal en "Camelamos naquear", el evento tendrá lugar en el Ateneo de Madrid, dentro del próximo Festival de Música y Danza, el lunes, 29 de diciembre ( 19:45 h ) La conferencia bailada , aunque hoy nos pueda resultar innovadora, ya se realizaba en el s. XX.  Antonia Mercé "La Argentina" , figura indiscutible de El Amor Brujo  cuando éste evolucionó en un ballet en 1925, ya protagonizaba estas conferencias en los años 30 del siglo pasado, en París, junto al pianista Luis Galve , utilizando sus propias castañuelas. Algo más tarde, Dolores de Pedroso  también recurrió a este formato en Londres, junto a bailarines como José Greco , Alberto Portillo  o la Quica .   Actualmente, nombres tan relevantes de la danza española como Leonor Leal  o Antonio Najarro , afortunadamente, las están recuperando.  Leonor Leal , la magnífica bailaora jerezana, será quien nos ilustre sobre una de las creaciones más emblemáticas de los años 70 del pasado siglo: Camelamos Naquera r ( Queremos hablar  en romaní -lengua gitana-), del gran Mario Maya .   Una obra de alto contenido social, en favor del pueblo gitano, que en su momento causó furor.   Por otro lado, como ya hicimos con l@s maestr@s  Pacita Tomás  (2019), Aída Gómez  (2021) y Alberto Portillo  (2023), el Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" volverá a realizar un pequeño reconocimiento a un grande de la danza española relacionado principalmente con Madrid. En este caso será para el bailarín Antonio Najarro. Homenaje a ANTONIO NAJARRO Medalla de Oro de Bellas Artes (2023)Director del Ballet Nacional de España (2011 -2019) El evento tendrá lugar en el Ateneo de Madrid , dentro del próximo Festival de Música y Danza, el lunes, 29 de diciembre ( 19:45 h ) . Las entradas se pueden adquirir en este enlace, o en la taquilla del Ateneo de Madrid el mismo día del concierto desde las 18:15 h. El precio es de  20€ (14€ para los socios del Ateneo de Madrid)   entradas Una velada IM-PER-DI-BLE ¡¡Os esperamos!! José Manuel Hernández Blanco Director del Ciclo de Conciertos Manuel de Falla   <<"¡AHORA BAILO YO!"   “¡Yo bailo porque vosotros existís! ” Así comienza el espectáculo Camelamos Naquerar que estrenaría el gran bailaor y coreógrafo Mario Maya en 1976. O eso creía yo, que empezaba así... ¿Cómo investigar, reescribir o reelaborar un espectáculo que nunca vi?, ¿cómo crear a partir del material del que dispongo? (que es incompleto y confuso) ¿cómo filtrarlo por mi propio cuerpo como bailaora para exponerlo? o... mejor aún… por mi propia vida en sí. ¿Podría hablarlo? Camelamos Naquerar significa “queremos hablar” en caló, así que... ¿podría yo tener voz propia además de mis pies, mis caderas o mis brazos? ¿podría contar, escribir, leer y mostrar el material que atraviesa este espectáculo y que a mí me conmueve? ¿Qué papel le damos al pasado para crear en el presente? ¿Cómo hacer de esto una herramienta consciente que nos ayude a reflexionar en el tiempo? Preguntas, creación, materiales que se cruzan, hilos que nos tiran hacia otros lugares, baile, música, textos... todo un mundo lleno de conexiones que nos hacen viajar a través de los sentidos.>> Leonor Leal

JÓVENES ARTISTAS AFECTADOS POR LA DANA Y LA GUERRA DE UCRANIA CONVIVIRÁN EN UNA RESIDENCIA CREATIVA ESTE ENERO EN JÁVEA ·        Jávea acogerá, del 2 al 5 de enero de 2026, una experiencia intensiva de formación y creación colectiva para bailarines y músicos ucranianos y de zonas afectadas por la DANA. ·        El Encuentro Con Los Maestros trae a Jávea su  convivencia artística  en una edición inédita que tendrá el arte y la solidaridad como ejes fundamentales. Este proyecto es fruto de una colaboración entre la Asociación MJH Diferencias Educativas , organizadora del Encuentro Con Los Maestros, y  la Fundación Cultura Contra Balas , una entidad comprometida con el apoyo a personas de Ucrania afectadas por la guerra. Durante casi una semana, Jávea será espacio de diálogo intercultural en el que, tal y como afirman sus organizadoras “ el flamenco, la danza y las tradiciones musicales se entenderán como lenguajes vivos y herramientas de encuentro humano ”. La convivencia reunirá a  jóvenes de entre 17 y 22 años , músicos y bailarines, que habitarán en comunidad en un entorno cuidado y seguro, con el objetivo de que su único foco sea el del aprendizaje artístico, la creación y la experiencia humana. Este tipo de iniciativas tienen un fuerte impacto psicológico y humano para artistas tan jóvenes que viven en situaciones de extrema vulnerabilidad, tal y como declara la fundadora de Cultura contra Balas: “ Cuando un joven está aprendiendo una nueva canción o un artista está pintando un nuevo cuadro, en este momento está en otra realidad donde la guerra no existe. Y nosotros, los que vivimos en paz, les podemos ayudar a crear estas ilusiones   ”. La convivencia culminará con una  actuación solidaria abierta al público  (previa inscripción por limitación de aforo)  que se celebrará la tarde del 4 de enero en el privilegiado enclave del Parador de Jávea.  Convocatoria de prensa y contacto Los medios de comunicación podrán encontrarse con los organizadores y participantes el día 3 de enero a las 12:00 en el Parador de Jávea (Av. Mediterráneo, 233, 03730, Jávea). María Herrera , Directora del proyecto Encuentro Con Los Maestros (+34) 649 58 62 63 /  encuentroconlosmaestros@gmail.com Nataliia MoskalenkoFounder , Cultura Contra Balas +34 633 58 47 38 /  culturacontrabalas@gmail.com  (English / Ukrainian) YOUNG ARTISTS AFFECTED BY THE DANA STORMS AND THE WAR IN UKRAINE TO COME TOGETHER IN A CREATIVE RESIDENCY THIS JANUARY IN JÁVEA From January 2 to 5, 2026 , Jávea will host an intensive training and collective creation experience for Ukrainian dancers and musicians, as well as for young artists from areas affected by the DANA storms. Encuentro Con Los Maestros brings its artistic residency to Jávea in an unprecedented edition, with art and solidarity as its central pillars. This project is the result of a collaboration between Asociación MJH Diferencias Educativas , organiser of Encuentro Con Los Maestros , and Fundación Cultura Contra Balas , an organisation committed to supporting people from Ukraine affected by the war. For nearly a week, Jávea will become a space for intercultural dialogue in which, as the organisers state, “flamenco, dance and musical traditions will be understood as living languages and tools for human connection.” The residency will bring together young musicians and dancers aged 17 to 22 , who will live together in a carefully curated and safe environment so that their sole focus can be artistic learning, creation and shared human experience. Initiatives of this kind have a strong psychological and human impact on such young artists living in situations of extreme vulnerability, as stated by the founder of Cultura Contra Balas: “When a young person is learning a new song or an artist is painting a new picture, at that moment they are in another reality where war does not exist. And those of us who live in peace can help them create these moments.” The residency will culminate in a solidarity performance open to the public (prior registration required due to limited capacity), to be held on the afternoon of January 4 at the privileged setting of the Parador de Jávea . Press call and contacts Media representatives are invited to meet the organisers and participants on January 3 at 12:00 p.m. at the Parador de Jávea(Av. Mediterráneo, 233, 03730, Jávea). María Herrera , Project Director, Encuentro Con Los Maestros +34 649 58 62 63  encuentroconlosmaestros@gmail.com Nataliia MoskalenkoFounder , Cultura Contra Balas +34 633 58 47 38   culturacontrabalas@gmail.com (English / Ukrainian)

Belén del Museo Mariemma En estas fechas navideñas no creo que exista un modo más hermoso de desear a nuestros lectores una Feliz Navidad, que con este ejemplo de acto de desinterasado amor por la danza española que simboliza el Belén de Nancys del Museo Mariemma. Susana Merlo en el Museo Mariemma Todos los que conocen a Susana Merlo , la responsable del Museo, sito en la localidad de Íscar (Valladolid), saben que  es una de esas personas que irradian ideas . Así nació este Belén que actualmente ha situado a la localidad vallisoletana de Íscar, en el punto de mira de los coleccionistas de Nancys de todo el mundo. El Belén se inició como un modo original de contar a los niños quien fue Mariemma y lo que significa la danza española con su riqueza de estilos. El amor hizo el resto. ! Gracias a todos los artesan@s y coleccionistas que lo habéis hecho posible.Acceso a la exposición del Belén gratuito Así nació un Belén que rinde homenaje a los trajes del Mariemma y al de folklore de España, con réplicas a pequeña escala para la bonita muñeca española, Nancy, de la firma Famosa. Este año además tuvo como novedad el encuentro EXPO NANCY coordinado por Olga Morcillo , quien ha convocado a varias coleccionistas de otros puntos de la geografía de España, con las conferencias: a cargo de María Eugenia Ruiz "El traje regional más allá de la tradición", una mirada al significado cultural: la moda y su artesanía; la conferencia de María Elena Sánchez , con la descripción del patrón de la Nancy asturiana, obsequiado a todas las asistentes, y explicación detallada del diseño, elementos y construcción del traje típico. Este año la exposición ha alcanzado la cifra de de 180 muñecas, junto con la casita de arquitectura tradicional iscariense, realizada por Víctor Calleja, en colaboración con Elena Alcalde. El Ayuntamiento de Íscar, desde la Concejalía de Cultura y Turismo y el Museo Mariemma, agradece un nuevo año a todos los participantes que elaboran con esmero estas joyas de artesanía. Este año disfrutarás de una exposición de 180 muñecas, junto con la casita de arquitectura tradicional iscariense, realizada por Víctor Calleja , en colaboración con Elena Alcalde . La exposición creció con una nueva escenografía en recuerdo al Ballet de Mariemma «El Amor Brujo» de Manuel de Falla . La decoración, realizada por V.C.  imita una casa-cueva del Sacromonte de Granada. Los personajes principales del Ballet: «Candelas», «José», «Lucía» y «Carmelo», han sido confeccionados por el taller de Costura de Cáritas de la Parroquia de Íscar , bajo la dirección de Antonia Martín, copiando con mucho rigor, el vestuario original de Mariemma, el cual fuera diseñado por Víctor María Cortezo en 1953 para el «MARIEMMA-BALLET DE ESPAÑA». Completando la labor pedagógica de este original belén, este año se ha recreado como novedad una corrala, albergando un antiguo BAILE DEL CANDIL, donde se podían contemplar los principios de las danzas de LA ESCUELA BOLERA. En ella se pueden ver bailarinas boleras, con sus vestidos tradicionales: (encajes, madroños, corpiños) inspirados en los propios de Mariemma. Todo ello se completa con detalles de artesanía como fraguas, carpintería, aperos, carros, alfarería y otros decorados, realizados, donados o prestados por Elena Alcalde, Rufino Gay (Isabel y Pedro), Domingo Domínguez, Teodoro Merlo, Manolo Lobejón, Isabel Rico, Veli Ruano, Rosaura Martín, Alfarería Velasco Gascón, Jeyma y Hermanos Martín Catalina . Nancys realizadas por: Tomasa Benito, Mariflor Sanz, Sabina y Daniela Cabrero, Andrea Barrios, Noa y Vega Jiménez, Esperanza González, Isabel de la Fuente, Virginie Hue, Sara Hernansanz, Reyes Maroto, Pilar Domínguez, Lina Torres, Mª Valdefuentes Clemente, Antonia Hernández, María José González, Antonia Jiménez, Inmaculada Muñoz, Teresa García, Olga Morcillo, María Dolores Riol, María Aceves, Blanca Tato, Cruz Barredo, Ana Blanca,  Museo Juanjo Linares, Antonia Martín (y su equipo de costura de Cáritas de la Parroquia de Íscar), Seve Hernansanz, Sole Martín, Valeriana Mucientes, Lourdes Rodao, Olga Morcillo y en especial a Isabel Boya y Pilar de la Fuente, que han prestado 74 y 53 Nancys respectivamente para la exposición. Las muñecas portan trajes de toda la geografía española: Íscar, Segovia, Badajoz, Galicia, Toledo, Valencia, País Vasco, Castilla la Mancha, las Islas Baleares y Canarias, etc. y trajes emblemáticos de Mariemma, de las cuatro formas de Danza Española; Escuela Bolera, Danzas Folklóricas, Escuela Flamenca y Danza Estilizada. Gracias también a las niñas que prestan cada año también muñecas para ser vestidas en el Museo : Claudia y Paula Cáceres, Laura y Sara Cabrejas,  Belén y Pablo Sánchez, Sara Herrero, Laura Tobón, Lara Rico, Rocío Arranz, Carlota Albertos, Alejandra Lázaro y Claudia Manso. Y a los coleccionistas viajeros que se han sumado como cada año al encuentro: Marta, María Jesús, Paloma, Aída, Ana, Carmen, Almudena, Tomás, Darío, Álvaro, Tere, Luis, José. Agradecimiento a Nancy – Famosa y a Juguettos en Valladolid. BELÉN DE NANCYS EN MUSEO MARIEMMA  (ÍSCAR-VALLADOLID) ¡¡ VISÍTALO, TE SORPRENDERÁ MERCEDES ALBI (Post scriptum: me comunican desde el Museo Mariemma que en estos momentos la Virgen está embarazada, el Belén no tiene niño. Será el próximo día 24 cuando se colocará)

El problema. Reproducimos el texto de la carta de los bailarines denunciando su situación y pidiendo apoyo mediante firma LOS BAILARINES DE LA CND y BNE EN SITUACIÓN DE PRECARIEDAD <<Apreciad@s asistentes, Nos dirigimos a ustedes, como bailarines y bailarinas de las Compañías Nacionales de Danza de España, para compartir nuestras inquietudes y reivindicaciones con el fin de lograr una mejora en nuestras condiciones laborales, que actualmente se encuentran en una situación de precariedad. Desde 1995, nuestros salarios base no han sido revisados ni actualizados, al igual que los complementos retributivos. Actualmente, nuestros ingresos mensuales son significativamente bajos (mileuristas), muy por debajo del coste de vida en Madrid y, comparativamente, de los sueldos en otras compañías de renombre europeo. Desde 1995, nuestros salarios base no han sido revisados ni actualizados, al igual que los complementos retributivos Las principales dificultades que enfrentamos incluyen: Sueldos desactualizados , a pesar de la exigencia artística de élite que nuestra labor requiere. Una diferencia salarial notable en comparación con otras instituciones del INAEM , como la Orquesta Nacional, Coro de la Zarzuela o el Coro Nacional, así como con compañías internacionales.   Las horas extra una vez realizadas las 60 horas se dejan de abonar, y se compensan con días libres que, debido a nuestra carrera profesional, y la exigencia física rara vez podemos disfrutar. Esto genera un esfuerzo adicional que pone en riesgo nuestra salud y afecta negativamente al rendimiento de quienes formamos parte de la Compañía. Giras con jornadas de hasta 9 horas y una disponibilidad horaria de las 24 horas que no se remuneran adecuadamente, a pesar del esfuerzo y dedicación que conllevan. Lo que solicitamos es:  A corto plazo: la actualización inmediata de los complementos retributivos para sacarnos de esta situación urgente de precariedad. A Medio plazo: una revisión profunda y realista de nuestros salarios base, complementos y dietas. Transparencia y soluciones urgentes que garanticen condiciones laborales dignas y, de este modo, protejan la excelencia artística que tod@s compartimos. Estamos comprometid@s con la danza y con nuestro arte, pero también somos conscientes de que, para seguir brindando lo mejor de nosotr@s mism@s, es imprescindible que nuestras condiciones laborales sean justas y acordes a las exigencias de nuestro trabajo.  Les agradecemos profundamente su apoyo y comprensión, pues sabemos que, junt@s, podemos contribuir a crear un entorno más equitativo y digno para todos l@s que formamos parte de la Compañía Nacional de Danza y Ballet Nacional de España. acceso firma petición

Me reuno con Japoco Godani, que amblemente hace un paréntesis en pleno ensayo para poder atenderme, pues al día siguiente estrena su coreografía “Echoes from a restless soul” con la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela. Jacopo es uno de los coreógrafos más demandados por compañías de danza en todo el mundo. Y aquí está, frente a mí, tan abierto y simpático. Sus creaciones se han exhibido en los teatros más importantes, como Royal Ballet Covent Garden (Aeon´s run) , Royal Danish Ballet ( Uncontaminated y Digital Secrets) , Royal Ballet Flandes ( Simulations y FALL OUTS ), Ballet de Zurich ( Rituals of Another When), CND ( Prototype Hero y Cult Race ), Het National Ballet (Subliminal Instant), Cuerpo de baile de la Scala de Milán ( Controporete ), y conocidos trabajos para la Nederlands Dans Theater, y un largo etcétera que no se puede contener en estas breves líneas. Quedamos para tomar un té en un restaurante japonés, junto a la entrada de artistas. Nacido en Spezia (Italia) una población situada cerca de Génova, lo primero que te sorprende de él es su dominio de los idiomas. En la rueda de prensa expuso sus tesis artísticas en perfecto español, pero es que entra al japonés y comienza a dirigirse al camarero oriental en este idioma con total fluidez. -¿Hablas japonés? -Es que me encantan los idiomas. El español lo aprendí gracias a mis compañeros bailarines españoles con los que me relacioné siendo muy joven. - Me quedé sorprendida por tu dominio del español durante la rueda de prensa. -Sí, mi problema es que, como éramos muy jóvenes, aprendí un español muy macarra (bromea y expresa términos divertidos de nuestro argot) Y es que él es así, como genovés tiene alma de navegante, un espíritu totalmente inquieto como indica el título de la coreografía que vamos a ver mañana. Es muy consciente de que con sus trabajos ha emprendido una especie de cruzada individual contra la simplicidad vacía hacia la que considera se dirigen muchos de los lenguajes coreográficos contemporáneos, que están empobreciendo el estilo -Tenemos la gran responsabilidad de transmitir a los jóvenes todo aquello que vivimos, pues mi generación de bailarines fue la depositaria de una enorme riqueza que supuso cosechar los frutos de una gran evolución que comenzó a principios del siglo XX- me cuenta. -¿Puedes resumirme esa evolución? -Claro, fue un siglo trascendental desde el punto de vista creativo en todas las artes, y se ve muy claramente en la danza. Los rígidos ballets que marcaban una estética formal y preciosista heredados del siglo XIX van cambiando; la forma se rompe en la búsqueda de otros caminos. Lo encorsetado se quiebra y nos dirigimos hacia una nueva búsqueda. Somos responsables de transmitir ese legado a las nuevas generaciones, que en muchos casos, lamentablemente, lo ignoran. Bailarines Shani Peretz, Alessandro Riga. Fotografía Alba Muriel -¿Podrías contarme cómo te hiciste bailarín? -Cuando yo era niño era muy creativo, buscaba en varios campos artísticos que me atraían, por ejemplo dibujaba muy bien, y estaba muy relacionado con el mundo de la moda. Mi familia se dedicaba a ello. Sin embargo, yo sentía que lo que más me gustaba era algo estético pero relacionado con la carga física. Imagínate que me puse a hacer artes marciales y me encantaba. Pero un día por casualidad conocí la danza. -¿Cómo fue? -Yo no empecé de niño sino que ya tenía unos 15 años, me apunté a un cursillo. Nada más entrar al estudio de danza sentí una emoción enorme. Había encontrado mi camino. -¿Y cómo lo dirigiste para haberte formado como bailarín en las compañías más emblemáticas de Europa como la Escuela Mudra del Ballet de Bejart y posteriormente, entre otras, trabajaste durante diez años en el Ballet de Frankfurt, dirigido por William Forsythe? -Siempre seguí mi instinto creativo. Me siento en ese aspecto muy afortunado, y cuando era bailarín también pude crear coreografías, que era lo que a mi me gustaba. Entonces buscaba lo que me producía satisfacción. William Forsythe siempre tuvo en cuenta mis ideas y mis obras las empleó mucho desde los años que estuve allí, entre el año 90 y el 2000. -Y de todas tus creaciones, dime ¿Cuál es la que te produce mayor satisfacción? (Se queda pensando) - He hecho muchas, pero si te confieso la verdad, la que aparece en mi mente es la que estoy montando ahora, “Echoes from a restless soul” porque además la he modificado, no es la misma que yo estrené en la Dresden Frankfurt Dance Company en 2016. -Vamos, que eres de los que se quedan prendidos de su último amor. -Totalmente, a mi me inspira lo que hago y lo que voy a hacer, aunque me sienta contento con lo que hice, mi mente queda poblada mucho más por el proceso de creación que por los recuerdos. Bailarines Cristina Casa, Gaizka Morales. Fotografía Ximena y Sergio -¿Qué has modificado en el “Echoes from a restless soul” que vamos a ver en el Teatro de la Zarzuela? -Muchas cosas, por ejemplo, la música. -Es música de piano, el “Gaspard de la nuit” de Maurice Ravel. -Si pero en la anterior versión no empleé el tercer movimiento, que sí he incorporado ahora, y además el número de parejas que bailan lo he aumentado. Bueno, es diferente. Bailarines Erez Erez Ilan, Roberto Lua. Fotografía Alba Muriel -En el momento de componer una coreografía ¿Te basas en la música? -No, jamás. Parto de una arquitectura de movimientos. Creo que inspirarse partiendo de una música es un error. -¿Por qué? -Porque condiciona. Por ejemplo, la música clásica quieras o no te conduce a un ambiente. Si escuchas una música que tiene lugar en un baile en palacio tu inconsciente te marca una imágenes determinadas, un gusto estético una atmósfera. En realidad, me cuesta mucho encontrar una música. Hace poco me han encargado en el Mariinsky que cree con una música clásica pero que además sea… como lo diría, “cañera”, pues aun estoy buscando. (Le llaman por teléfono. El en ensayo general va a comenzar. Nos despedimos, le doy las gracias) Ensayos. Bailarinas: Pauline Perraut, Shani Peretz, Emma Cámara. Fotografía Alba Muriel MERCEDES ALBI

Ensayos "Serenade". Bailarina Hamin Park. Fotografía Alba Muriel El título de este programa, NumEros, es un portmanteau, una combinación de dos términos, numen y eros, en cierto sentido opuestos pero que conforman dos elementos centrales en la creación en danza: Numen como presencia intangible, inspiración poética o espiritualidad inmanente que trasciende la voluntad del artista; y Eros como fuerza deseante, como impulso vital y creativo encarnado en el cuerpo. Cuando se encuentran, nace NumEros, que evoca el número como principio de orden, patrón subyacente, lógica que da forma al movimiento. Así, NumEros propone articular espiritualidad, deseo y estructura matemática en la danza Siguiendo este concepto, este programa r eúne el trabajo de tres coreógrafos de referencia, Georges Balanchine, William Forsythe y Jacopo Godani, que han desarrollado un pensamiento coreográfico formal y numérico. NumEros dialoga con la tradición coreográfica a través de los creadores George Balanchine ( Serenade ), William Forsythe ( Playlist (Track 1, 2 )) y Jacopo Godani ( Echoes from a Restless Soul ), cada uno de los cuales ha abordado, desde distintas estéticas, la relación entre estructura matemática y energía corporal. "Serenade". Bailarina Sofía Sancho. Fotografía Antonio Benito "Serenade" La CND vuelve a interpretar este significativo ejemplo del personalísimo estilo Balanchine 42 años después. Un ballet con escenas de puro romanticismo y belleza sobre la Serenata para cuerdas en Do mayor, Op. 48 de Tchaikovsky Serenade fue el primer ballet que creó Balanchine en Norteamérica y lo hizo para la Escuela del American Ballet. Creado con la música de Serenata para cuerdas en do ma yor de Tchaikovsky, si bien el tercer y cuarto movimiento de la partitura están cambiados de orden, constituye un significativo ejemplo del personalísimo estilo del creador ruso-norteamericano.   Las representaciones de Serenade, un ballet de Balanchine ®, son presentadas y coordinadas por The George Balanchine Trust y han sido producidas en conformidad con los estándares de Balanchine Style ® y Balanchine Technique ®, estipulados y proporcionados por LA FUNDACIÓN. Estreno absoluto: por la Escuela del American Ballet en el Adelphi Theatre de Nueva York (EE.UU.), el 1 de marzo de 1935 Estreno por la Compañía Nacional de Danza: (Ballet Nacional de España Clásico) en el Teatre Principal de Palma, Palma (España), el 15 de diciembre de 1983 No existe argumento, en palabras del propio Balanchine “el ballet cuenta su historia de manera musical y coreográfica, sin recurrir a ninguna narración ajena”. Quizás, en lo que a significado se refiere, podría apuntar a un pensamiento de Balanchine: “cada hombre va con el destino a sus espaldas; se encuentra a una mujer, la ama, pero el destino ya tiene otros planes”.Serenade expresa el ritmo, dinamismo y las tonalidades de la música.Una sencilla escenografía de tonos azules sirve de marco a los movimientos rítmicos, precisos y solo aparentemente narrativos de los cinco solistas y veinte bailarines del cuerpo de baile que Balanchine pone en escena. Sus encuentros y desencuentros, su interacción, cruzada o simétrica, componen una serie sucesiva e ininterrumpida de escenas en las que se percibe un romanticismo puro, muy sutil y plenamente acorde con el carácter neoclásico del estilo Balanchine. Para este estreno de 2025, la puesta en escena de esta coreografía es de Colleen Neary, considerada una de las más relevantes stagers de la obra de Balanchine en el mundo. Coreografía: George Balanchine © The George Balanchine Trust Puesta en escena: Colleen Neary Música: Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). Serenata para para cuerdas en do mayor, op. 48 Interpretación musical: Orquesta de la Comunidad de Madrid ORCAM Director musical: Manuel Coves Diseño de vestuario : Karinska Realización de vestuario: Estudio Tania Bakunova Duración: 32 minutos Elenco estreno CND: Montserrat García, Carmen Molina, Sofía Sancho, Jorge Christoff, Raúl Tino (solistas); Mireia Bombardó, Mabel Cabrera, Marina Donderis, Mª José Europa, Gemma Gallardo, Rosanna López, Mar Llorente, Alicia Pérez, Elisa Morris, María Osende, Mª Paz Puigdellivol, Marta Ramallo, Mª Luisa Ramos, Susana Ruiz, Ivana Saldaña, Alba Zamora, Antonio Fernández, Santiago de la Quintana, José Antonio Quiroga, Hans Tin "Echoes from a Restless Soul. Bailarines". Cristina Casa, Gaizka Morales. Fotografía: Ximena y Sergio Echoes from a Restless Soul En una atmósfera inquietantemente extraña y a través de intrincadas combinaciones, Godani nos ofrece todo un panorama de virtuosismo artístico Ecos de un alma inquieta está ambientada en el tríptico Gaspard de la Nuit , una composición para piano solo escrita por Maurice Ravel en 1908. Estreno absoluto : por la Dresden Frankfurt Dance Company en la Bockenheimer Depot de Frankfurt, (Alemania) el 16 de noviembre de 2016 Estreno por la Compañía Nacional de Danza: en el Teatro de la Zarzuela, Madrid (España) el 11 de diciembre de 2025 La base de esta obra maestra es un poema francés anterior de Aloysius Bertrand. En una creación de increíble virtuosismo, Ravel da vida a los poemas de Bertrand, empleando una innovadora técnica pianística dentro de una forma clásica. Los elementos coreográficos de Ecos forman un hilo conductor, fundiéndose en una atmósfera que trasciende el tiempo y el espacio. En esta inquietante extrañeza, Godani ofrece una serie de pas de deux y cuartetos que describen un panorama de virtuosismo artístico. A través de ellos, se presentan intrincadas e infinitas combinaciones de una relación formal: el pas de deux. Godani realza el movimiento con zapatillas de punta, a la vez que crea una notable libertad dentro de ciertos parámetros estéticos, propios de un enfoque más clásico. La partitura de Ravel es interpretada en vivo por Gustavo Díaz-Jerez. "Echoes from a Restless Soul". Bailarinas Pauline Perraut, Shani Peretz, Enma Cámara. Fotografía Alba Muriel Coreografía: Jacopo Godani Música: Maurice Ravel. Gaspard de la nuit Pianista: Gustavo Díaz-Jerez Diseño de iluminación y vestuario : Jacopo Godani Asistentes coreográficos: Vincenzo de Rosa, Zoe Lenzi Duración: 26' Elenco estreno CND: Shani Peretz, Alessandro Riga; Ion Agirretxe, Elisabet Biosca, Emma Cámara, Elisa Ghisalberti, Erez Ilan, Roberto Lua, Álvaro Madrigal, Pauline Perraut, Alejandro Polo, Samantha Votari; Cristina Casa, Gaizka Morales Playlist (Track 1, 2) Bailarines: Anthony Pina, Yanier Gómez Noda, Juan José Carazo, Daniel Lozano, Shlomi Shlomo Miara, Erez Ilan, Niccoló Balossini, Alessandro Riga, Álvaro Madrigal, Mario Galindo, Tomás Sanza, Roberto Lua, Gianmarco Moschino Fotografía: Ximena y Sergio Playlist (Track 1, 2) Creada para 12 bailarines del English National Ballet, la obra se basa en la idea de una "lista de reproducción", donde Forsythe utiliza diferentes estilos y movimientos para crear un collage dinámico y diverso que fusiona elementos de la danza clásica y la danza contemporánea Creada especialmente para doce bailarines del English National Ballet, Playlist (Track 1, 2) fue la primera creación de William Forsythe para una compañía de ballet del Reino Unido en más de 20 años. Con música neo-soul y house, Playlist (Track 1, 2) se estrenó como parte del proyecto Voices of America en 2018. Estreno absoluto: por The English National Ballet, en el Sadler’s Wells, Londres (Reino Unido), el 12 de abril de 2018 Estreno por la Compañía Nacional de Danza: en el Teatro de la Zarzuela, Madrid (España), el 11 de diciembre de 2025 William Forsythe, conocido por su innovador enfoque en la danza contemporánea y su capacidad para desafiar las convenciones del ballet clásico, estrenó en 2018 esta coreografía basada en la idea de una «lista de reproducción» en la que se utilizan diferentes estilos y movimientos para crear un collage dinámico y diverso. Playlist destaca por su fusión de elementos de la danza clásica y la danza contemporánea, mostrando la versatilidad y el rango técnico de los bailarines. Forsythe es famoso por su habilidad para jugar con el espacio y la estructura, y Playlist no es una excepción; la obra presenta una rica interacción entre el movimiento y el entorno, así como una exploración del tiempo y el ritmo. Además, en Playlist, Forsythe incorpora elementos de improvisación, lo que permite a los bailarines expresar su individualidad dentro de la coreografía. Esto crea una experiencia única en cada representación, manteniendo al público intrigado y comprometido. La música juega un papel crucial en esta obra, ya que se seleccionan piezas que complementan y contrastan con los movimientos de los bailarines, creando un diálogo entre sonido y cuerpo. Playlist (Track 1, 2)Coreografía: William ForsytheBailarín: Alessandro Riga Fotografía: Ximena y Sergio

"Amor brujo". Danza de Fuego. Ballet Español Comunidad de Madrid. Fotografía de Gabriel M. Olivares El Ballet Español de la Comunidad de Madrid estrena Viaje al Amor Brujo , del 4 de diciembre al 4 de enero Teatros de Canal, con 21 bailarines y 35 músicos El espectáculo abre el Año Falla y llevará al Ballet en su primera gira internacional en 2026 "Amor brujo". Danza de Fuego. Ballet Español Comunidad de Madrid. Fotografía de Gabriel M. Olivares El Ballet Español de la Comunidad de Madrid emprende la aventura de montar su propia interpretación del Amor Brujo, de Manuel de Falla y María de la O Lejarraga García, clásico y flamenco, tradicional y contemporáneo, traído a nuestros días; de manera que las nuevas generaciones se vean reflejadas y sean partícipes de esta historia de amor y muerte. Será parte de un viaje más amplio, para comprender las raíces del baile, la música y el cante que llevaron a Falla a componer la obra más alta de la música española en varios siglos. Y que, con un pie en esa historia, la música, la danza y la interpretación encuentren nuevos caminos. "Siete canciones populares" Ballet Español de la Comunidad de Madrid. Fotografía Gabriel G. Olivares Partimos de las Siete Canciones Populares de Falla, según las entendió Ernesto Halfter; de ahí, al Homenaje a Debussy, para desembocar en el Amor Brujo. En cada estación de este viaje, nos esperará la música de Dani de Morón. El Amor Brujo es inseparable del Madrid de la Edad de Plata: en su partitura Manuel de Falla y en su libreto María de la O Lejárraga reunieron lo mejor de cada rincón de España e Hispanoamérica, de la mano del arte siempre viejo y nuevo de los gitanos. El estreno del Viaje al Amor Brujo del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, en diciembre en los Teatros del Canal, será el primer gran evento de las celebraciones del Año Falla, en 2026, el 150 aniversario del nacimiento del maestro. Y con este espectáculo se presentará el BECM en su primera gira mundial. "Amor brujo". Danza de Fuego. Ballet Español Comunidad de Madrid. Fotografía de Gabriel M. Olivares DANZA ESPAÑOLA Y MÚSICA EN DIRECTO Sala Roja de los Teatros del Canal, Madrid. Estreno 4 de diciembre 2025 DURACIÓN 75 minutos, sin descanso ELENCO DEL BECM Bailarines Natalia González Eva Jiménez Raquel Lara Borja Lebrón Candela Molina José Molina Andrea Pérez Lucía Ramírez Carmen Alonso Carmen Segura Aarón Beltrán Andrea Antó Fermín Astrain Lucía Cardeñoso Ainara Cardoso Alejandro Cerdá Borja Cortés Raffaele di Noia Nuria Díez Joan Fenollar Jesús Bergel Jan Gálvez Rodrigo García MÚSICOS David Cerreduela (guitarra) Iván Losada (guitarra) Lucky Losada (percusión) Chelo Pantoja (cante) Carmen Ruiz (cante) COREÓGRAFOS INVITADOS OLGA PERICET Creadora internacional, la bailaora y coreógrafa Olga Pericet comparte su vibrante arte con el público de los principales festivales y teatros del mundo. Bebe de la tradición y se lanza al abismo de lo nunca visto con espectáculos en los que late un flamenco de opuestos: oscuro y luminoso, femenino y masculino, inquietante y bello. De ella han escrito que es “una de las grandes figuras contemporáneas del flamenco” (Paris Art), “una presencia mercurial y experimentadora intrépida” (The New Yorker), poseedora de una “energía feroz encerrada en una técnica sofisticada” (The Guardian). En 2018 recibe el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación por "su capacidad de aunar las distintas disciplinas de la danza española, actualizándolas en un lenguaje interpretativo con sello propio” y por “su versatilidad escénica y su valiosa capacidad de transmisión”. Gran renovadora del flamenco, muchos otros galardones reconocen su dominio técnico, la armonía y el preciosismo de su trabajo. Entre los más recientes, el Premio MAX a la Mejor Intérprete de Danza por Un cuerpo infinito (2020), el Premio Extraordinario de Teatro ACE Awards 2016 (Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York); el Premio MAX de las Artes Escénicas a la Mejor Bailarina Principal por Pisadas (2015) o el galardón de El Ojo Crítico de RNE (2014) “por su versatilidad como intérprete, su creatividad y su valentía al asumir riesgos artísticos”. Entre sus últimos espectáculos se encuentran La materia (2023), La leona (2022), Un cuerpo infinito (2019) y La espina que quiso ser flor o la flor que soñó con ser bailaora (2017). Olga Pericet colabora habitualmente con otros artistas y creadores de la talla de Carlota Ferrer, Manuel Liñán, Marcos Flores, Irene Escolar, Silvia Abascal, Lucia Lacarra, Ygor Yebra, José Carlos Martínez y Boris Charmatz. ASISTENTE COREOGRÁFICO: IVÁN AMAYA RAFAEL ESTÉVEZ Y VALERIANO PAÑOS (ESTÉVEZ Y PAÑOS) El tándem artístico formado por Rafael Estévez y Valeriano Paños ha coreografiado y dirigido, desde 2003, a artistas como Lola Greco, María Vivó, Miguel Poveda, Rocío Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Marco Flores, Rubén Olmo, Lucía “La Piñona”, Alfonso Losa, Concha Jareño, Ana Morales, Patricia Guerrero o la Compañía Antonio Ruz. Han coreografiado y bailado para la Gala de la Danza en el Teatro Real de Madrid (2004), la Gala Española de Danza en la EXPO Aichi (2005) y la Gala de la Danza en la EXPO Zaragoza (2008). De 2016 a 2018 dirigieron el Ballet Flamenco de Andalucía y han colaborado con directores como Carlos Saura, Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola o Álvaro Morte. También han coreografiado la producción del Teatro Real La vida breve / Tejas verdes y han compartido escenario con Mats Ek, Ana Laguna, Israel Galván, Carmen Linares, Tamara Rojo, José Martínez, Ángel Corella, Nacho Duato o Eva Yerbabuena. Con Estévez / Paños y Compañía han recorrido los escenarios y festivales nacionales e internacionales más relevantes. En 2019 recibieron el Premio Nacional de Danza, en la modalidad de Creación, “por su labor de abrir nuevos lenguajes y por su investigación de la danza española, el flamenco y la danza contemporánea, desde la tradición hasta la vanguardia, logrando originales resultados en una danza de hoy”. DANI DE MORÓN: MÚSICA ORIGINAL Nacido en Sevilla en 1981 y criado en Morón de la Frontera, este guitarrista se formó en un entorno flamenco desde joven y se especializó acompañando al cante y al baile. Su gran impulso llegó en 2007 cuando Paco de Lucía lo eligió como segunda guitarra para su gira internacional, lo que lo posicionó entre los grandes del flamenco. Ha grabado varios discos en solitario como Cambio de Sentido, El sonido de mi libertad y 21, este último nominado a los Grammy Latinos. Reconocido con premios como el Giraldillo de la Bienal de Sevilla, destaca por combinar la tradición flamenca con una investigación musical avanzada. Actualmente alterna sus conciertos con la composición y dirección musical de espectáculos de danza flamenca y otros proyectos internacionales. Su cuarto álbum, Creer para ver, se lanzó en 2020. ALONDRA DE LA PARRA DIRECTORA DE LA ORQUESTA (ORCAM Y JORCAM) Directora de orquesta mexicana de renombre internacional que ha dirigido algunas de las orquestas más prestigiosas del mundo. En 2022 fue nombrada directora invitada principal de la Orchestra Sinfonica di Milano y fundó el festival PAAX GNP en México, reuniendo a grandes músicos internacionales. Es pionera en proyectos innovadores como The Silence of Sound y ha dirigido estrenos mundiales en la Royal Opera House de Londres, siendo la primera mexicana en dirigir allí. Ha grabado proyectos emblemáticos como Olé México y ha liderado ciclos sinfónicos como el de Brahms con la Münchner Symphoniker. Su carrera incluye colaboraciones con destacadas instituciones musicales globales y fue la primera mujer en dirigir una orquesta australiana al frente de la Queensland Symphony Orchestra. También es reconocida por su labor en formatos digitales con la serie Música Maestra y por impulsar el talento de jóvenes músicos a través de la Orquesta Filarmónica de las Américas, que fundó a los 23 años. CODIRECTOR DE LA ORQUESTA: DIEGO GARCÍA Diego García nace en Escarabote, Lampón, en el municipio de Boiro, provincia de La Coruña. Cursa sus estudios musicales en piano y música de cámara en el conservatorio de Santiago de Compostela para posteriormente trasladarse a Lausanne. Más tarde se inicia en el mundo de la dirección orquestal en el Hochschule der Künste, en Zürich, con Johannes Schlaefli. Ha trabajado con orquestas como la Real Filharmonía de Galicia o la Orquesta Vigo 430,[6] y dirigido en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, el Teatro Real de Madrid o el Teatro de la Ópera de Gdansk. PEDRO YAGÜE: ILUMINACIÓN Nacido en Murcia en 1972 y licenciado en Filología Hispánica, este profesional es uno de los más destacados diseñadores de iluminación escénica en España. Ha trabajado durante más de 25 años en teatro, ópera, danza y otros espectáculos, colaborando con los principales teatros e instituciones nacionales e internacionales. Fue jefe de iluminación y director técnico del Teatro de la Abadía, y desde 2005 es coordinador técnico del Festival de Almagro. Su trabajo ha sido reconocido con numerosos premios, entre ellos varios Premios Max y el Premio Talía, lo que lo posiciona como una figura de gran relevancia en el diseño de iluminación escénica. Entre sus proyectos recientes destacan producciones como Yerma, Memorias de Adriano y Blaubeeren. DIRECCIÓN ARTÍSTICA JUNTA DIRECTIVA DEL BECM El Ballet Español de la Comunidad de Madrid cuenta con una dirección colegiada compuesta por una especialista en danza española; otra, en flamenco; y un tercero, en artes escénicas. GALA VIVANCOS Nacida en Barcelona, es bailarina, coreógrafa y maestra. Ha pertenecido en su dilatada trayectoria a compañías como el Ballet Nacional de España o Teatro Español Rafael Aguilar entre otras. Invitada a diversas galas, junto a figuras como Lola Greco, Ángel Corella, Tamara Rojo, Nacho Duato, José Antonio o Blanca del Rey. Docente y coreógrafa en la especialidad de Danza Española. Ha creado distintas piezas y espectáculos y ha sido invitada como maestra, impartiendo cursos y clases magistrales tanto en el ámbito nacional como internacional. MÓNICA FERNÁNDEZ Nacida en Barcelona. Titulada por el Real Conservatorio de Sevilla, inicia su trayectoria profesional con La Chana. Durante 25 años, ha sido repetidora, ayudante de dirección e intérprete con roles de primera bailarina en multitud de producciones del Ballet Flamenco de Antonio Canales. Además, ha coreografiado para su propia compañía, y ha formado parte del Ballet Nacional de España como repetidora para la reposición de la obra Grito de Antonio Canales, y ha sido artista invitada para el espectáculo Generaciones. ANTONIO CASTILLO ALGARRA Nacido en Córdoba. Escritor, profesor, productor, director, diseñador, y actor de teatro. Funda la productora, academia y editorial For The Fun of It, junto a Ignacio Rodulfo Hazen, desde la que inauguran una forma propia de hacer teatro musical, que difunda el legado del Siglo de Oro y de la Edad de Plata de la cultura española e Hispanoamericana. Propone a la Presidenta de la Comunidad de Madrid la Fundación del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, y recibe el encargo de su puesta en marcha. ORGANIGRAMA BECM JUNTA DIRECTIVA Gala Vivancos, Mónica Fernández y Antonio Castillo Algarra SECRETARIO GENERAL Félix González García DIRECTOR TÉCNICO Raúl Alonso MAESTRA ESPECIALISTA Cristina Gómez Tornamira REPETIDOR Mariano Bernal AYUDANTE DE OFICINA TÉCNICA Antiel Jiménez AYUDANTE DE PRODUCCIÓN Juan Manuel Borraspardo PATRONATO DE LA FUNDACIÓN Consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Presidente rotatorio: Mariano de Paco Serrano Consejero de Educación, Ciencia y Universidades, Vicepresidente rotatorio: Emilio Viciana Duro Director General de Enseñanzas Artísticas: Miguel Olite Lumbreras Director General de Cultura e Industrias Creativas: Manuel Lagos Patrono miembro de la Junta Directiva: Antonio Castillo Algarra

“El Amor Brujo” nació cuando Pastora Imperio (1889-1979) le encarga a Manuel de Falla (1876-1946) una música para un libreto de Gregorio Martínez Sierra, en el que ella interpretaba a su protagonista . Lejos estaban todos de imaginar la trascendencia que alcanzaría la nueva composición, considerada una de las obras cumbre de la música española de todos los tiempos. La artista cantaba y bailaba con una gracia y un duende que hechizaban, y una técnica de brazos que marcó estilo. En el siguiente enlace podemos verla en el año 1935, donde hizo el papel de madre, en la películo María de la O, siendo la protagonista Carmen Amaya: Y el porte de su estampa aun puede admirar en esta filmación donde baila una solea en su edad madura: La Primera Guerra Mundial había estallado , y el numeroso grupo de artistas españoles residentes en París, que pertenecía a la flor y nata de la elite cultural española, se ve obligado a regresar a su país. “El Amor Brujo” significa para Manuel de Falla un reencuentro con sus más hondas raíces, tras terminar bruscamente su estancia de ocho años en Francia, donde era considerado uno de los integrantes de la modernidad musical europea. La vanguardia huye del conflicto y se refugia en España , dando lugar a una época que revolucionará las artes escénicas y actuará como una diáspora que difundirá el arte español por los teatros más importantes del mundo. ENTRE ZULOAGA Y NESTOR DE LA TORRE El diseño de la escenografía y del vestuario de la obra fue ofrecido inicialmente al pintor Ignacio de Zuloaga (1870-1945), gran amigo de Falla . No en vano, la guerra había impedido que los bocetos realizados para una representación de “La Vida Breve” de 1914 en la Ópera de París, vieran la luz. Pero Zuloaga pretexta un exceso de trabajo y rehúsa aceptar el encargo. En aquel momento, el pintor vivía un amor secreto y pasional con la bailarina Tórtola Valencia. ¿Sería demasiado aventurado pensar que podría existir una cierta rivalidad artística entre Pastora y Tórtola? El tiempo como en casi todo, nos confirma que sí, pues aconteció un gravísimo suceso instigado por Tórtola que provocó a Pastora un grave accidente que podía haberle costado la vida, un verdadero y cruento duelo de divas , que relataremos en otra ocasión. Ante la negativa de Zuloaga, Pastora Imperio propone la tarea al pintor grancanario Néstor Martín-Fernández de la Torre (1887-1939) , el cual queda entusiasmado con la idea, pues en París ha conocido la gran revolución que en materia escénica supuso la llegada de los Ballets Rusos de Diaghilev. La atracción de de Néstor hacia el mundo de las bambalinas es algo que le acompañará desde su infancia a lo largo de toda su vida. Basta contemplar dos aguafuertes de Néstor datados en 1910, “La Macarena” y “El Garrotín”, representando escenas de baile, para percibir la fuerza con que capta el movimiento y transmite la energía de la danza. Así mismo, se percibe en sus dibujos una clara influencia de León Bakst (1866-1924), lo que evidencia la relación de Néstor con los Ballets Russes de Diaghilev. Un hecho que corrobora de forma indidable esta relación con la mítica compañía, es la correspondencia que mantendría a lo largo de su vida con Adolph Bolm , que se conserva en el Museo Néstor de Gran Canaria. En este enlace podemos admirar la gran versatilidad del bailarín ruso junto con Ruth Page, protagonizando un film datado en 1922. Mucho queda por descubrir, mucho por investigar en materia de danza sobre este fascinante período de la Edad de Plata de nuestra cultura, cuando España se convierte en lugar de refugio de la vanguardia europea. Y es que “El Amor Brujo”, en su primer estreno, el 15 de abril de 1915 en el Teatro Lara de Madrid , contenía todos los ingredientes que iban a convertirlo en el punto de partida de esta era de esplendor creativo. MERCEDES ALBI Acceso a la segunda parte

Manuel de Falla, en unas declaraciones hechas al diario La Patria el día anterior al estreno de “El Amor Brujo”, ya es consciente de su originalidad, y opina: “Hemos hecho una obra rara, nueva, que desconocemos el efecto que pueda producir en el público, pero que hemos sentido”. La expectación que se había suscitado en Madrid era enorme y no estaba exenta de críticas, ya que algunos pensaban que Falla se rebajaba al escribir una obra para “gitanos”. Pastora Imperio escuchó un comentario negativo, alusivo a que era como si Wagner hubiera permitido interpretar su “Parsifal” a unos cantantes de vodevil. -“Parsifal”, ¿Qué es eso?”- preguntó Pastora sorprendida, y tras recibir la explicación, con el buen humor y el gracejo que la caracterizaba, respondió desafiante: -“Pues…¡Viva Parsifalillo!”. A partir de entonces Manuel de Falla y su círculo de amigos llamaron al primer “Amor Brujo”, el “Parsifalillo” de Pastora. Falla había compuesto la música en apenas tres meses. Más aun, unas horas antes del estreno le solicitaron en el teatro que compusiera un intermedio para que diera tiempo a cambiar los decorados, y como el gran genio que era, entregó la partitura a tiempo de levantarse el telón . Es de sobra conocido que la obra fue modificada varias veces hasta la versión de 1925, estrenada en París por la compañía de Antonia Mercé, la Argentina. En el “Parsifalillo” existen estrechos lazos de familiaridad entre los intérpretes. Los artistas actuaron bajo la supervisión de la madre de Pastora, Rosario La Mejorana , que había mostrado a Falla algunas canciones, cuyos ritmos le sirvieron de inspiración. Pastora Imperio interpretaba a Candela, la protagonista, y su hermano, el guitarrista Víctor Rojas, hacía el papel de Carmelo. Esta fotografía nos muestra a ellos tres: Una de la gitanillas fue Perlita la Negra , el nombre artístico que algunos pensaron erróneramente que se trataba de Agustina Escudero , la famosa modelo de pintores, cuya belleza podemos admirar en este cuadro de Manuel Benedito: Perlita Negra no era Agustina, como ya desvelé en un artículo y gracias a unos apuntes recogidos por la eurdita de la danza Dolores de Pedroso. Pero con toda probabilidad la bella Agustina, participó activamente debida a su amistad con Pastora, y a que frecuentaba su casa, siendo incluso posible que Manuel de Falla se inspirase en alguna bulería interpretada por ella. Lo cierto es que con toda probabilidad la modelo accediese a participar en alguna representación movida por su amor de madre , pues la otra gitanilla del reparto era su jovencísima hija María, que había demostrado desde pequeña una gran vocación artística. Pastora Imperio la amadrinó en sus comienzos ofreciéndole su primera oportunidad escénica en "El amor brujo". La niña, que actuó bajo el nombre de María Imperio, adoptaría porteriormente el de "La Faraonica", hasta que Dighilev la descubrió y la contrató como miembro de los Ballets Rusos bautizándola como María del Albaicín . Fue la estrella del "Cuadro Flamenco -representado en París (1921)- y desarrolló una importante carrera en la danza y en el cine, truncada por su temprana muerte en 1931. De la otra artista que estuvo en el cartel, Rosa Cantó , interpretando el papel de una gitana vieja, no se conservan datos. Esta unión tan estrecha y familiar entre los interpretes del primer "Amor Brujo", entronca directamente la obra con los genuinos cuadros flamencos tradicionales y los conduce un paso más allá, pues al añadirles una dramaturgia, con música y escenografía, inspirada en el concepto europeo de la obra de "arte total", surge por vez primera un nuevo género que admirará al mundo: el Ballet Español. MERCEDES ALBI Acceso a la tercera y última parte

Si se congela el tiempo y se circunscribe a un momento, resulta apasionante leer este reportaje publicado en 1946, en la revista francesa Point de Vue, que ha sido seleccionado por Luis Antonio Valdivia Durán (Danza Libre). Vaslav Nijinky, quien fuera el bailarín más famoso del mundo, pasa sus días en compañía de su esposa Rómola. Les tomán estas fotos en un castillo de apariencia abandonada situado en una aldea del Tirol, cerca de Salzburgo. La Segunda Guerra Mundial ha asolado Europa. En esos años parece ser que en la prensa circularon rumores falsos sobre la muerte del bailarín, que fue hallado en un hotel de Viena cuando los aliados tomaron la capital. << Nijinsky que fue un loco genial , más que un enfermo sin memoria, y que vive olvidado en una aldea de Austria . Sin embargo... Fue el bailarín más grande del mundo y hoy no es más que un enfermo de mirada extrañamente vacía , en Mittersill, en el Tirol. Habita en un castillo situado en plena montaña, a algunos kilómetros de Salzburgo . Un castillo que ya tiene un pasado glorioso, pues en él vivieron el príncipe Bernhard de Lippe y la princesa Juliana, así como el duque y la duquesa de Windsor durante su viaje de bodas. También se alojaron allí la reina Guillermina de los Países Bajos y el rey Carlos de Rumania. Nijinsky hoy no es más que un enfermo de mirada extrañamente vacía Nijinsky vive allí en compañía de su esposa, la escritora Romola Nijinsky, y de un enfermero —antiguo oficial del ejército zarista — encargado de cuidarlo y vigilarlo. Durante los últimos años de la guerra circularon las informaciones más contradictorias acerca del destino del célebre bailarín. Los periódicos del mundo entero anunciaron dos veces su muerte : la primera, en un bombardeo en Budapest; la segunda, durante los combates sangrientos de Viena. En la prensa circularon informaciones contradictorias acerca del destino de Nijinky Luego afirmaron que se encontraba internado en una clínica psiquiátrica de esa ciudad , y que su estado era tan grave que los médicos habían perdido toda esperanza de curarlo. Todas estas informaciones eran falsas. Los corresponsales de prensa descubrieron a Nijinsky en un gran hotel de Viena , el día mismo de la ocupación de la capital austríaca por los cuatro ejércitos aliados. Gracias al apoyo de las autoridades estadounidenses, Nijinsky pudo ese invierno abandonar Viena —donde la vida se había vuelto muy difícil— y refugiarse en Mittersill , mientras esperaba la obtención de su visa de entrada a Francia. Esta acaba de serle concedida. Dentro de pocos días, Nijinsky llegará a París, donde no ha estado desde hace casi diez años. En unos días Nijinsky llegará a París donde los psiquiatras intentará curarlo Y será en París donde l os psiquiatras intentarán, por tercera y última vez, curarlo mediante un tratamiento con insulina . Se recuerda que los dos primeros tratamientos no habían dado resultado. Posteriormente, según su estado, el bailarín permanecerá en Francia o partirá hacia América. Los médicos que lo han examinado recientemente se muestran optimistas y piensan que este tratamiento con insulina será decisivo para el enfermo Los médicos que lo han examinado recientemente se muestran optimistas y piensan que este tratamiento con insulina será decisivo para el enfermo. El estado de Nijinsky, en efecto, ha mejorado mucho desde el final de la guerra, mientras que los bombardeos lo habían agravado seriamente. Hoy, nada en su aspecto deja suponer que Nijinsky sufre de locura . Su porte sigue siendo muy digno; su cuerpo se ha conservado extremadamente joven y flexible . Solo su rostro ha envejecido: profundas arrugas surcan su frente. Su enfermedad consiste en una especie de inconsciencia constante. Nijinsky vive como en un sueño, y su espíritu parece muerto. Habla muy poco y nunca responde a las preguntas que se le hacen . Pasa los días sentado en un amplio sillón, mirando fijamente el bosque que se extiende frente a él. Sus únicas distracciones consisten en observar los árboles y jugar con cubos de colores y de distintos tamaños. Nijinsky ya no baila. Sin embargo, a veces recuerda… y ejecuta algunos pasos junto a su esposa. Luego vuelve a caer en la nada. Solo su rostro ha envejecido: profundas arrugas surcan su frente Nacido en Kiev en 1889 , todo predestinaba a Nijinsky a convertirse en un gran artista. Primero, su familia: durante cuatrocientos años, los Nijinsky fueron bailarines de padre a hijo. Muy joven, él mismo frecuentó los bastidores del Gran Teatro Imperial de San Petersburgo y vivió siempre en ese ambiente de danza. A los nueve años era el mejor alumno de la Escuela Imperial de Ballets Rusos. A los trece ingresó como solista en la Ópera de San Petersburgo. En esa época, los rusos lo apodaron el “Mozart de la danza”. Su carrera solo duró seis años. De pronto, perdió la razón. Y de un día para otro, dejó de bailar Durante cinco años fue el primer bailarín de Rusia. Luego partió a la conquista de Europa y América. En 1909 vino de gira a Francia con los célebres Ballets Rusos . Una sola noche bastó para consagrar en París su talento genial. Entonces se abrió ante Nijinsky la carrera más prestigiosa de la danza moderna. Recorrió las capitales del mundo e hizo aplaudir sus grandes creaciones, entre ellas el ya clásico El espectro de la rosa. Pero su carrera de ídolo de la danza solo duró seis años. De pronto, Nijinsky perdió la razón. Y de un día para otro, dejó de bailar. "Point de vue", 24 de octubre de 1946 (Texto e imagenes seleccionadas por Luis Antonio Valdivia Durán de Danza libre)