Maribel posee un extraño halo dorado, no lo finge, su elegancia se irradia de forma natural. La miras de cerca y quedas envuelto por su mirada oceánica. Te absorbe. Carece de estridencias. Podría atravesar una estancia en total silencio, tratando de que su presencia no se notara, pero todos los ojos se posarían en ella. Te conduce a su universo. Se encuentra en un momento decisivo de su vida profesional: su adiós a los escenarios, habiendo tenido la oportunidad de alargar su estancia más allá de lo que hubiera podido presagiar o soñar aquella niña a la que un día llevaron ante la maestra Victoria Eugenia (Betty) a que la viera bailar, en el estudio de Karen Taft, para saber si podría o no dedicarse a ello. Su trayectoria está profundamente unida al Ballet Nacional de España, ingresando en la compañía en 1981, bajo la dirección de Antonio el Bailarín, y ascendiendo a Primera Bailarina en 1985, bajo la dirección de María de Ávila. Actualmente, combina su labor de maestra repetidora con papeles estelares como la reciente Madame Otero. Ha sido galardonada con la medalla al Mérito de las Bellas Artes (2021), tiene el honor de ser la única bailarina que, en vida, tiene un conservatorio de danza con su nombre, el de Cádiz, lugar de origen de su familia. Dispuesta a decir adiós a la escena, lo hará por la puerta grande en el Teatro Real de Madrid el próximo 19 de octubre con Medea. Maribel Gallardo, ensayo Medea, Teatro Real. Fotografía Merche Burgos -Te marchas siendo Medea en el Teatro Real, ¿cómo ha sido ésto? -Verás, yo hace cosa de año y medio hablé con Rubén y le dije que me quería retirar de ser bailarina. Es algo que, desde que lo deseo hacer, se ha ido retrasando y retrasando. -¿Desde cuándo lo habías decidido? -Ya en 2001 decidí que no me encontraba para estar como primera bailarina tantas horas. Entonces acababa de nacer mi última hija, que por cierto, en junio pasado se graduó. Pero siempre por "h" o por "b" me han liado en algo. Cuando nació, no me veía con fuerzas para estar al cien por cien. Decidí parar. Así que escogí quedarme en el Ballet Nacional como maestra repetidora y de este modo no tener que viajar tanto; podría estar más tiempo con mi familia. -¿Pero no pudiste dejar de bailar? -Bajo la dirección de Elvira Andrés, bailé; con José Antonio, bailé; entró Antonio Najarro y también bailé... Y ahora con Rubén. Entonces, ¿qué pasa? Hace diecinueve años que había decidido no bailar y seguía sin concluir el capítulo. Hablé con Rubén y le dije: ¡no he cerrado esa etapa! -¿Convenciste a Rubén de que era cierta tu retirada? -Fue muy comprensivo y me hizo un regalo, me preguntó dónde quería bailar mi última función. Maribel niña en la playa -¿Dónde?  -Pensé que en el Teatro de la Zarzuela, porque yo, con solo 8 años, ya pisaba su escenario, y me propuso: ¡pues te vas a retirar en el Teatro Real y con Medea! Me emocioné muchísimo. -Es el momento de que mires a atrás y me cuentes aquellos comienzos. -Empecé con seis años ballet clásico al lado de casa, pero a los 8 años entré en Coros y Danzas, allí descubrí nuevos rumbos, como por ejemplo, comenzó mi pasión por las castañuelas. Función ballet con Maribel ( primera fila a la dcha.) -¿Cuándo comenzaste a tocarlas? -Verás como fue... mi madre iba justa de dinero, y fue un bailarín quien le regaló un par suyo para que yo pudiera tocar. Lo pasé fatal. Mis manos eran pequeñas, no tenía casi fuerza para tocar aquellos palillos tamaño XL. Me costó la vida. Además el maestro Antonio Jarreño, que nos daba clases en la calle Arenal, era muy exigente, nos ponía casi en quinta posición a tocar las castañuelas. A mí me pesaban muchísimo, pero practicaba en casa, y seguía y seguía y cada día me gustaba más. Maribel Gallardo Cuando bailaba con ellas, me sentía muy cómoda. He tenido el privilegio que tanto el maestro Granero como Betty, han creado para mi coreografías con castañuelas. La castañuela es parte de mi ser y deseo seguir dando conciertos con ellas. -Háblame de Betty. -Estando en Coros y Danzas alguien le dijo a mi mamá que había una maestra que era una de las mejores de España. Y fuimos a verla. Victoria Eugenia estaba entonces en el estudio de Miss Karen, en la calle Libertad.  Recuerdo a Betty como si la estuviera viendo ahora. Estaba embarazada de su hijo Fernando. Me impresionó mucho su porte con ese moño recogido y su falda de lunares y un mantoncillo que llevaba; accedió a verme. Maribel con el maestro Jarreño ¿Fue amable con vosotras? -La verdad es que, de entrada, nos advirtió que ella no cogía a niñas que empezaban. Pero mi madre insistió, necesitaba simplemente que nos hiciera el favor de indicarle si yo tenía o no condiciones a fin de no perder el tiempo ni el dinero, porque nosotros éramos 5 hermanos. -¿Recuerdas qué le bailaste a Betty? -Bailé mi repertorio, una especie de popurrí que interpretaba algunos fines de semana en la Casa de Sevilla. Allí me presentaban como a la sustituta de Carmen Amaya (ríe). Es que yo quería ser flamenca. Y cuando Betty me vio bailar, exclamó: ¡esta niña se queda aquí! Juana Taft me becó de por vida con la única condición de que no debía faltar ni una clase. -Me dio mucha pena que falleciera Betty, todos la queriáis mucho. Betty y Maribel -Era muy generosa, ayudaba a todo el mundo, no solo a mí. Ha sido mi amiga, mi confidente, mi coreógrafa, mi directora, mi maestra... hasta el año pasado que nos dejó.  Enseñaba algo más importante que la técnica: sentir. Te enseñaba a bailar desde dentro. Imagínate que, cuando al final de la clase nos marcaba un port de bras y la teníamos que seguir, pues... ¿puedes creerte que a veces, nos paralizaba? No deseábamos bailar porque preferíamos contemplarla. Ella era artista. La familia de Maribel: Currillo sus tres hijos -Cuéntame alguna anécdota suya. -Yo era la más pequeña de la clase y siempre me ponía delante.. Me sentía muy segura de mi misma. Pero un día que vino gente a ver la clase, voy y me coloco en primera fila y... De repente, ordena: "Maribel, ponte detrás". Me sentí chafadísima. La sensación... fue algo humillante, ¿Cómo me ponía detrás atrás, si yo siempre estaba delante? Me fui a casa con ganas de llorar. Pero me dio una lección que nunca olvidaré. Betty y Maribel en Real Academia de las Artes -¿Qué quiso decirte? -Fue crucial lo que me enseñó: "Maribel, nunca te subas a la parra". Betty se dio cuenta de que me estaba endiosando. Si no me hubiera dado esa dosis de humildad, tal vez hubiera pedido el norte. Nadie debe nunca perder la humildad por muy alto que esté. -Lo que me llama la atención de ti, es que todo el mundo te aprecia y eso que en la danza, como en cualquier arte, suele haber rivalidades entre artistas. -He luchado mucho para ser primera bailarina y alcanzar mis metas, y cada escalón lo he subido a base de esfuerzo y trabajo, sin pisar a nadie. Por eso, el respeto que me brindan mis compañeros de profesión es algo que me traspasa el alma. Maribel Gallardo Pero también te puedo decir que he tenido personas a mi alrededor que me han apoyado muchísimo. -Si te pregunto por sus nombres... Seguro que te olvidas de alguien y quedamos mal cuando lo lean. -Afortunadamente, han sido tantos... He vivido una época increíble para la danza, tiempos en que había muchísimas compañías y muchísimo trabajo. Terminé con 14 años la carrera de danza, porque hacía dos cursos por año. En el 2026 cumpliría los 50 años en que pisé por primera vez un escenario. -¿Puedes nombrar a algunos? -Pues mira...El Ballet Folklórico Nacional estaba dirigido por Pilar López y allí estaba María Rosa, Betty, Juana Taft, Manolete, Juan Quintero, Conchita España, Cristina Hernando, Carmen Cubillo, había una cantidad de grandes profesionales, no voy a poder acordarme de tantos, también estaba Jorge Luis, Juanjo Linares, Pedro Azorín... -Madre mía. -Reflexiono y me doy cuenta de que quizá mi máster en danza fue mi paso por el Ballet Folklórico Nacional. Entonces, el primer viaje de mi vida... fuimos al Japón. Tenía 14 años y en Tokio cumplí los 15. Estuvimos como un mes de gira por Japón con Yoko Komashibara, una empresaria con la que a día de hoy sigo en contacto. También mi marido, unos años después, fue de gira con ella. Pero Currillo es menor que yo cuatro años. LLevamos 36 años juntos y tenemos 3 hijos. La vida nos ha ido uniendo de forma increíble. Por eso te digo que he sido muy afortunada. Currillo y Maribel -En esta Medea del Teatro Real, tu marido Currillo va a interpretar a Creonte. -Sí, me hace mucha ilusión. Artísticamente he tenido la suerte de que nos hemos aportado mucho, él es flamenco y yo bailarina, lo que no tenía él, se lo daba yo y al revés. Mi marido es un bailaor buenísimo que ha estado con los mejores, pero te confieso que es un hombre sin ego, odia figurar, ni siquiera va a los estrenos, prefiere ir otro día. Nacieron nuestros hijos, obtuvo la plaza de profesor en el Real Conservatorio de Danza Mariemma, y cambió los escenarios por una vida más introspectiva. -El Ballet Folklorico Nacional duró poco. -Sí, nueve meses, pero fue decisivo. Por ejemplo, María Rosa que estaba allí de artista invitada y primera bailarina, y también me llevó a su compañía cuando la formó. Maribel con María Rosa -María Rosa pone amor en todo lo que hace. -Me enseñó muchísimo, hasta me enseñó a peinarme. Es la gran dama del saber estar, siempre pendiente de cada detalle. Le tengo admiración y cariño. Era un tiempo efervescente, en el que había un montón de compañías, entré en el Ballet Antología, con Alberto Lorca, María del Sol y Mario de la Vega, los padres de Laura del Sol, que también me trataron como una hija, y fue una época maravillosa. Después estuve pues con Rafael de Córdoba, con Luisillo, que hice una antología de la zarzuela en la Plaza de Toros; el Ballet Siluetas con José Antonio y Luisa Aranda. Y también hice televisión. Maribel Gallardo con Adolfo Marsillach -Cuéntame sobre tu etapa televisiva. -Verás, yo era muy muy tímida. Claro que solo tenía unos 17 años. Sentía que dentro de mí se alzaba un muro que me impedía expresar. Me propuse vencerlo. Así conocí a Alberto Portillo. Maribel como Creusa en "Medea" -¿Cómo le conociste? -Porque coreografiaba y dirigía los ballet del famoso programa de RTVE, "Antología de la Zarzuela". Había dos compañías, recuerdo que una grababa el lunes y la otra, un día distinto de la semana. Cuando íbamos a rodar, yo me escondía, me daba vergüenza salir en televisión. Pero Alberto, me descubrió detrás y me llevó delante, y me dio la primera oportunidad de coreografiar, confió en mí. Me puso de repetidora y monté para las actrices. Ja ja, recuerdo que hice aquella canción de "Ay que ver, ay que ver, las cosas que hace un siglo llevaba la mujer". Eso lo monté y me gustó mucho la experiencia porque sentí que confiaban en mí. Me dió seguridad. Superé mi miedo escénico. -Pero tu vida está unida al Ballet Nacional de España, ¿desde cuando formas parte de la compañía? Maribel Gallardo -Cuando se creó el Ballet Nacional de España, en 1978, bajo la dirección de Antonio Gades, no me presenté a las audiciones. No me sentía preparada. Fue más adelante que deseé entrar. Era la época en que Antonio el Bailarín, lo dirigía. Y Betty estaba de maestra en la escuela del Ballet Nacional, pero estaba muy enfadada conmigo, porque no la había aparecido por las clases desde que empecé a trabajar. En septiembre entré en la Escuela del Ballet Nacional y justo, entonces, Rafael Aguilar me propuso contratarme para ir a París con su compañía. Fue un verdadero dilema, porque yo quería ir con él. Le dije: "¡ay, Rafael, por Dios, qué bien, qué ilusión! Lo único que es que quiero entrar al Ballet Nacional"... "No te preocupes", me contestó, "yo hablo con Antonio". Entonces para mi sopresa Antonio le contó que no me podía marchar porque iba a entrar en Ballet Nacional en diciembre. Pero menuda decepción sufrí. -¿Qué pasó? -Que cogieron a otra compañera... Y yo me sentí muy angustiada, porque yo ayudaba en mi casa, necesitaba trabajar. Moví cielo y tierra, hablé con Betty, con María Magdalena, qie también estaba de maestra de danza española, de la que incluso me despedí, le dije que me marchaba obligada porque tenía que seguir trabajando, necesitaba el dinero... Y a los pocos días, me comunicaron que en enero entraba  en el Ballet Nacional de España. -¿Qué año era? -1981, bajo la dirección de Antonio el Bailarín. -¿Cómo te sentiste allí? -Para mí fue tremendo. Cuando Antonio se pasaba por la escuela y nos observaba en las clases, nosotros nos poníamos muy nerviosos. Durante mi formación con Betty, ella siempre nos hablaba sobre Antonio el Bailarín. El era como un dios, un referente. -¿Cómo era como director? -Era muy estricto, le gustaban las cosas muy bien hechas y nada de conformarnos con cualquier cosa. -¿Os seguía impresionando al verle o la confianza os tranquilizó? -La verdad es que cuando yo le veía entrar en el estudio, nos entraba una cosa interiormente, pero no solo a mí, sino a todos. Era un ser tan grande. En varias ocasiones le vi marcando El Molinero, La Molinera, El Corregidor... Era increíble. -Y sobre su faceta personal, ¿qué característica resaltarías de su modo de ser? -Era muy generoso. Viajábamos y solía invitarnos, por ejemplo, el día de su Santo íbamos todos a comer con él. Nunca escatimaba el dinero, todo lo contrario. Maribel y Rubén Olmo en La Bella Otero -¿Qué era lo que más le gustaba de ti como bailarina? -Exactamente, no lo sé. Me llamaba La Gallardo. Le gustaba mucho un pie bien estirado. Yo no tengo un pie ni he tenido nunca un empeine natural. Tengo un pie muy trabajado. Y a él eso le gustaba mucho. Entonces me eligió para la reposición en el Nacional de las Sonatas del Padre Soler. Para mí fue maravilloso. Luego hicimos El Sombrero de Tres Picos, El Amor Brujo... -Y ¿Cómo vivisteis su destitución como director? -Fue un momento muy desagradable. Nosotros no sabíamos nada. Teníamos una tablilla de trabajo firmada por Antonio. Se quitó esa tablilla y cuando volvimos se había puesto otra en su lugar. Fue un momento muy desconcertante. -Entonces, le sucede María de Ávila. -Sí, también fue una etapa apasionante. Le dio completamente la vuelta a la compañía, ella quería savia nueva, potenciar el talento de las nuevas generaciones, quería ayudarnos a brillar. Significó un antes y un después para el Ballet Nacional. Aparecieron grandísimos nuevos bailarines. Selfie de Maribel con Currillo, Antonio Canales y Rubén Olmo -Nombra a algunos. -Estaba Canales, Joaquín Cortés, Miguel Ángel Espino, Lola Greco, Aída, luego entró Antonio Márquez, Javier Latorre, Javier Barón... Fue otra época maravillosa. -¿Hiciste muchos papeles? -Síii. Con "Danza y tronío" hasta me lesioné un pie de tanto bailar, pero no nos importaba, disfrutábamos de aquel nunca parar. Maribel Galallardo ensayo de "Danza y Tronío" - Y ¿Medea? -Primero hice la novia. Ya hace treinta años que fui Medea por primera vez. Ahora lo siento diferente, lo he madurado al extremo, creo que hoy soy mejor que he sido nunca con la Medea. Va a ser mi adiós. He pasado por todas las direcciones del Ballet Nacional, menos por la de Antonio Gades, aunque he tenido la fortuna de bailar Bodas de Sangre con él en el décimo aniversario. Maribel Gallardo con María Rosa y José Antonio - Con José Antonio también bailaste. -Sí, José Antonio fue otro de mis sueños cumplidos. Yo de jovencita lo vi bajo la dirección de Gades interpretando Puerta de Tierra con Luisa Arana. Me quedé fascinada. El día que bailé con él se lo dije: "José, ¿tú sabes que era uno de mis sueños? Bailar contigo... y hoy lo cumplo." Nos abrazamos y tal como te cuento, Mercedes, son regalos que me ha dado la vida, sin buscarlos, sin mover nada. El universo se encargaba de todo, es lo que yo les digo a mis hijos. Hay que creer desde el corazón, porque si tú quieres algo desde el corazón, se te cumple. Maribel Gallardo como Medea, ensayos Teatro Real. Fotografía Merche Burgos     MERCEDES ALBI

Manuel Coves (director musical), Maribel Gallardo (bailarina, Medea), Javier Palacios (reposición de Medea), Eva Yerbabuena (bailarina, Medea), Rubén Olmo (director BNE) y Joan Matabosch (dir. artístico del TR). El Teatro Real y el Ballet Nacional de España rinden homenaje al genial bailarín y coreógrafo José Granero (1936-2006) Bolero © Merche Burgos | BNE ·         Se ofrecerán cuatro funciones los días: 16 y 17 de octubre, a las 19.30 horas; el día 18, a las 21.00 horas, y el día 19, a las 18.00 horas. ·         El programa recoge cuatro de las coreografías más emblemáticas de Granero: Leyenda (Crónica de un amor no consumado), Cuentos del Guadalquivir (Paso a dos), Bolero y la icónica Medea, protagonista absoluta de la segunda parte. ·         Dos grandes bailarinas se pondrán en la piel de Medea sobre el escenario del Teatro Real: Eva Yerbabuena (16, 17 y 18) y Maribel Gallardo (19). ·         El programa se completa con dos estrenos absolutos: Segunda piel, de Miguel Ángel Corbacho, y Arriero , de Eduardo Martínez. ·         Las actuaciones contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección musical de Manuel Coves. Dévora Martínez y José Manuel Benítez en Leyenda © Merche Burgos | BNE Entre el 16 y el 19 de octubre el Ballet Nacional de España estará en el Teatro Real para ofrecer cuatro funciones con las que quiere rendir homenaje a una de las figuras más importantes de la historia de la danza en España, José Granero (1936-2006) , al que dedicará un cuidado programa compuesto por cuatro de sus coreografías más emblemáticas y dos nuevas creaciones que recogen su legado y lo interpretan con la mirada del siglo XXI. Eva Yerbabuena y Fran Velasco en Medea © Merche Burgos | BNE José Granero , bailarín y coreógrafo español de origen argentino, al que todos se refieren como Maestro, es el gran referente de la nueva composición coreográfica del baile español, al que dotó de una capacidad narrativa y una teatralidad que han mantenido vivas sus creaciones hasta hoy y han servido de guía y camino a los nuevos creadores. Comenzó sus estudios en el Teatro Colón de Buenos Aires, antes de viajar a Nueva York para completar su formación en las escuelas del New York City Ballet, Martha Graham y Hanya Holm. A su llegada a España trabajó como bailarín en las compañías de Mariemma, Pilar López y Luisillo, donde se apasionó con la danza española. Después llegarían sus primeros trabajos coreográficos para José Greco y Antonio Gades, la fundación del Ballet Español de Madrid y sus inolvidables creaciones para el Ballet Nacional de España. Evayerbabuena en Medea © Merche Burgos | BNE Rubén Olmo , director del Ballet Nacional de España, en su afán de recuperación del repertorio coreográfico de la compañía, ha seleccionado cuatro obras de José Granero para este homenaje que verán la luz, por primera vez, en el Teatro Real: Leyenda (Crónica de un amor no consumado), Cuentos del Guadalquivir (Paso a dos) y Bolero y la icónica Medea, protagonista absoluta de la segunda parte del programa, que regresa al escenario de la plaza de Oriente tras su paso en 2003 para celebrar el 25 aniversario del Ballet Nacional de España con la participación, en aquella ocasión, del genial Manolo Sanlúcar. Las funciones de Medea tendrán a dos grandes bailarinas en el papel principal: Eva Yerbabuena (artista invitada los días 16, 17 y 18) y Maribel Gallardo (cuya actuación, el día 19, será su despedida de los escenarios). Maribel Gallardo y Eva Yerbabuena, dos de las Medeas Medea es uno de los mejores ballets teatralizados del flamenco. Su dramaturgia, escrita por Miguel Narros sobre la tragedia de Séneca, la música de Manolo Sanlúcar y la coreografía de José Granero, componen un espectáculo desgarrador, sin fisuras, un relato de amor, traición y venganza, cuyo valor artístico ha permanecido inalterable hasta hoy. Galardonada con el Premio de la Crítica de Nueva York el mismo año de su estreno (1988) es, posiblemente, el trabajo coreográfico más interpretado y reinterpretado de la historia de la danza española. Dos estrenos absolutos, uno de Miguel Ángel Corbacho, Segunda piel y otro de Eduardo Martínez, Arrie ro. El programa se completa con tres nuevas creaciones que miran al legado de Granero para reinterpretarlo y, a través del lenguaje del siglo XXI, mantenerlo vivo y reivindicar su actualidad. Dos estrenos absolutos, uno de Miguel Ángel Corbacho, Segunda piel y otro de Eduardo Martínez, Arriero. Débora Martínez en Leyenda © Merche Burgos | BNE Las actuaciones contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real , bajo la dirección de Manuel Coves , para interpretar obras de Isaac Albéniz, Maurice Ravel, Domenico Scarlatti, Moreno Torroba, Nin Culmell, Martínez Palacios, Manolo Sanlúcar y José Luis Greco. Eva Yerbabuena en Medea © Merche Burgos | BNE

Antonio Najarro excede cualquier clasificación, si lo constriñes en un molde se escapa. Actualmente al frente de su compañía y coreografiando sin cesar, su espíritu transita por una superficie de ideas, formas y colores que cobran forma en escena, pero también en cine y hasta en las coreografíade patinaje sobre hielo... La complejidad estriba en como definirlo o sintentizarlo. Es como si hubiera varios porque con esa inmensa capacidad de trabajo parece que se  multiplica. El pasado verano su compañía cosechó un gran éxito con "Romance sonámbulo" en el Teatro Español; en unos días en el Teatro de la Zarzuela se alza el telón para "La Argentina en París". En el campo del patinaje artístico sobre hielo, se enfrenta a un próximo desafío como es montar una coreografía para los estadounidenses Madison Chock y Evan Bates, tricampeones del mundo (2023, 2024, 2025), en los Juegos Olímpicos de Invierno que se celebrarán en Milán-Cortina en febrero. Es que 2026 será un año decisivo para el artista, cuya agenda está rebosante de retos y novedades.   - Entre tu y yo...¿cuál es el secreto para conseguir que una compañía privada de danza, se programe en dos teatros como la Zarzuela y el Teatro Español en tan escaso margen de tiempo? -Yo, ante todo, estoy encantado tanto de que ambos teatros apuesten por la danza; tanto Eduardo Vasco, director del Teatro Español, como Isamay Benavente, directora del Teatro de la Zarzuela, han encontrado en mi trabajo una continuidad de la labor que realicé en el Ballet Nacional de España. -¿Qué es lo que te mueve? -Mi objetivo, lo que busco, es mostrar la excelencia y grandiosidad de la danza española. Es un camino que emprendí en el año 2000 creando mi compañía, y tras el paréntesis de los 8 años en la dirección del BNE, lo he continuado. -¿Es necesario que se programe más danza en los teatros? -Por mi parte, me enorgullece haber encontrado encontrado en el Teatro de Zarzuela y el Español unos nuevos aliados, pero ya que carecemos de un Teatro Nacional de la Danza, aunque, actualmente, el Teatro del Matadero, dirigido por María Pagés y Sidi Larbi, ha significado una gran oxigenación para la danza en Madrid, soy firme partidario de la creación de un gran teatro nacional con todas las posibilidades técnicas y de difusión que nuestro arte se merece. - Háblame del éxito que cosechaste con "Romance sonámbulo" en el Español, ¿cómo fue que lo programaron? -Eduardo Vasco, director del teatro, conoce mi trabajo, y le interesó que un ballet inspirado en los poemas de Federico García Lorca, que además estaban declamados por el bailarín solista Daniel Ramos. Así que decidió incluir Romance sonámbulo en la temporada, y fue un éxito. Se colgó en cartel de "sold out" en todas la funciones, y podíamos haber prorrogado durante mucho tiempo. - Bueno, ahora en el Teatro de la Zarzuela el público podrá disfrutaros desde el 23 al 26 de octubre. -La directora Isamay Benavente está muy interesada en la labor de recuperación de los ballets Antonia Mercé, por eso ha programado "La Argentina en París". - ¿Es complicado llevar tantos espectáculos en funcionamiento? -Exige mantener un nivel de calidad además de una gran capacidad de adaptación de los artistas. - Habéis hecho audiciones para tu compañía. Eso supone un esfuerzo adicional incorporar nuevos artistas que tendrán que aprender los papeles desde cero. -Buscaba una bailarina cuyo perfil se adecuara a mi compañía y, en efecto, al  estar girando con 4 espectaculos tan diferentes:  Alento, Querencia, Romance sonámbulo y "La Argentina en París"... Imagínate lo que eso supone. Antonia Mercé, La Argentina - No se cómo puedes con tanto, es un no parar. -Me mueve la ilusión. Mira te voy a contar una novedad. - ¿Qué novedad? -Seguimos recuperando la obra de Antonia Mercé, La Argentina, con otros ballets. -¿Dónde y cuándo se estrenan? -En la Fundación Juan March el 14 enero, se podrá también ver en streaming y se retransmitirá por Radio Clasica. Pero girará mucho porque es una coproducción en la que además de la Fundación, colaboran: Teatro de la Maestranza de Sevilla, Auditorio de Tenerife, El Festival de Granada, El Teatro de la Zarzuela... -Entonces, ¿se verá en todos esos teatros y en otra vez visitáis la Zarzuela la próxima temporada?   -Sí, estamos muy felices. Se titulará: "Les Ballets Espagnols de La Argentina", que que es como se denominaba la compañía de Antonia Mercé cuando la creó en París hace cien años. -¿De qué se trata? -Va a ser como una segunda parte de "La Argentina en París", y si en este rescatamos "El contrabandista" de Óscar Esplá y "Sonatina" de Erenesto Halfter; en "Le Ballets Espagnols de La Argentina, me adentro en las partituras de los ballets titulados: "Juerga" (Julian Bautista) y "Triana" (Isaac Albéniz) y los recreo. - Tu proyección internacional como coreógrafo es algo que no se limita a la danza, sino que hasta has creado danzas para un film de animación, Wish, de Disney; y los éxitos en el ambito de la natación sincronizada o el patinaje artístico. - Ahora estoy montando una coreografía para los estadounidenses Madison Chock y Evan Bates, tricampeones del mundo (2023, 2024, 2025), en los Juegos Olímpicos de Invierno que se celebrarán en Milán-Cortina en febrero. - Y ¿cómo es que unos patinadores de semejante nivel, sin ser españoles escogen lo nuestro para su próxima competición? - Madison Chock y Evan Bates, que han alcanzado la cumbre mundial, se estimulan con nuevos retos de forma constante, buscan la originalidad y tratan de elevar al máximo la expresividad artística de la disciplina. Vamos a por el oro olímpico. Madison Chock y Evan Bates -¿Y cómo es esta coreografía de patinaje sobre hielo? -Es un punto de unión del flamenco y la danza española con el patinaje sobre hielo. Ya lo lo veréis. Antonio Najarro con Madison Chock y Evan Bates -Será muy emocionante. -Emoción no va a faltar, eso te lo aseguro. MERCEDES ALBI

En el Ciclo Canal Baila, Estela Alonso, bailarina solista del Ballet Nacional de España y reciente galardonada con el Premio Revelación del Festival de Jérez 2025 , ha estrenado su nuevo espectáculo bajo el título "Aquellas que habitan en mí". Las entradas se agotaron el mismo día que salieron a la venta, pues la joven bailarina genera mucha expectación entre los aficionados a la danza española. Además, se encuentra en el preciso momento en que poco a poco va dejando de ser talento emergente para configurar una madurez que presagiamos dichosa. Posee dentro del clásico español un virtuosismo técnico que luce desde los pies a la cabeza. Y no solo se trata de ser una buena bailarina, porque cuando se forja una estrella, su cuerpo no lo es todo, sino que su mente ocupa asimismo un papel primordial. Si se analiza la evolución es posible observar la existencia de unas condiciones de carácter que la separan de la homogeneidad del conjunto . Es una especie de capacidad, una necesidad no forzada se sobresalir, son ejemplos vivos del aquel concepto de voluntad enunciado por el filósofo Schopenhauer . "el cementerio está lleno de valientes, pero de los cobardes, nunca se ha dicho nada" Con “Aquellas que habitan en mí” y a lo largo del desarrollo del la obra, Estela fue mudando de traje y de piel , revelando a las mujeres que forman parte de sí misma. Su dominio del cuerpo es absoluto, mostrando unos equilibrios y giros de sobresaliente. El público percibió desde el primer momento que se encontraba ante la presencia de una gran bailarina. -Qué bien baila…, exclamé. -Y expresa, asintió el maestro Alberto Portillo. Estela embelesó. Se va trasformando. Surge en escena como una Coppelia, la muñeca que adorna la cajita de música y va cobrando vida. El toque balletístico de Mar Aguiló se percibe al principio, combinando elegancia y técnica clásica; y la coreografía de una güajira sin abanico, lleva el sello de Nani Paños . El resto es todo made in Estela. Ella se entrega, desde su técnica ahonda en su misma raiz. Fue precioso el homenaje que baila al folklore salmantino, de donde procede su familia paterna, seguido de un especial recorrido por los ritmos flamencos, que más que estilizados, sería mejor definirlos como producto de su propia fantasía , de su lado onírico, destacando la farruca sinuosa y elegante con que nos obsequió en la segunda parte, que culminó con una briosa danza con castañuelas que supo cerrar de manera suave, en hermosa transición, un poco perturbada por el sonido demasiado inmediato de los aplausos entusiastas. Su personalidad como bailarina también se encuentra en las ondulaciones que traza con su cuerpo. A veces se asemeja a un duende travieso transmitiendo una vivacidad única . Es esa ligereza veloz con la que llena todo, la que contribuye a que parezca superior en zapatillas frente al zapato. Es una ligereza veloz con la que llena todo, la que contribuye a que parezca superior en zapatillas frente al zapato. Y Estela tiene muy buen gusto, se nota en el control de todos los detalles, tanto en la iluminación como en el vestuario o en el espacio sonoro... No ha escatimado en nada y está acompañada por un equipo francamente bueno: 3 músicos excepcionales (José Almarcha, Iván Mellén y Bruno Duque) junto a la cantaora Gema Caballero , con unas canciones de contenido poético. Es imposible sentirse defraudado con una artista en la que se percibe de principio a fin una absoluta entrega. Ella misma lo expresó en el coloquio posterior a la actuación, recordando el consejo de su maestra: "el cementerio está lleno de valientes, pero de los cobardes, nunca se ha dicho nada". MERCEDES ALBI

Cartel de "Notas de esperanza" por Vera Galindo Si Viena tiene su vals, Madrid tiene su zarzuela , y afortunadamente, nuestro género ha estado muy presente el actual mes de septiembre en la cartelera madrileña. Ha sido por partida doble y desde enfoques tan diferentes que merece la pena reflexionar sobre estos dos espectáculos: "El orgullo de quererte" , zarzuela de nuevo cuño estrenada en los teatros del Canal, con música de Javier Carmena ; y el concierto "Notas de esperanza", una gala de zarzuela a través de las piezas más emblemáticas del repertorio, que tuvo lugar ayer en el Auditorio Nacional de Música, organizada por Aragón Solidario y la Fundación Josep Carreras. entre entretener o emocionar, hay un abismo Existe un automatismo que se produce en el público , algo inconsciente que se despierta y que en "Notas de esperanza" se activó. Así, después de los bises, cuando sonaron los últimos compases de la "Jota de la Dolores" y conscientes que que habíamos llegado al final, se sintió un algo que electrizó la atmósfera e hizo que el público, como un resorte, se pusiera en pie llevado por el fervor . Sin embargo, con  "El orgullo de quererte", aunque fue muy aplaudido, no sucedió lo mismo, a pesar de la perfecta ejecución de casi todos los elementos y con un presupuesto altísimo. Y es que, entre entretener o emocionar, existe un abismo. Me pregunto sobre la naturaleza de ese abismo. Los tiempos cambian, es indudable, y fenómenos como la ópera y la zarzuela poseen un límite temporal a pesar de que se intente ampliar su historia con obras contemporáneas, que no suelen quedar adheridas en la memoria, pasan y se marchan sin trascender la barrera de lo efímero . En el insconciente colectivo existe una música insustituible que viaja directa a la emoción. Eso fue "Notas de Esperanza". Una de las claves del fenómeno podría estar en una conversación que escuché a la salida entre dos hermanos: -¿Sabes en quién pensé?- Le preguntaba uno al otro. -En mamá, cuando cantaba en la cocina. Este dialógo, que es en apariencia una simplificación, resume perfectamente lo que sucede. Poco o nada se puede hacer frente a ello. La carne, la esencia de la que estamos tejidos, vence sobre el artificio. Los medios técnicos se postergan, palidecen frente a la desnudez de la memoria. Y es que existe una pureza escondida en todo lo que se hace de corazón En la primera parte de "Notas de esperanza", la pianista Marta Vela acompañó al tenor Ignacio Prieto y a la soprano Marta Notivoli en algunas de las romanzas más hermosas del género, como "No puede ser" de la Tabernera del Puerto o "El tango de la Menegilda" de La Gran Vía... Y en la segunda parte, la Unión Musical de Villanueva de Gállego con el coro Hiberi Voces y los solistas, interpretaron algunas de las páginas emblemáticas de zarzuela, muy bien escogidas y perfectamente sincronizadas. Dos parejas de bailarines no profesionales danzaron un chotis, y otras dos parejas, miembros del grupo "Templanza Aragonesa" bailaron la jota. No se necesitó nada más. Y es que existe una pureza escondida en todo lo que se hace de corazón. MERCEDES ALBI

El Teatro Real presenta la VIII Temporada de Flamenco Real: legado y vanguardia en alianza con algunas de las grandes instituciones del flamenco   FLAMENCO REAL, PATRIMONIO VIVO Y VANGUARDIA EN UNA PROGRAMACIÓN ÚNICA   ·         El próximo 15 de octubre, dos cabezas de cartel abrirán la VIII Temporada de Flamenco Real: Fuensanta “La Moneta”, al baile, y José Fermín Fernández, al toque.   ·         La VIII Temporada nace de una alianza con algunas de las instituciones más emblemáticas que custodian y promocionan el flamenco en España: La Platería, Festival Flamenco Ciudad de Huelva, El Almíbar, El Taranto, Juan Breva, Festival Internacional del Cante de las Minas, La Perla de Cádiz, Los Caminos del Cante y Bienal Flamenco Madrid.   ·         Cada mes se estrenará un nuevo espectáculo, del que se ofrecerán tres funciones. En días sucesivos a las 20:00 h. Los viernes 19 de diciembre, 20 de marzo y 26 de junio se ofrecerán dos pases (19:00 y 21:00 h). El próximo 15 de octubre el Teatro Real , en coproducción con SO-LA-NA, inaugurará la VIII edición de Flamenco Real, consolidando el Salón de Baile de Isabel II como un espacio de Flamenco único en España, donde conviven la raíz y la creación contemporánea. La nueva temporada se articula en torno a una red de instituciones del flamenco - festivales y peñas históricas - que avalan a los artistas y refuerzan el compromiso de Flamenco Real con la preservación y proyección futura del arte jondo. La programación 2025/2026 propone nueve citas mensuales, con tres funciones por programa , cada una de ellas compuesta  por dos cabezas de cartel , en las que el baile siempre estará presente, con más baile, cante o toque, acompañado del elenco correspondiente, poniendo en diálogo a bailaores, cantaores y guitarristas de referencia. Esta fórmula recorre toda la temporada, con inicio del espectáculo a las 20.00 horas, salvo los viernes 19 de diciembre, 20 de marzo y 26 de junio se ofrecerán dos pases (19:00 y 21:00 h). El arranque de temporada será los días 15, 16 y 17 de octubre y llegará de la mano de Fuensanta “La Moneta” y del guitarrista granadino José Fermín Fernández , en un programa avalado por La Platería de Granada , decana de las peñas flamencas, en el que se podrá disfrutar de afinidad artística profunda que nace del baile poderoso y personal de La Moneta con el compás y la musicalidad de Fernández, ganador del Bordón Minero (2019). Flamenco Real se enmarca en la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el  Teatro Real desde casi una década en coproducción con SOLANA Entertainment, que además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer , organiza giras internacionales, bajo la marca Authentic Flamenco que continúa extendiendo el flamenco por el mundo, y suma ya centenares de funciones y cientos de miles de asistentes , con hitos recientes en Asia y Europa, confirmando el alcance global de la propuesta. Programación VIII Temporada 2025–2026 2025 Octubre (15, 16 y 17) —La Moneta & José Fermín Fernández.  La Platería (Granada). Noviembre (19, 20 y 21) — Salomé Ramírez & Miguel Ángel Heredia. Los Caminos del Cante (Jerez). Diciembre (17, 18 y 19) — El Choro & Paula Rodríguez. Festival Flamenco Ciudad de Huelva. (Vie 19: doble pase 19:00 y 21:00).   2026 Enero (21, 22 y 23) — José Maya & Alejandra Hernández. El Almíbar (Córdoba). Febrero (18, 19 y 20) — Sonia Miranda & Aitana Rousseau. El Taranto (Almería). Marzo (18, 19 y 20) — Juan de Juan & La Lupi. Peña Juan Breva (Málaga). (Vie 20: doble pase 19:00 y 21:00). Abril (15, 16 y 17) — Mónica Iglesias & Luis Mariano. Bienal Flamenco Madrid. Mayo (20, 21 y 22) — El Junco & Caracolillo de Cádiz. La Perla de Cádiz (Cádiz). Junio (24, 25 y 26) — Alba Heredia & Ricardo Fernández del Moral. Festival Internacional del Cante de las Minas (La Unión):. (Vie 26: doble pase 19:00 y 21:00).   Instituciones del Flamenco participantes en la VIII edición Festival Flamenco Ciudad de Huelva, La Platería (Granada), Los Caminos del Cante (Jerez), Festival Internacional del Cante de las Minas (La Unión), El Almíbar (Córdoba), El Taranto (Almería), Juan Breva (Málaga), La Perla de Cádiz (Cádiz) y Bienal Flamenco Madrid. Aurelio Solana , presidente de SO-LA-NA; Ignacio García-Belenguer  y  Borja Ezcurra , directores general y adjunto del Teatro Real, y  Juan Oliva , director de la Peña La Platería.

Lucía Campillo en "Bendita tú" Mañana y el miércoles la cita es con el flamenco de Bendita tú de Lucía Campillo y el sábado y el domingo con la danza contemporánea de Manuela Barrero en De Medea a Pasolini Bendita tú de Lucía Campillo y De Medea a Pasolini de Manuela Barrero llegan esta semana al escenario de la Sala Negra de Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid dentro del ciclo Canal Baila, que reúne a las compañías y creadores que han desarrollado sus piezas en residencia en el Centro Coreográfico Canal durante la última temporada.  Lucía Campillo | Bendita tú Lucía Campillo ( Bendita tú , 16 y 17 de septiembre) utiliza el flamenco para crear una peculiar oda coreográfica a los gestos cotidianos del otro en Bendita tú, que se estrena mañana y el miércoles. La nueva creación de Lucía Campillo nos descubre lo extraordinario que esconden los gestos de cada día de nuestros cuerpos. El miércoles habrá un encuentro con el público después de la función. Manuela Barrero "De Medea a Pasolini" Manuela Barrero | De Medea a Pasolini La búsqueda de nuevas formas de expresión  está presente en Manuela Barrero ( De Medea a Pasolini , este sábado y domingo), que traza una coreografía en la que lo ancestral y lo contemporáneo se funden para hablar de la delgada línea que separa el bien del mal. Coincidiendo con el 50 aniversario del asesinato de Pasolini, la creadora lo invoca junto a Medea con una liturgia musical que bebe desde Nina Simone a Beethoven.

"Fractus" . @Lehónidas Boskovec FRACTUS ,  de las compañías Manuela Nogales Danza y Compañía Fernando Romero continúa esta semana el ciclo Canal Baila en  Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid , que  reúne a diez compañías y creadores que han desarrollado sus piezas en residencia en el Centro Coreográfico Canal durante la última temporada y que se exibirán en la Sala Negra hasta el 19 de diciembre en dos funciones cada espectáculo.  Manuela Nogales Danza y Compañía Fernando Romero |  FRACTUS El origen creativo y conceptual de  FRACTUS   (hoy y mañana, Sala Negra) nace de una colaboración de másde 20 años entre Manuela Nogales y Fernando Romero. La obra parte de lo fractal, lo repetitivo, que enlazado a una música mayormente percutiva, es continuista de la trayectoria y discursos que ambas compañías han propuesto a lo largo de sus carreras. Nogales y Romero ofrecen Fragmentos de experiencias de cuerpos llevados por el flujo de imágenes, recursos, urgencias y memorias que materializan la implicación del sujeto, la manifestación de las propias integridades y maneras de ser.

Imagen creada por Virginia Rota para la obra La nueva era de La Tarara. Surge Madrid alienta la experimentación escénica y reivindica las salas alternativas con 56 propuestas en su nueva edición  La Muestra de Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid celebra su duodécima edición del 18 de septiembre al 12 de octubre en 21 salas de la capital y de los municipios de Alcorcón y Navalcarnero La programación presenta 34 estrenos, 13 actividades transversales, 7 propuestas emergentes, 2 en la sección Conexión Iberoamericana 2 y el Festival de Otoño exhibirá HAXÄN  de George Marinov, producto de la colaboración con Surge Espectáculos de teatro, danza, performance  y música, unidisciplinares o multidisciplinares, abordarán temas como el amor, la experiencia de vivir en Madrid, la salud mental, la precariedad laboral, el poso de la guerra civil, el deseo de la mujer y los abusos sexuales Imagen promocional de HAXÁN de George Marinov. @Virginia Rota Surge Madrid, la muestra de la experimentación de las artes escénicas de la Comunidad de Madrid, presentará en veintiuna salas de la capital y de los municipios de Alcorcón y Navalcarnero, 56 propuestas que reflejan la pluralidad estética, política y poética de este encuentro cultural que alcanza su duodécima edición. DETALLE DE LA PROGRAMACIÓN _mov (i) miento en.com (bate) – 26demarzo | Réplika Teatro | 18 de SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/35-mov-i-minento.html Coreografías Virtuales. Tik Tok y movimiento(s) futuro(s) – Mauricio Pérez Fayos | Réplika Teatro | 18 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/36-coreografias-virtuales.html Self pleasure – Celia Re yes | Réplika Teatro | 19 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/39-self-pleasure.html Sudario – Carmen Quismondo | Réplika Teatro | 19 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/40-sudario.html ARARAQUARA – Pedro Berdäyes | Teatro Pradillo | 27 y 28 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/05-araraquara.html Aplausos a Teresa – Cía Tribueñe-Entrecomillas | T. Tribueñe | 28-29 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/04-aplausos.html Le Plaisir – Elena Esparcia | Nave 73 | 4 y 5 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/19-plaisir.html Un grito, un lugar – Mar López y Clara Pampyn | Teatro Pradillo | 4-5 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/31-un-grito.html FLEETING MATTERS – Begoña Quiñones y Verónica Garzón | Sala Exlímite | 10 y 11 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/13-fleeting-matters.html Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá – Las Ignífugas | La Mirador | 11 y 12 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/09-bomba.html Self pleasure – Celia Reyes | Réplika Teatro | 19 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/39-self-pleasure.html La Muestra de Creación Escénica Surge Madrid en otoño, cuya programación ha presentado esta mañana en la Sala Réplika el consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano , junto a sus coordinadores, Alberto García  y Natalia Ortega , se desarrollará entre el 18 de septiembre y el 12 de octubre con una programación conformada por treinta y cuatro estrenos, trece actividades transversas y siete creadores emergentes. Espectáculos de teatro, danza, performance  y música, bien unidisciplinares o multidisciplinares, abordarán temáticas como el amor, la experiencia de vivir en Madrid, la salud mental, la precariedad laboral, el poso de la guerra civil, el deseo de la mujer y los abusos sexuales. Y revisarán libremente clásicos como Bodas de sangre, El Quijote, Medea  y Fuenteovejuna .  Estas propuestas  “ responden a una constelación de visiones, enfoques y preguntas que se proyectan desde el estimulante territorio de las salas alternativas de Madrid, auténticos laboratorios y plataforma de una escena que experimenta, que quiere abrir caminos o iluminar sobre aspectos de calado social a veces soslayados”, explican los coordinadores del festival, Alberto García  y Natalia Ortega . Surge Madrid, por tanto, “no propone respuestas, sino caminos para explorar: propuestas que se atreven a mirar lo cotidiano desde otro ángulo, a incomodar lo esperado, a crear belleza desde lo subalterno…”. Paralelo a estas propuestas se presentará la pieza HAXÄN  del creador George Marinov  quien junto con su agrupación Eskatón  estrenan este trabajo en el 43º Festival de Otoño  fruto de la colaboración entre ambos eventos escénicos que marcan el calendario del otoño teatral madrileño. El consejero de Cultura junto a autoridades, los coordinadores del festival, representantes de salas y de compañías, en la presentación esta mañana en Réplika Teatro. ©Pablo Lorente Creación Iberoamericana y estrenos En su dimensión internacional, la muestra da cabida a la creación hispanoamericana en colaboración con Hispanidad 2025 , festival de la Comunidad de Madrid, con dos piezas en la sección Conexión Iberoamericana: el trabajo de deambulación colectiva propuesto por Julieta Koop  y Danae Cisneros  bajo el título Vivir en una casa prendida fuego; y la intervención plástica Del teatro al mural  que pondrá el broche final a esta edición de la mano Ame en la tierra. Un gesto que refuerza ese imaginario compartido entre territorios y lenguajes. El apartado de Estrenos lo componen "FURIA" Unidad de Intervención Rápida  de Teatro de Operaciones - Teatro La Usina, _pluma  de Anto Rodríguez , 2150 de Rateatro, Aplausos a Teresa  de Cía Tribueñe-Entrecomillas teatro, ARARAQUARA  de Pedro Berdäyes , Bodas sin sangre  de La Belloch Teatro, BORDE[R]  de la Cia. del Sr. Smith , CARCOMA  de CALATEA, Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá  de Las Ignífugas, Don Quijote a voces  de Elfo Teatro , El hambre imposible de ser normal  de Teatro de los Invisibles, el tembleque  de Aurora García Agud  e Iván Mozetich , FLEETING MATTERS  de Begoña Quiñones & Verónica Garzón , FUENTEOVEJUNA. Esto se nos fue de las manos  de Teatro Cualquiera, Holocausto de oxígeno  de Inervo art, Instrucciones para crear una utopía  de La Rueda Teatro Social, LA NUEVA ERA  de Marie Delgado /La Tarara Company, La Protagonista  de Patricia Benedicto, Le Plaisir  de Elena Esparcia, Lo de los besitos  de Teatro al vuelo (TAV), LOS VIRTUOSOS. 30 AÑOS TEATRO DEL ASTILLERO  de TEATRO DEL ASTILLERO, Maldita Medea  de Producciones Garrote, Más miedo que vergüenza  de Elvira Barmeri  y Leire Asarta , Nadie sabría decir lo que puede un encuentro  de A TEMPO DE FURIA / Egozkue y Paz, Nancy tuvo un hijo  de Rafa Fdez. Mullin , Paloma Calle que se calle  de Paloma Calle , Permanencias de memoria sin lenguaje de Miren Muñoz  y Denislav Valentinov , Pongamos que hablo de Madrid  de La Vaca Naranja, RockValdi  de La Mayko producciones, TODAS SOMOS BABY JANE  de Antonio L. Pedraza  y Álvaro Prados , Un grito, un lugar  de Mar López  y Clara Pampyn , VITIS VINIFERA  de AMELIA REPETTO, Waltus  de LAGRADA Producciones Teatrales, S. L. y ZORRA DORADA  de Elisa Forcano . Las siete propuestas de Emergentes para compañías y creadores noveles son _mov (i) miento en.com (bate)  de 26demarzo, Coreografías Virtuales: TikTok y movimiento(s) futuro(s)  de Mauricio Pérez Fayos , coser y contar  de Irene Maquieira, Nunca Estoy.mp3  de Ultranostalgik, Self, Pleasure  de Celia Reyes , Sudario  de Carmen Quismondo  y XULA, GUAPA Y CHISPERA  de Colectivo Chipén. Las Actividades Transversas, que prima géneros poco programados, la investigación y la experimentación, ha seleccionado CASA/PIEL  de Alba González Herrera , Celebremos otro año que se pasa  de Camila Carreira , Distrito Diógenes  de Cráter, El gabinete de las ilusiones: Sr Livingstone  de Imagina Magia, ENARBOLARSE  de Ksenia Guinea , ENTRE CAÑAS Y BARRO  de DANTE, A.C., FRACCIÓN  de Virginia Rodríguez , Historias de amor a la vida de RESIDUI TEATRO, Ser Bailarina -Pregunta Colectiva-  de Inés Narváez  - 10&10, Stanza di Pasolini  de Malala Producciones, The Gold Collection  de Quemar las Naves, ¿Tú me entiendes?  de Teresa Rivera  e Y si fuéramos  de Virginia Rota . &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ayer en la Sala Negra de los Teatros del Canal ha tenido lugar el primer espectáculo del ciclo Canal Baila . Es un privilegio poder disfrutar de esa intimidad que transmiten los espacios pequeños cuando el artista es grande, y aquí lo fueron por partida triple: Paula Comitre, Florencia Oz y Carmen Angulo , acompañadas por la cantante Rocío Luna . El número de tres tiene un significado mágico, es el triángulo que contiene el simbólico ojo que todo lo ve , es lo impar, lo asimétrico e irreductible; es drama y es juego, es lo que no se puede encajonar. Pero ellas lo hicieron armónico, deslizándose en un espacio sonoro sutil y continuo , mecidas por la voz redonda de Rocío Luna. Era un espacio vacío que ellas llenaron. No había cromatismo, el vestuario elegantemente atemporal en colores negros y la iluminación compuesta a base de focos horizontales, remarcaba la pureza de las líneas . Eran las parcas, las deidades que trazan y mueven el hilo de la vida . Esa cuerda que las unía y las separaba, que unas veces era gruesa y mullida y otras áspera y cortante, simbolizaba el transcurrir, los ciclos vitales , también representados por la diferencia de edad de unos diez años, entre cada bailarina. Ellas diferentes, pero muy bien coordinadas, tuvieron su personalidad y su propio espacio, desde el drama de la soledad individual, mostrado en sus solos , hasta lo festivo del ciclo de la cosecha expresado a través del folklore.  Fue un espectáculo en el que mereció la pena recrearse. MERCEDES ALBI

Un Viaje en el Tiempo a Través de la Danza: Huesca acoge un espectáculo único que recrea el espíritu de los años 70 y la magia del medievo. La noche del 6 de agosto de 2025, la Plaza General Alsina de Huesca se ha transformados en un gran escenario al aire libre donde la danza, la historia y la ficción se entrelazaron para ofrecer al público una experiencia inmersiva sin precedentes. Ha sido retransmitida en directo por la televisión deL Alto Aragón Huesca acogió una propuesta artística innovadora que combina el lenguaje universal de la danza con una narrativa envolvente que ubica en dos épocas distintas, pero profundamente evocadoras: los vibrantes años 70 y la enigmática Edad Media. Este espectáculo de danza, concebido como una ficción escénica, tiene como punto de partida la llegada de una compañía de danza imaginaria a la ciudad de Huesca en plena década de 1970. A través de una cuidada puesta en escena, los intérpretes nos mostrarán el proceso íntimo y cotidiano de preparación de un grupo de bailarines : desde el calentamiento corporal y los primeros ensayos, hasta el diseño de las coreografías que darán forma a su espectáculo. Un espectáculo lúdido, divertido e inmersivo producto del amor a la danza y la imaginación En un primer acto de carácter introspectivo y danza jazz/contemporáneo, el público fue testigo de cómo se construye una obra de danza desde cero, explorando no solo la técnica y la precisión del movimiento, sino también la convivencia artística, las dudas, el entusiasmo y la pasión que mueven a los intérpretes. Este fragmento buscaba ofrecer una mirada humana y cercana al universo de la creación escénica, evocando la atmósfera contracultural y creativa que marcó la escena artística de los años 70. Músicas maravillosas que pudimos disfrutar en nuestra juventud: Barry White, George Benson, Roberta Flack, Peaches & Herb Y Boney M. Tras este recorrido por el proceso creativo, la compañía revelará el resultado de su trabajo: un espectáculo inspirado en la Edad Media . En esta segunda parte , la Plaza General Alsina se convertirá en una auténtica plaza medieval, donde el público será transportado a siglos atrás mediante una cuidada ambientación visual, vestuario de época y un repertorio coreográfico basado en pasos y figuras documentadas en tratados y manuscritos de la época. La representación incluyó una serie de danzas cuidadosamente reconstruidas a partir de fuentes históricas , en un esfuerzo por rescatar la riqueza gestual y simbólica de las danzas medievales. La representación incluyó una serie de danzas cuidadosamente reconstruidas a partir de fuentes históricas El espectáculo no fue una simple exhibición: el espectador se vió inmerso en la narrativa y el ambiente de la Edad Media, convirtiéndose en parte activa del universo escénico, donde participaron activamente de las distintas danzas. Sin olvidar, la vertiente lúdica del evento, pues fue todo muy divertido, termianado con el juego de la silla donde donde el ganador fue obsequiado con un jamón donado por Alcampo Huesca. la compañía EDH pretende no solo entretener, sino también conectar al público con la historia La música e iluminación estuvieron a cargo de  Prixmapro y una escenografía envolvente creada por Esther que contribuiyo a generar una experiencia tan sensorial como emocional. Con esta propuesta, la compañía EDH pretende no solo entretener, sino también conectar al público con la historia , el patrimonio intangible del movimiento y la evolución de la danza como forma de expresión a lo largo del tiempo. Este evento forma parte de la programación cultural de verano impulsada por el Ayuntamiento de Huesca, oficina de Turismo y la colaboración de diferentes entidades locales comprometidas con la promoción de la cultura y las artes escénicas. José Espinosa, ante el éxito obtenido nos cuenta: "sería genial si el publico asistiera ataviado con ropa del medieval, y cara a futuro fuera una tradición el venir a disfrutar de este tipo de espectáculo y entrar en la plaza y volver al pasado. El director de EHD (Espacio Huesca Danza) agradece a sus bailarines/as: Juan, Laura, Héctor, Lucia, Iker, Aitana, Carlota y Paula, el gran esfuerzo que han hecho para llevar a cabo este espectáculo. Ha sido una noche en la que el público pudo conpartir con EDH un Sueño de Leyenda.

La castañuela española, el instrumento que comunica la música y la danza José de Udaeta Llama la atención que, siendo la castañuela el elemento fundamental y diferenciador de la danza española, apenas existan investigaciones en este campo que traten de desvelar la procedencia de su origen más allá de copiar y pegar algunas consideraciones genéricas apuntadas por José de Udaeta en su libro "La castañuela: origen y evolución" (Ed. Inaem 1989) . Si nos preguntamos desde qué época se toca en nuestra península, los autores aluden a un tiempo remoto que hunde sus raices en la prehistoria . No cabe duda de que las castañuelas son anteriores a la romanización. La primera referencia documentada sobre la existencia de unas "artistas" procedentes de Gadir (la actual Cádiz), se encuentra en la "Geografía" de Estrabón, escrita en el siglo II a. C . Sin embargo, este hecho es anterior pues se basa en un relato de Posidonio , un sabio astrónomo y geógrafo del que solo se conservan fragmentos de sus obras citados por otros autores, quien además de medir el radio de la circunferencia terrestre, estuvo en Gadir estudiando las corrientes marinas. Posidonio contó que desde allí, el navegante Eudoxo de Cícico partió hacia las costas de África, llevando entre su tripulación a un grupo de  muchachas gaditanas para entretenerles . En el texto no se precisan más detalles, no indica si eran músicas, bailarinas o prostitutas, aunque es posible que fueran un poco de todo. Sin embargo, es indudable que en el imperio romano se fue fraguando un estilo de danza interpretado por muchachas gaditanas (puellae gaditanae) , famosas por amenizar los banquetes romanos al son de la "crusmata baetica", como detallarán, entre otros, los poetas Marcial y Juvenal. Recreacción virtual de la antigua Gadir ¿Por qué de Gadir? En aquel tiempo previo a la conquista de Roma, nuestra penísula era para los romanos un terreno inexplorado. Pero Gadir sí les era conocido, al tratarse de una de las ciudades más antiguas de occidente, pues fue fundada por los fenicios en torno al año 1.000 a. C., siendo el puerto más importante de la zona. Por tanto, es lógico que, a la hora de definir a estas bailarinas procedentes de tan remoto lugar, quedasen identificadas bajo una referencia geográfica por ellos conocida . la denominación de "puellae gaditanae" aglutina a bailarinas procedentes de toda la zona sur de Hispania Es probable, pues, que la denominación de "puellae gaditanae" aglutinase a bailarinas procedentes de toda la zona sur de Hispania, pero cuyo sello de identidad radicaba en un estilo de danza propio que las hizo famosas y apreciadas en la Roma imperial. La "crusmata baetica" En el area mediterránea existe una gran variedad de instrumentos que , como la castañuela, pertenecen a la familia de los idiófonos . Son los instrumentos de percusión que producen sonido por sí mismos, sin añadir ningún otro elemento a su única materia, es decir, sin valerse de cuerdas o membranas. ¿Quiere esto decir que los idiófonos provienen unos de otros o que, por el contrario, en las diversas culturas desde la prehistoria han golpeado un objeto contra otro para emitir sus ritmos, llegando a modos diversos de similar naturaleza? Los historiadores clasifican este doble planteamiento de interpretación del mundo antiguo como difusionismo y convergencia . Por ejemplo, si las pirámides son una forma constructiva que existe en Egipto y a su vez en el mundo maya, según el planteamiento convergente es porque han ideado lo mismo en distintos lugares; mientras que la teoría difusionista situaría la base de dicha coincidencia en un nexo común entre ambas civilizaciones. Trataremos de dilucidar ambos aspectos basándonos en las pruebas que nos proporciona la arqueología y la filología clásica , que estudia los textos originales. La castañuela desde la arqueología En el campo de la arqueología existe un tipo de idiófono egipcio denominado castañuela egipcia o aplaudidores . En la colección de Eduardo Toda Güell, conservada en el Museo Arqueológico Nacional, poseemos una mitad del instrumento, pues originariamente eran dos partes iguales en forma de pequeños brazos, de unos 10 cm de longitud, unidas por un cordón en su base que se agitaban una contra otra. Mitad de una "castañuela" egipcia. Museo Arqueológico Nacional Echándole un simple vistazo a la castañuela egipcia, que es una pieza que suele datarse más allá del año mil antes de nuestra era, resulta evidente que requiere una gran dosis de imaginación contemplarlo como el antepasado de la nuestra. Más problemática es la cuestión de si proviene o no del crótalo griego. Continuando por la pista que nos marcan los objetos arqueológicos, dicho instrumento lo encontramos sobre todo representado en las cerámicas áticas del siglo V a. C. , caracterizándose por ser de forma alargada con un punto de unión en su base. También figura representado en las vasijas de la misma época un tipo de crótalo terminado en forma de "T". Sea como fuere, este instrumento con el que en la Grecia Clásica se acompaña a las danzas, tiene una morfología con caracteres propios y diferenciados. Los idiófonos, en sus distintas formas, acompañaron los bailes a los largo del Mediterráneo. La castañuela desde la filología: diferencias entre el crótalo y la "crusmata". El error de traducirlas con el mismo término Es en el ámbito de la filología clásica, estudiando las palabras utilizadas en las obras latinas, donde encontramos otra pista fundamental para clarificar si el instrumento que tocaban las "puellae gaditanae", la "crusmata baetica" se corresponde con el crótalo. Francisco Asenjo Barbieri El compositor Francisco Asenjo Barbieri , nieto de la bailarina bolera Paula Luengo, fue un eminente investigador de la historia de la danza . Su afición cobró tales dimensiones que, a lo largo de su vida, fue recopilando los tratados originales que sobre la materia conforman actualmente la valiosa colección que custodia la Biblioteca Nacional de España. En un estudio jocoso que publica bajo el título "Las castañuelas" (Ed. Madrid, 1878) considera erróneo que al estudio de la castañuela se denomine crotalogía, cuando en realidad debería nombrarse como "crusmatología". Al maestro Barbieri le corresponde el mérito de señalar por primera vez que crusmata y crótalo son diferentes Y es que el problema de haber identificado los dos tipos instrumentos como si se tratase de uno solo , se debe a una traducción simplificada y errónea de los textos latinos. Ambos tipos de idiófono, crótalo y crusmata, se han traducido como "castañuela" cuando en las obras latinas son palabras distintas . La crusmata y el crótalo en los textos latinos Analicemos algunos ejemplos extraidos de los propios textos en latín. En este sentido quiero resaltar la interesantísima tesis doctoral escrita por Zoa Alonso, profesora de Filología Clásica de la Universidad Auónoma, titulada "La danza en época romana: una aproximación filológica y lingüística" Así , en un poema de Virgilio se describe a una tabernera siria .-justamente, la bailarinas más famosas de Roma solían ser extranjeras, como las sirias, las licias y las gaditanas, y pertenecían a los estratos más bajos de la sociedad-. La tabernera siria (copa Syrisca) toca los crótalos, y los asemeja en el último verso a cañas (calamos) .   Copa Syrisca, caput Graia redimita mitella,   Crispum sub Crótalo docta movere latus,   Ebria fumosa saltat lasciva taberna,   Ad cubitum raucos executiens calamos .   El poeta Marcial es quien dedica más poemas a las "puellae gaditanae" , pero observamos cómo ellas no tocan crótalos sino crusmata. Se refiere a una esclava llamada Teletusa ¿Era de Cádiz? el poeta Marcial no lo indica, sino que se limita a especificar que baila al estilo gaditano (Gaditanis ludere docta moris). Experta en hacer gestos lascivos al son de las castañuelas béticas y bailar con ritmos gaditanos, esta podía empalmar al tembloroso Pelias y excitar al marido de Hércuba junto a la Pira de Héctor, Teletusa tortura y excita a su antiguo dueño: la vendió como esclava y ahora la vuelve a comprar como dueña (Mart. 6, 71, 1-6) El tercer y último ejemplo es de Juvenal, que define el instrumento que toca la bailarina de Gadir como concha . (Iuv. 11, 171-174)   CONCLUSIONES SOBRE LOS TEXTOS: Las bailarinas gaditanas tocan la "crusmata" o algo similar que tiene forma de concha, un instrumento distinto al crótalo, que utilizaban otras bailarinas y que debía ser más alargado, como una caña. En la Roma clásica había un estilo de danza que se identificaba como gaditana, más allá del lugar de procedencia de la bailarinas. Fragmento del mosaico de Villa romana del Aventino, siglo I a II d. C. Museo Nacional de Italia A favor de la convergencia en el origen de la castañuela española Una característica de que diferencia a los seres humanos del resto de los animales es su capacidad para crear belleza. El goce estético es un placer reservado únicamente a los de nuestro género. El ritmo es el origen de la música y los instrumentos más primitivos eran de percusión, y posteriormente, los de viento. Y si como decía Oscar Wilde que la vida imita al arte, la castañuela , por su forma, queda claro que imita una concha marina. Son dos conchas de mar que se perforarían y se unirían con algún tipo de cuerda por sus "orejas", y más tarde se fabricarán de madera. Una de las conchas quedaría atada a los dedos dejando libre el pulgar, y la otra, se colocaba chasqueando a su contraria desde la palma de la mano. Castañuelas ibicencas Una de las modalidades más curiosas de castañuela es la ibicenca, instrumento de gran tamaño que se toca por el bailarín como una prueba de fuerza o destreza , en una danza que es de cortejo y se remonta a los tiempos antiguos, cuando ellos eran guerreros y ellas damas o vestales. El mismo tiempo ancestral se vislumbra en otras danzas de cortejo como el Pericote asturiano . Una pista sobre la convergencia, sobre el surgimiento de unos tipos de instrumento parecidos en distintas áreas culturales de forma autónoma , y es que cada civilización los contruye a partir de los materiales que la naturaleza les proporciona. Así en el oriente mediterráneo, los egipcios construirían sus idiófonos con las cañas del Nilo, por eso sus instrumento evoluciona hacia formas alargadas como son los aplaudidores y los crótalos; en España, si nace de las conchas marinas (el texto de Juvenal nos habla de conchas) aparece nuestra "crusmata baetica". Como es de sobra conocido, no será sino a partir del siglo XVIII con la aparición de la escuela bolera, cuando la castañuela se anuda en el dedo pulgar. Muchas danzas folklóricas españolas se siguen interpretando con el instrumento anudado en el dedo corazón. La convergencia existe muy claramente entre los instrumentos de viento. Por ejemplo, la flauta de Pan, se da tanto en el mundo grecolatino como en las civilizaciones andinas. Y aparece de forma autóctona, sin referencia alguna, las diferentes culturas adoptan modos similares. Cuanto más se sofistica el instrumento, más diferente es su tipología. Lo que es completamente indudable es que es España el único lugar del mundo en el que la castañuela ha evolucionado en tan diferentes modos de forma y riqueza cultural. Un ejemplo de pervivencia en las formas: el relieve de Osuna Los modos y formas perviven en el tiempo . No puedo dejar de referirme a una pieza que se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional: el relieve de Osuna datado en el siglo II a C. En este se muestran dos fragmentos de dos personas vestidas distinta distinta: son un íbero y un romano . Relieve de Osuna, siglo II a C. Museo Arqueológico Nacional El íbero retratado viste con una capa con capelina, frente al romano ataviado con su toga. Esto prueba que la capa española ya existía en el tiempo en que las "puellae gaditanae" tocaban las castañuelas , y además tanto la capa como las castañuelas han llegado hasta nuestros días. la capa española existía en los lejanos tiempo en que las "puellae gaditanae" tocaban las castañuelas En una conferencia del eminente arqueólogo, el profesor Martín Almagro , pronunció una frase que me impactó pues con ella expresó una clave fundamental para la interpretación de la  realidad histórica: "lo que no molesta, perdura en el tiempo, y lo hace en periodos de larga duración" . MERCEDES ALBI Nota.: esta tesis fue expuesta por primera vez en la conferencia "la Danza en Madrid y sus protagonistas" Biblioteca Regional de Madrid , junio 2025