La gala fue una auténtica fiesta de la danza. El esfuerzo realizado por José Carlos Martínez y por todos los miembros de la Compañía Nacional de Danza se dejó sentir, y se tradujo en una especie de catársis de felicidad que recorrió el patio de butacas. Se abría el telón y cada pieza -dentro de la línea versatil y ecléctica de la CND- suponía una nueva aventura estética, musical, plena. Un ejemplo vivo de lo que el gran Diaghilev daba como único consejo a los artistas: “sorpréndeme”. Y fuimos sorprendidos. Las cuatro horas que duró la gala pasaron sin sentir, destacando el gran mérito que tuvo el lograr unir en un mismo espectáculo tres grandes compañías, pues el Ballet Víctor Ullate y el Ballet Nacional de España participaban en tan especial homenaje. Hubo momentos sublimes, como el pas de deux de “El Corsario”, donde el esclavo, Alessandro Riga, nos hizo contener el aliento; el solo de “Raymonda Divertimento” -coreografía de José Carlos Martínez- y “El Cisne” de Ricardo Cue, interpretado por Esteban Berlanga, una pieza de pura poesía donde belleza y muerte quedan indisolublemente unidas por la música de Saint Saëns. Los nuevos creadores, entendiendo este matiz de “novedad” no en la malinterpretada acepción que restringe el término a “jóvenes de menos de 25 años”, sino refiriéndose a los profesionales que tras una larga y consolidada carrera dancística, se sienten maduros para emprender la coreográfica. Ellos fueron el gran descubrimiento de la noche. Así, especialmente sutil, sensible, conmovedora, fue “Aimless” bailada magistralmente por Tamako Akiyama y su creador, Dimo Kirilov Milev. También nacida de la misma entraña de la CND, la Compañía Imposible Danza, interpretó "Seis Minutos de Vida”, de Amaury Lebrun, una pieza intensa, bañada de una melancolía contenida, donde la soledad de los protagonistas queda unida por el hilo de la ausencia. También hubo un lugar para el recuerdo. Y los bailarines de la CND hicieron regresar a la vida a Tony Fabré, transformándose en las notas de su partitura: “Violón d´Ingres”. “Bolero”, obra de Víctor Ullate -uno de los más destacados discípulos de María de Ávila- danzado por los bailarines de su compañía, puso el acento sofisticado y personal del gran maestro y coreógrafo. En un café de los años 20, la tensión sexual, la atracción del hombre y de la mujer van “in crescendo”, tal y como la famosa melodía de Ravel se va intensificando hasta alcanzar su climax. Después del segundo descanso, llegó el colofón. El Ballet Nacional de España subió al escenario “Ritmos” de Alberto Lorca, una obra estrenada en 1984 bajo la dirección de María de Ávila. Es un ejemplo de que las buenas coreografías perduran en el tiempo, y al volver a verlas siguen siendo tan actuales como hace treinta años. Pero la gran sorpresa de la noche la protagonizó Antonio Najarro, que volvió a las tablas de forma excepcional en tan señalada fecha, y demostró que con él, la danza ha perdido un gran intérprete, aunque ha ganado un gran director. Esta fiesta de la danza concluyó con el energético “Minus 16” de Ohad Naharin. Fue una verdadera explosión de emociones. Cuando los bailarines descendieron al patio de butacas y escogieron a varias personas del público para bailar, todo se transformó en una especie de locura, una locura en la que todos participamos. Y esa locura no es otra que la generada por la ilusión y el rebosante talento de nuestros artistas, que una vez más, contra viento y marea, se dejan la piel para entregarnos lo mejor de sí mismos. MERCEDES ALBI

Hoy se nos ha desvelado una maravillosa sorpresa: los detalles de la gala que servirá de cierre a los eventos conmemorativos del 35º Aniversario de la CND. El programa consta de tres partes, separadas por dos descansos. Así: PRIMERA PARTE La Compañía Imposible Danza, formada por exmiembros de la formación, estrenarán la pieza de Amaury Lebrun, 6 MINUTOS DE VIDA. Veremos bailar a Mar Ló pez, Eva López, Alicia Pérez, Alba Zamora, Daniel Alonso y Germán Cabrera. A continuación tres piezas clásicas: el "Festival de las Flores en Genzano" de August Bournonville; El paso a dos de "El corsario"y "Raymonda Divertimento", ambas piezas coreografiadas por José Carlos Martínez sobre las inspiradas en las precedentes de Bournonville, y Petipa-Nureyev, respectivamente. Iniciará la SEGUNDA PARTE, un solo lleno de lirismo, "El Cisne", coreografía de Ricardo Cue, danzado por Esteban Berlanga, al que podemos ver en esta escena del 2º acto del Lago de los Cisnes: Seguirá "Aimless", una coreografía de Dimo Kirilov Milev, y otra del homenajeado y tristemente desaparecido, Tony Fabré, que con su "Violon D´Ingres", se recupera la menoria del que fuera su cuarto trabajo para la Compañía Nacional de Danza 2. En ella Fabre utiliza música para cuerda de grandes compositores de los siglos XVII al XX y crea, con los bailarines, un divertido juego repleto de variedad y diversidad coreográfica donde los Solos, pasos a dos y pasos a tres se suceden sin concesión alguna al descanso. Un trabajo alegre y dinámico, acorde con la música y la joven compañía para la que fue creado. Y cierra la segunda parte "Bolero" de Víctor Ullate con el Ballet de la Comunidad de Madrid Bolero se estrenó por el Víctor Ullate Ballet en la Ópera de Vichy el 19 de julio de 2013. En esta nueva versión de Ullate se vuelve a la coreografía original, en la que una pareja era el eje central; la puesta en escena se basa en la dicotomía hombre-mujer, con un elenco que siempre hace su aparición en formación de parejas. En la TERCERA PARTE, se vuelve a poner en cartel por el Ballet Nacional de España. "Ritmos" de Alberto Lorca, y será una de las pocas ocasiones de ver bailar a su director, Antonio Najarro, que ha querido participar en tan señalado homenaje. La gala finalizará con la energía de "Minus 16" de Ohad Naharin, de la que ya pudimos disfrutar en el programa contemporáneo que se ha representado estos días. José Carlos Martínez ha definido la intención de esta gala, homenaje a María de Avila y Tony Fabré, como un "momento de recuperación y reconciliación con el pasado, de cara a construir un futuro sólido, y qué mejor manera de homenajear la trayectoria de la compañía que rememorar la figura de dos nombres que han marcado su historia" Será un día inolvidable!!! PAOLA PANIZZA

Salimos de ver la última creación de Chevi Muraday, “En el desierto”, y nos encontramos con él en el bar de El Matadero, donde se podrá ver hasta el próximo 26 de octubre. Nadie debería perderse la experiencia de transitar con Losdedae por una obra perfecta. Es como pasear por un sueño. Logran sumergir al espectador en un mundo onírico lleno de poesía y con múltiples significados. Tantos que “En el desierto” se impregna en la mente y sus imágenes, su mensaje, se repiten a modo de “flashes” durante los días siguientes a su visualización. Es como si una parte tuya se hubiera quedado sobre el escenario. Es mejor no escribir sobre ello, pues no hay palabras que reflejen esa conmoción esperanzada y a la vez aterradora que significa “En el desierto”. Hay que ir a verlo, sentirlo por uno mismo. Acodado en la barra me mira Chevi, le miro y no se qué decir. Él comprende mi gran impresión y me cuenta: -Es una obra de digestión lenta. Se necesita tiempo para procesarla. M – Es tan evocadora... Chevi – Verás, cuando nosotros generamos algo, lo generamos y punto. No somos conscienteS del impacto que puede tener en el público, por lo que me interesa mucho lo que me cuentan, me produce muchísima curiosidad. M - ¿Qué es lo que opinan? C – Pues sucede eso, que me llegan mensajes de facebook o whatsapp y me cuentan que no pueden olvidar la impresión que han recibido desde el escenario, que necesitan varios días para procesarlo. M – Es por la riqueza de la obra. Tiene un enfoque poético tan sugerente que estoy segura que cada uno que lo ve le ofrece un significado distinto, porque todos de una forma u otra pueden sentirse identificados. Así, los protagonistas podrían ser los palestinos de Gaza; los enfermos de ébola, y lo que es más aterrador, podría ser yo misma en este mundo occidental, en el que a veces nos sentimos también solos y sin esperanza. Y “En el desierto” te da una respuesta: resistir, y al final vemos la luz. Hasta imparte una filosofía... C – Yo he querido y he buscado esa pluralidad. Sentí que deseaba transitar, cruzar esa frontera que encasilla los géneros. Los bailarines hablan, los actores se mueven. Es un lugar en el que el movimiento y la palabra conviven. No me gusta cuando etiquetan que si es danza, que si es teatro... Derribemos las barreras que limitan la creatividad. También estoy cansado de que la danza contemporánea se reduzca siempre a unos mismos espacios. Hay que cruzar, ir más allá. Coseguir el Matadero un mes y con una compañía de danza de pequeño formato, ha sido y es una gran apuesta. Yo lucho por ello. M - ¿Cuál es el mensaje principal que desea trasmitir “En el desierto”? C – Es un mensaje esperanzador. Es lo mismo que deberíamos hacer en la vida: creando un grupo, podemos crear una resistencia. Hacer cosas juntos es lo que puede cambiar el mundo. MERCEDES ALBI

Hemos recibido la triste noticia del fallecimiento, el pasado 2 de octubre, de Antonio Robledo (1926-2014), uno de los artistas que más han contribuido a la difusión del arte español y del flamenco por el mundo. Y si España es ingrata con sus propios artistas, lo es mucho más hacia quienes no siendo españoles se convierten, por puro amor hacia su cultura, en uno de ellos. Es el caso de este compositor y pianista alemán, nacido en Hannover bajo el nombre de Armin Janssen, que un día se transformó en Antonio Robledo. Era el esposo de la bailarina suiza Susana Audeoud, que formó pareja artística con José de Udaeta durante 18 años; el famoso duo "Susana y José", que con las coreografías creadas por Susana, revolucionaron la danza española en la década de los 50. Antonio compuso la música de sus ballets y solía acompañarles al piano en sus actuaciones. Susana Audeoud y Antonio Robledo miraron nuestra cultura con ojos nuevos y supieron, desde su fascinación, abrir un campo vasto e inexplorado hasta entonces. Antonio, un compositor alemán que hacía música española; Susana una bailarina clásica cuyas coreografías revolucionaron la danza española, supieron crear numerosos ballets españoles, como “Pavana”, con trajes a la moda Felipe III; “La condenación de Don Juan” (1952), donde por vez primera se lleva este mito a la danza; “La Centaura” plagado de referencias a la cultura mediterránea; “La Celestina”… Y tantos otros, sin olvidar la última pieza que bailaron Susana y José de Udaeta titulada “No Hay Quien Nos Desate” (1963), basada en un grabado de Goya, y en la que, por vez primera, se mostraban dos bailarines atados por la cintura en clave de danza española. Pero sus descubrimientos no se limitaron al campo artístico, sino que en el terreno de lo humano también descubrieron el talento en los demás y lo hicieron brillar. Es el caso de Enrique Morente, a quien posibilitaron sus primeras giras por el extranjero cuando todavía era un joven cantaor desconocido, y tantos otros. También Carmen Linares actuaba con ellos. En 1984, Susana y Antonio protagonizaron un documental sobre una clase de flamenco para la National School of Canada (Toronto), titulado “Flamenco at 5:15”, que fue galardonado con el Oscar de Hollywood. Susana y Antonio, dejaron este mundo, pero en el continúa su legado, pues la compañía Flamencos en Route, fundada en 1984 bajo su dirección artística junto con su discípula Brigitta Luisa Merki, cumple este año su 30º Aniversario. El próximo 14 de octubre, le rinden a Antonio Robledo en Zurich un merecido homenaje. Las notas del programa contienen el poema de Rafael Alberti que el propio compositor escogió para su despedida: "Si mi voz muriera en tierra llevadla al nivel del mar y dejadla en la ribera" Descanse en paz, maestro. MERCEDES ALBI

Esta tarde en La Central del Museo Reina Sofía en un ambiente muy distendido, rodeados de alumnos, profesores y aficionados a la danza, ha tenido lugar la presentación de un nuevo título de la editorial Cumbres: “Divino Escenario. Aproximaciones a la Historia de las Artes escénicas”. Sus autores, Esther Merino Peral y Eduardo Blázquez Mateos, estaban acompañados por la directora de la editorial, Mayda Bustamante. El libro se inicia partiendo de la época de los Medici, en cuya corte el escenógrafo era considerado un artista total, que no se limitaba a escribir la obra, sino que su función abarcaba el conjunto acciones necesarias para la representación. Era una especie de valido cultural a quien se encomendaba la producción completa de los espectáculos. Fue el artista florentino Giulio Parigi (1571–1635) quien sentó las bases de lo que serán las artes escénicas en el mundo contemporáneo, incluyendo el cine y las últimas tendencias artísticas. Y es que las cortes del barroco más desarrolladas culturalmente, funcionaban como un auténtico “organismo teatral” objeto de este estudio pormenorizado. En el libro hay imágenes inéditas de gran valor, como grabados de Jaques Callot y de autores holandeses. Se han encontrado investigando directamente en los fondos de la biblioteca Nacional, sin que aparezcan referenciados en ninguno de los registros internacionales existentes. Eduardo Blázquez Mateos habló sobre el nacimiento del concepto de arte total, y su vigencia en creaciones actuales, de las que puso como ejemplo la obra “Luna llena” de Pina Bauch, que en su opinión cumple los parámetros de la concepción escénica global barroca, ya que Pina logra unir la danza con cine expresionista alemán y la pintura. Otro de los hilos conductores del libro es el jardín como elemento escenográfico, y el empleo del marco natural integrado en las obras representadas en las cortes del XVII. A modo de ejemplo mencionó que en el final del primer acto del ballet “Romeo y Julieta” de Nureyev, con escenografia de Enzo Firgerio, constituye un verdadero “canto al jardín”. Para finalizar el acto Mayda Bustamante agradeció a los asistentes su presencia, y recalcó el loable propósito que sirve de idea inspiradora a Ediciones Cumbres: acercar al público la danza, la música y las artes escénicas, siendo muy escasas las publicaciones de este tipo en España. Fue una verdadera clase magistral sobre artes escénicas, donde pudimos celebrar con sus autores el alumbramiento de un nuevo libro. PAOLA PANIZZA

Era el año 1916, los Ballets Rusos habían emprendido una gira por los Estados Unidos que recorrió las ciudades del norte en un par de meses. Nijinsky es rescatado de su cautiverio y se reune de nuevo con ellos. La Primera Guerra Mundial había modificado la hoja de ruta de los Ballets Rusos que trataban de sobrevivir buscando nuevos escenarios. Era Rómola, la esposa de Nijinsky, quien por entonces regía los destinos del gran bailarín con el que había contraido un sorpresivo matrimonio en 1913. Sin embargo, nada había sucedido como el cuento de hadas que habitaba en la imaginación de la joven aristócrata húngara desde que vió por primera vez a Vaslav; y fingiéndose interesada en ser bailarina entró como alumna de Chechetti, encontrando así la excusa perfecta para seguir a los Ballets Rusos, logrando finalmente su objetivo de casarse con uno de los artistas más famosos de su tiempo, aunque ni siquiera hablen el mismo idioma, ni a penas hayan intercambiado algunas palabras. Diaghilev se enteró de la boda por un telegrama enviado, y su enfado provocó el inmediato despido del bailarín. Lo cual es una reacción comprensible para alguien que se entera de repente, y a través de terceras personas, que su pareja se ha casado en secreto con una mujer a la que casi no conoce. Pero la guerra se cruzó en la vida de Nijinsky. Su hija Kyra nacía en Budapest tan solo diez días después del atentado de Sarajevo. El destino quiso que Nijinsky fuera un ruso que habitaba en Hungría, un simple enemigo para un país que entraría en guerra contra Alemania y Rusia. El bailarín fue detenido y permaneció preso durante dos años en su propia casa. No podía bailar, la guerra lo había cercado. Tal vez fuera ese el detonante del proceso mental que lo terminaría conviertiendo en un juguete roto, pues durante el cautiverio comenzó a mostrar los primeros signos de locura. Gracias a que Sergei Diaghilev hizo numerosas gestiones para liberar a Nijinsky -lo que logró gracias a la ayuda del rey Alfonso XIII y de las autoridades norteamericanas-, el gobierno austro-húngaro concedió al bailarín permiso para salir del país, con la condición de que viajase a Estados Unidos y no intentase regresar a Rusia. El martes 4 de abril de 1916 Diaghilev esperaba en el muelle de NY el barco donde viajaba Nijinsky con su familia. El célebre bailarín no sólo es acogido de nuevo por él como la gran estrella de los Ballets Rusos, sino que además y debido a las exigencias económicas desmedidas que el bailarín pretende instigado por Rómola, acuerdan que en la siguiente temporada la segunda gira estadounidense quedará bajo su cargo. Nijinsky se convierte en el "director" de la compañía en una especie de arrendamiento temporal. Será en 1917 cuando los Ballets Rusos llegan a Los Ángeles por primera vez, y los bailarines visitan los estudios cinematográficos, que por aquel entonces no son más que cuatro barracones de madera. Dos genios se encuentran: Vaslav Nijinsky y Charlie Chaplin; y se reconocen, pues causaran el uno en el otro una huella indeleble. Recientemente, se ha descubiero el guión que Chaplin escribió para hacer una película protagonizada por Nijinsky. ¿Cómo fue aquel encuentro? El mismo Chaplin lo describe con detalle en sus memorias: <> La película que se filmaba era "Eassy Street", traducida al español bajo el título "Charlot en la calle de la Paz": Chaplín no había ido nunca al ballet, y es invitado a una función matinal de la compañía. Así describe la impresión que le causa ver bailar a Nijinsky: <> (siguiente) MERCEDES ALBI

Chevi Muraday da un paso más en la confluencia de movimiento y voz. El coreógrafo y bailarín continúa con su viaje en que donde sin llegar a salirse de la danza da unos pequeños pasos en el teatro con 'En el desierto' (Naves del Matadero de Madrid; hasta el 26 de octubre). Al baile y la música vuelve a sumar Muraday la palabra, procedente en esta ocasión de de textos escritos por Guillermo Clua y Pablo Messiez. Con ellos comparten este interesante experimento los integrantes de la compañía del Premio Nacional de Danza, Losdedae, y un grupo de actores, entre los que se encuentran veteranos de los escenarios teatrales como Ernesto Alterio y Maru Valdivielsio. La obra reúne a siete personajes que no se sabe muy bien hace donde van ni quiénes son exactamente. Inspirados en algunos de los clásicos de la literatura universal, desde Don Quijote a Gregor Samsa, son unos seres que transitan por unos espacios donde para muchos aparentemente no hay lugar para la vida, lo que ellos desmienten con la unión de sus movimientos y sus palabras. Pero el trabajo no se queda ahí. La obra quiere mostrar la situación de la cultura en España, a la que se la empuja cada vez más hacia el desierto. “Estamos viviendo en una sociedad de expulsados. Nos expulsan de nuestros lugares de origen, de nuestras casas y nos obligan a abandonar nuestro país o los teatros” asegura Muraday, que no quiere oír hablar de transigir ante semejante estado. “En el desierto hay oasis y semillas por germinar. No nos resignamos a que las dunas lo invadan todo”, clama ante un panorama tan oscuro y ante el que el “conformarse” es lo último que hay que, y él está dispuesto a hacer. Una forma de enfrentarse a esa situación es 'En el desierto', una propuesta que nació de forma casual. Fue en la Nochevieja pasada, durante la celebración del cambio de año, Muraday y Alterio, cuando Muraday y Alterio conectaron. Ambos se conocían de la Escuela de Cristina Rota, pero no habían trabajado juntos. Ese día decidieron hacerlo, para lo que el actor se unió a las improvisaciones que Losdedae y otros artistas empezaron el pasado enero. De esos encuentros surgieron los materiales que posteriormente Clua ensambló para los escenarios. Y que hablan de que en el desierto hay mucha vida y creación a pesar de que todo anime a no hacer nada. De una forma muy poética eso existe en la pieza, nos empujan hacia un desierto en el cual no creo. Al contrario, creo que hay mucho por germinar todavía y mucho que hacer. CARLOS GALLEGO

El programa clásico, el primero de los dos que la CND sube al escenario de los Teatros del Canal, con piezas de Balanchine, José Carlos Martínez y William Forsythe, celebra los 35 años de su creación. Sin embargo, la elección de las obras es muy poco significativa de la andadura histórica que se conmemora, y obedece más bien a una clara muestra de su rumbo actual: la denominada línea ecléctica que se inicia bajo la dirección de José Carlos Martínez. Muchas han sido las fracturas y rupturas que ha vivido nuestra compañía nacional durante estos 35 años, siendo la marcha de Nacho Duato su trauma más reciente, al llevar aparejada la prohibición de representar las coreografías que conformaban el núcleo central de su repertorio. Fue un duro momento de reconvención, al que se le sumaron los problemas derivados de la crisis económica con una merma considerable de los recursos y de los derechos de los bailarines. La compañía busca su camino y avanza. El esfuerzo y la ilusión de sus bailarines es algo que se siente, que llega al público. También el gran encanto de su director, Jose Carlos Martínez. Sus trabajos coreográficos, como el “Raymonda Divertimento” del que hemos disfrutado esta noche, quedan impregnados de una sutil delicadeza. Su mundo creativo es un universo armónico de abstracta belleza, que necesitaría una mayor dotación económica para lucir en todo su espledor. José Carlos es un gran pintor que tiene una restringida paleta de colores y a ella está obligado a ajustarse. Pero cuando los recursos son escasos, el único modo de superar las limitaciones reside en el campo de las ideas. Y no sólo en las propias, sino también en las de los demás. En general, es un tema muy comentado el del exilio forzoso de los bailarines españoles, pero hay otro éxodo del que nadie habla: el de nuestros creadores. Tenemos un enorme potencial de artistas infrautilizados. Algunos, los más afortunados,triunfan y estrenan sus coreografías en el extranjero. Hoy los eché en falta. Recuerdo el “Babylon” de Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo, o el “Nipon Koku” de Marcos Morau, por citar dos ejemplos de maravillosas creaciones. También faltan los “hijos” de la CND y siento que en ellos se encuentra su verdadero potencial. Son los artistas que se formaron en su seno, y derramaron día a día su sudor, su energia, su esfuerzo, entregando una parte de sus vidas durante alguna de las 35 temporadas que hoy se cumplen... Entre estos hijos hay incluso quienes se han visto obligados a dejar de coreografíar ante la imposibilidad de sostener sus compañías y están dando clase en los conservatorios; otros estrenan sus ballets fuera de España, sin que aquí podamos disfrutar de su talento... Una buena inciativa es "Imposible Danza" formada con excomponetes de la compañía, y a la que veremos actuar en el homenaje a María de Ávila y Tony Fabré, programado los día 18 y 19 de octubre. Los hijos de la compañía son semejantes a las notas dormidas en el "arpa" de la CND, tal y como Gustavo Adolfo Becker escribiera en su famoso poema: “¡Cuánta nota dormía en sus cuerdas, como el pájaro duerme en las ramas, esperando la mano de nieve que sepa arrancarlas... ¡Ay!, pensé; ¡cuántas veces el genio así duerme en el fondo del alma, y una voz como Lázaro espera que le diga “Levántate y anda!" MERCEDES ALBI (Fotografías de Jorge Álvarez)

Nos acercamos a la sede de la CND. Es viernes 26 y comienza “Aprendanza“, un encuentro dirigido a docentes y a personas interesadas en la educación. Es uno de los eventos que forma parte de las actividades pedagógicas de la compañía nacional. El ambiente es alegre y distendido. La primera instrucción que nos dan es para confecionar nosotros mismos nuestra identificación, un muñequito de cartulina con nuestro nombre. Sobre unas mesas del hall las piezas estaban recortadas y coloreadas, era el momento de que los 150 asistentes comenzásemos a "crear". Pasamos a la Sala 1 de ensayos, donde recibimos la agradable sorpresa de presenciar un ensayo de la compañía. Los bailarines nos van a mostrar un fragmento del "Raymonda Divertimento", una variación para bailarina de esta piezan coreografíada por José Carlos Martínez. Los tutús han sido confeccionados en el Taller de Carmen Granell y son una prendas vaporosas y de elegante sencillez. Elna Matamoros nos presenta las guías didácticas que acaba de publicar -"Balanchine para jóvenes"-, contenidas en dos ediciones según se dirijan al público adulto o a los niños. Fue un placer escucharla hablar sobre el “Allegro brillante" de Balanchine. El célebre coreógrafo dedicó la pieza a Maria Tallchief. Es una obra que requiere una ejecución rápida y virtuosa. Balanchine, como gran enamorado de las mujeres, recibía directamente de las bailarinas la inspiración, y desarrolló para ellas una técnica especifica de puntas que Elna Matamoros nos explicó con detalle. Se repartieron las zapatillas de puntas para todos los asistentes y disfrutamos del ensayo. La segunda parte de la jornada tuvo lugar en la Sala dos, y consitía en un taller de movimiento dirigido por Agnes López del Río, con la participación de los bailarines Elisabeh Biosca y Antonio de Rosa. El reto que nos plantearon consistía en crear un solo y un dúo e interpretarlo. Para la pauta de creación del solo debíamos imaginar que estábamos dentro de un cubo de seis superficies sobre las que -con los brazos o las piernas, incluso la cabeza- escribiríamos la palabra “Apren“. La coreografía se complica y unifica al ir transformandola en un duo hasta coordinarse con el resto de los participantes. Nos dividimos en tres grupos para poder mostrar el trabajo realizado, el cual se integrará formando parte de la estructura coreográfica de la performance que se ha presentado esta mañana de domingo en la Nave 16 del Matadero. Ha sido una divertida y grata experiencia que ha logrado su objetivo, pues la danza se ha integrado como una nueva forma de expresión artística entre los asistentes. PAOLA PANIZZA

Este viernes comienza una de las actividades paralelas que la CND anuncia dentro de los actos de celebración de su 35ª Aniversario. Es un encuentro entre danza y educación, y se incluye dentro del marco de las acciones pedagógicas que la compañía nacional realiza gracias al patrocinio de la Fundación Loewe, organizado por la LÓVA con la colaboración de Matadero Madrid. Las plazas se han agotado en la presente edición, pero se puede solicitar información para próximas convocatorias. "Aprendanza" tendrá lugar del 26 al 28 de septiembre en los espacios de la CND y de Matadero Madrid. P R O G R A M A C I Ó N VIERNES, 26 -18.30h Bienvenida en la sede de la CND (Compañía Nacional de Danza) -19:00h. Ensayo de la CND, con Elna Matamoros -20:00h. Pensar en movimiento (Agnés López Río y bailarines de la CND) Taller enfocado a la generación de movimiento mediante el uso de herramientas creativas. Nos guiarán los bailarines integrantes de la Compañía Nacional de Danza a través de una serie de sencillas actividades. Auto-diseñaremos material coreográfico mediante el uso de las propias habilidades físicas, creativas y de imaginario. SÁBADO 27 -10:00h Espacio abierto (Nave 16 de Matadero) Ven, haz tus propuestas y descubre las de ciento cincuenta personas que asistís a #aprendanza. El espacio abierto permite al grupo generar, participar y disfrutar de actividades autogestionadas en uno de los mejores espacios culturales de Madrid. -10:00h (en paralelo al espacio abierto) Punto de encuentro (Elena Blázquez, María Escobar y Anto Rodríguez, a través de Artea) Un espacio nuevo entre lo visible y lo invisible. Una instalación que te invita a explorar, a descubrir con y desde el cuerpo, de forma lúdica y espontánea -14:30h "A la orillita del río" Trae tu bocata gourmet y sigue conociendo #aprendanzantes a orillas del que probablemente sea uno de los ríos más caudalosos del planeta -De 16:00 a 20:30h Talleres (espacios de la CND y Matadero) Participa en dos de estos cuatro talleres 50 cosas que hacer en este taller por Paloma Calle Sylphides PI, por Íker Gómez ¿Te gustaría poder aprender a hacer una coreografía? ¿Te gustaría poder llevarla al escenario de un teatro? ¿Y te gustaría poder compartir vivir esa experiencia junto a bailarines profesionales? Juego, luego existo por Alejandro García de Los Glayus. El juego como principio de creatividad y aprendizajes, como motor de movimiento orgánic De la cabeza a los pies por Eva Pasalodos A través del tacto, aprende a conectar con la intuición y descubre que puedes a través de un masaje sencillo, saludable, relajante y divertido. DOMINGO 28 El aula se mueve (espacios de la CND y Matadero) de 10:00 a 13:00-Participa en dos de estas cinco experiencias: -Mueve tus emociones… con las canciones por Santi Monforte (CRA El Trescaire) -Un colegio emocionante, con los alumnos y Olga Moreno del CEIP Joaquín Costa. -Línea en danza: arte visual y movimiento con Miguel Olmo del CEIP Cristóbal Colón. -Danzan las aulas, con alumnos del Aula de Danza de la Universidad Carlos III Y para finalizar a las 13 horas, The performance – #aprendanza, serie 1 , por Agnès López Río y bailarines de la CND. Será el evento de clausura en el que utilizando el material generado en el taller del viernes, y bajo la dirección de los bailarines de la Compañía Nacional de Danza, se diseñará una estructura coreográfica para realizar una muestra. (Foto cabecera cedida por LOVA)

Asistimos a la rueda de prensa de la CND que se ha celebrado en la Sala de Prensa de los Teatros del Canal. Su director, José Carlos Martínez, se muestra ilusionado con la celebración de una fecha tan significativa como es el 35ª “cumpleaños” de nuestra Compañía Nacional de Danza. A lo largo de su historia han pasado por ella muchos artistas por lo que considera que ha llegado el momento de ofrecer al público una muestra de todo lo que se ha hecho desde su fundación. La celebración coincide con los tres años que él mismo lleva al frente de CND, y ha querido presentar una programa que contenga tanto el momento actual como el pasado de la compañía. Sobre la escena de la Sala Roja de los Teatros del Canal del 3 al 19 de octubre se exhibe un doble programa: "Clásicos de hoy (de Petipa a Forsythe)", con música en directo de la Orquesta Filarmónica Mediterránea, interpretará el Allegro Brillante de Balanchine, Delibes Suite y Raymon­da Divertimento, coreografiado por José Carlos Martínez; y para finalizar In the Middle, Somewhat Elevated de William Forsythe. Sobre las razones que le han llevado a escoger estas obras, ha explicado que la elección del "Alegro brillante" de Balanchine guarda relación con los tiempos en que la compañía fue dirigida por Maya Plisetskaya. Fue en está época cuando se estrenó por primera vez en España una obra de Balanchine "Serenade", pero debido a la arriesgada ejecución que tiene esta pieza, ha preferido escoger el "Allegro Brillante". La “ Delibes Suite “ del propio José Carlos, será interpretada por Natalia Muñoz. También se pondrá en escena "Raymonda Divertimento", otra coreografía del director que se estrena por vez primera en Madrid con el vestuario cedido por el Ballet de Zaragoza. "¿Quieres bailar con nosotros?", será en cambio un programa totalmente contemporáneo -Herman Schmerman. Coreografía de W. Forsythe; Casi-Casa de Mats Ek; y Minus 16 de Ohad Naharin- mostrando el sello de esta línea ecléctica que sigue la compañía. El broche de oro lo pondrá el homenaje que se rinde a María de Ávila y Tony Fabré. En recuerdo se estos dos artistas, se danzarán piezas que forman parte de la historia de la compañía, con coreografías de Víctor Ullate, María de Avila, Ray Barra, Maya Plisetskaya, y Tony Fabré. Y una agradable sorpresa: el Ballet Nacional de España y el Ballet de Victor Ullate, así como la compañia Imposible danza, con una coreografía de Amaury Lebrum, se sumarán a esta conmemoración. Además tendrán lugar para completar la celebración una serie de actividades paralelas -conferencias, exposiciones, publicaciones...-, entre las que destaca la conferencia que el próximo 19 de octubre impartirán mano a mano, Víctor Ullate, que fue el primer director de la CND, junto con José Carlos Martínez. ¡Feliz aniversario! PAOLA PANIZZA (Fotografías de escena por Jesús Vallinas)

La danza contemporánea resiste en Madrid. A pesar de la crisis, y de las dificultades existentes aún sin crisis, todavía hay salas y compañías que conservan vivo su interés por que este tipo de manifestación artística tenga su espacio en la ciudad. Como Cuarta Pared y su compañía residente, Provisional Danza, que durante tres semanas de septiembre y octubre levantan su Territorio Danza en pleno barrio de Embajadores de la capital. "Best of you" Pero la undécima edición de la cita, que tendrá lugar hasta el 12 de octubre, no quiere limitarse a decir bien alto ese 'Staying alive' con el que Anna Vallés y la compañía Matarile Teatro han titulado el espectáculo con el que regresan a Madrid. Territorio... quiere seguir mostrando la vitalidad y los caminos de la danza contemporánea, para lo que ha reunido a formaciones veteranas y jóvenes de la escena nacional. Hooked- Still Entre otras figuran La Intrusa, que presenta 'Best of you', Cielo Raso (Karaoke) y La Sala que, con Hurycan' ofrecen un programa doble formado por 'Hooked' y 'Je te haime'. "Bailar, volar..." La muestra comienza con Carmen Werner. Aunque en esta ocasión no será con la Premio Nacional de Danza de 2007 al frente de su compañía, sino con una obra especial salida del taller que recientemente impartió a una serie de bailarines. 'Bailar/Volar' es una pieza coral con la que Werner y sus alumnos buscan “despegarse del suelo, flotar por unos segundos, superar la fuerza de la gravedad, imponerse a ella”. Así, piensan, debe ocurrir con la danza donde hay que proponerse retos para “superarlos” y que así surja “la creación, el arte”. "Je te haime". Foto Sara Martín Posteriormente Werner y su compañía, en colaboración con Daniel Abreu, presentarán su último trabajo, 'Tell me', con el que clausurarán la muestra. Unos días antes, tres bailarines de Provisional Danza formarán el elenco de la ya tradicional 'Noche de solos', una cita que permitirá asomarse a las propuestas en solitario de algunos de los más recientes integrantes de la compañía. (N de P)